tag:blogger.com,1999:blog-24591553055089672382024-03-13T06:00:17.142+01:00JazzUn casual horizonte de horizontes, sonidos, sensaciones...
bienvenid@Hugo Enojohttp://www.blogger.com/profile/15712978877119647738noreply@blogger.comBlogger66125tag:blogger.com,1999:blog-2459155305508967238.post-68484610383765449562012-04-12T13:42:00.000+02:002012-04-26T20:27:46.100+02:00Almas de arena y duna<div style="text-align: justify;">
<a href="http://4.bp.blogspot.com/-rYjhnOZIr6U/T4a5Zt7mdAI/AAAAAAAABpk/UoaXGFYluTY/s1600/IMAG0193.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="400" src="http://4.bp.blogspot.com/-rYjhnOZIr6U/T4a5Zt7mdAI/AAAAAAAABpk/UoaXGFYluTY/s400/IMAG0193.jpg" width="238" /></a>En vista de que las palabras no brotan sin la sensación de "obligación" que me niego a asociar con el blog colgaré las fotos del concierto con el minitexto que estaba escrito desde el día siguiente.<br />
<br />
Llegó, el 19 llegó y trajo el espíritu de los hombres libres del desierto y su música excepcional. Está muy reciente la <a href="http://ferranblasco.blogspot.com.es/2012/01/blues-en-mali-el-delta-vuelve-al-hogar.html" target="_blank">entrada </a>sobre
estos geniales músicos como para que sea necesario repetir lo
imprescindible que es acercarse a su producción y delitarse con ella. El
motivo del post es intentar compartir el goce que representó el
concierto de anoche, no seríamos más de 300 personas en la Sala Apolo,
con los posibles lectores que no tuvieron la fortuna de estar allí.<br />
<div style="text-align: justify;">
<a href="http://2.bp.blogspot.com/-keeB1_6nsDM/T4a5V4az44I/AAAAAAAABpI/oKs-8TV6mWg/s1600/IMAG0189.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="150" src="http://2.bp.blogspot.com/-keeB1_6nsDM/T4a5V4az44I/AAAAAAAABpI/oKs-8TV6mWg/s200/IMAG0189.jpg" width="200" /></a>El
recinto es casi familiar y todo lo que pasa en el escenario transcurre
muy cerca, ello permite convivir con los músicos y con sus guiños y
quehaceres no musicales.</div>
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-q7viL3tRIAQ/T4a5VLTDQTI/AAAAAAAABpE/HuQYtf0HVnA/s1600/IMAG0186.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="238" src="http://3.bp.blogspot.com/-q7viL3tRIAQ/T4a5VLTDQTI/AAAAAAAABpE/HuQYtf0HVnA/s400/IMAG0186.jpg" width="400" /></a><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://4.bp.blogspot.com/-KVjKGyFjBTg/T4a5XNqEZlI/AAAAAAAABpU/vrA_Y8dhwXY/s1600/IMAG0191.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="380" src="http://4.bp.blogspot.com/-KVjKGyFjBTg/T4a5XNqEZlI/AAAAAAAABpU/vrA_Y8dhwXY/s640/IMAG0191.jpg" width="640" /></a></div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-ZXBZsCwJsuQ/T4a5YnY_mJI/AAAAAAAABpc/pdB0i5IQwcg/s1600/IMAG0192.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="238" src="http://3.bp.blogspot.com/-ZXBZsCwJsuQ/T4a5YnY_mJI/AAAAAAAABpc/pdB0i5IQwcg/s400/IMAG0192.jpg" width="400" /></a></div>
<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://2.bp.blogspot.com/-HAZRGCReWFY/T4a5cC-CYUI/AAAAAAAABp0/cRqhqLgQbqA/s1600/IMAG0195.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="382" src="http://2.bp.blogspot.com/-HAZRGCReWFY/T4a5cC-CYUI/AAAAAAAABp0/cRqhqLgQbqA/s640/IMAG0195.jpg" width="640" /></a></div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-M2DUr8T5HQY/T4a5diUxH5I/AAAAAAAABp8/_l1qhFups0Q/s1600/IMAG0196.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="382" src="http://3.bp.blogspot.com/-M2DUr8T5HQY/T4a5diUxH5I/AAAAAAAABp8/_l1qhFups0Q/s640/IMAG0196.jpg" width="640" /></a></div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://4.bp.blogspot.com/-mTISz4PFljc/T4a5fp-lfMI/AAAAAAAABqM/OjgyNwaUvgU/s1600/IMAG0199.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="238" src="http://4.bp.blogspot.com/-mTISz4PFljc/T4a5fp-lfMI/AAAAAAAABqM/OjgyNwaUvgU/s400/IMAG0199.jpg" width="400" /></a></div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://1.bp.blogspot.com/-h7V2VbIvQYk/T4a5goUpmqI/AAAAAAAABqU/q-2IsHDRH3c/s1600/IMAG0200.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="238" src="http://1.bp.blogspot.com/-h7V2VbIvQYk/T4a5goUpmqI/AAAAAAAABqU/q-2IsHDRH3c/s400/IMAG0200.jpg" width="400" /></a></div>
<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://4.bp.blogspot.com/-skbibog_qfs/T4a5h4TY5oI/AAAAAAAABqY/XP50Rd4ajC8/s1600/IMAG0201.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="238" src="http://4.bp.blogspot.com/-skbibog_qfs/T4a5h4TY5oI/AAAAAAAABqY/XP50Rd4ajC8/s400/IMAG0201.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Y todo fue así, entrega al ritmo del desierto...</td></tr>
</tbody></table>
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>Hugo Enojohttp://www.blogger.com/profile/15712978877119647738noreply@blogger.com5Barcelona, España41.387917 2.169918741.292614 2.0119902 41.48322 2.3278472000000003tag:blogger.com,1999:blog-2459155305508967238.post-13927881509153216302012-03-16T18:45:00.002+01:002012-03-17T08:49:21.946+01:00La mirada del azul<div style="text-align: justify;">
Este fin de semana hemos podido, al fin, embarcarnos en el viaje de ver el mundo como el genial Joan Miró. Desde hacía cinco meses que por una razón u otra no había sido posible ir a la exposición "L'escala de l'evasió" y el plazo se agotaba este domingo que viene. La magnitud de la exposición hacía desaconsejable llevar a los enanos, sobre todo al pequeño, porque si se quería paladear con el tiempo necesario el excelso recorrido por la obra del barcelonés su grado de aburrimiento hubiera sido más que comprensible.</div>
<div style="text-align: justify;">
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-kCOQdzeSIj0/T2N3y0-TZ9I/AAAAAAAAA9c/AtJOOg80Fg0/s1600/IMAG0178.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="238" src="http://2.bp.blogspot.com/-kCOQdzeSIj0/T2N3y0-TZ9I/AAAAAAAAA9c/AtJOOg80Fg0/s400/IMAG0178.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Acercándonos al viaje</td></tr>
</tbody></table>
Las razones para no perderse la experiencia son varias y todas suficientes, la primera es que cualquier mañana de domingo se hace agradable si se empieza en la Fundació Miró, el enclave y el edificio contienen suficientes elementos parea justificar el acercarse. Esta vez la contemplación de los cuadros era mucho más imprescindible ya que es la mayor agrupación de obras del pintor a la que yo recuerde haber tenido acceso, hay bastantes cuadros provinientes de colecciones privadas, de la Tate, del MOMA, ...<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-9t4vqbrZbO0/T2N4g3nb09I/AAAAAAAAA9k/QLvxsYQF6I8/s1600/IMAG0179.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="191" src="http://2.bp.blogspot.com/-9t4vqbrZbO0/T2N4g3nb09I/AAAAAAAAA9k/QLvxsYQF6I8/s320/IMAG0179.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Las Marías y Carlos en la llegada</td></tr>
</tbody></table>
No puede hablarse de una integral ya que eso es imposible en casi cualquier pintor y en uno tan prolífico como este más, pero la muestra recoge una más que notable selección de todas las épocas y con ello no es que uno se conforme, es que se eleva sin remedio. Por último, y por esas cosas que la vida te sorprende gratamente, es que teníamos las entradas pagadas gracias a un concurso amable en el que participamos, si los diez euros de la entrada no eran ninguna barrera real, el tenerlo gratis hacía más obligado ir.</div>
<div style="text-align: justify;">
Y allí nos plantamos Carlos, las Marías (mía y suya) y yo, apenas un cuarto de hora antes de la apertura del museo y una minúscula cola nos confirmó que la elección del timing había sido correcta, entraríamos con la primera tanda y podríamos disfrutar de toda la exposición sin temor a la hora del cierre.<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-9mVpegs_4zg/T2N4tcj-vDI/AAAAAAAAA9s/pp6luFj5rWs/s1600/IMAG0181.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="238" src="http://2.bp.blogspot.com/-9mVpegs_4zg/T2N4tcj-vDI/AAAAAAAAA9s/pp6luFj5rWs/s400/IMAG0181.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Ya en la puerta</td></tr>
</tbody></table>
La entrada a una exposición, aún en el caso de una ya vista, siempre me provoca una transpiración anímica muy excitante, es un proceso de inmersión tan brutal en el alma de otro ser humano, un viaje a su interior tan modulado por el espectador, que el hormigueo de ese vértigo siempre aparece, y esta vez también. Las buenas referencias del conjunto de obras expuestas y el exquisito cuidado con el que habitualmente montan sus exposiciones ayudaban a elevar la avidez de percepciones que Miró siempre me provoca.<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://4.bp.blogspot.com/-S2ebpqmwOyg/T2N5OAW7IsI/AAAAAAAAA90/lhgNlQ4kU_Q/s1600/La-casa-de-la-palmera-320.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="342" src="http://4.bp.blogspot.com/-S2ebpqmwOyg/T2N5OAW7IsI/AAAAAAAAA90/lhgNlQ4kU_Q/s400/La-casa-de-la-palmera-320.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Miró descubre el campo</td></tr>
</tbody></table>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://4.bp.blogspot.com/-8wXPara79D0/T2N7YgStd9I/AAAAAAAAA-c/3ESWSwmU32E/s1600/liebre.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="266" src="http://4.bp.blogspot.com/-8wXPara79D0/T2N7YgStd9I/AAAAAAAAA-c/3ESWSwmU32E/s400/liebre.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">La liebre (el perro evolucionado) y la luna</td></tr>
</tbody></table>
El itinerario, no debe ser de otra manera, era cronológico y al contar con suficientes muestras de todas las épocas, se podía sumergirse con amplitud en cada una de ellas. La pintura adolescente de Miró no existe, su talento es tan brutal, su trazo tan perfecto y personal que desde la primera obra estamos ante un pintor maduro y casi completo, la saga de MontRoig es preciosa, desbordante del tremendo impacto que representó para el pintor urbanita el descubrimiento de la vida rural. No me gustan demasiado las etiquetas en la pintura y en Joan aún menos, su primera época es un precioso ejercicio de dibujo magistral mientras el pintor está inmerso en la búsqueda de sus colores, pretender encasillarle en surrealismos o postmodernismos me resulta absurdo. La celebre Masía preside esta época pero los tesoros que la flanquean no son menores, un pintor menos ambicioso hubiera podido hacer su carrera con este estilo sin dejar de ser grande, hubiera encontrado el color que el dibujo merecía y hubiéramos tenido un "happy end" asegurado. El tratamiento que el genio da a la tierra, las superficies y los detalles deslumbran en cada una de las obras expuestas.<br />
Pero Miró es el artista total, él siempre respira insatisfecho ante la repetición, se siente impelido a avanzar en la búsqueda de la línea perfecta, del color adecuado, del cuadro inapelable, el mira el mundo y necesita mostrarnos lo que ve.<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-cFyww683x-A/T2N5r1GzQhI/AAAAAAAAA98/ZmL74koFH_Q/s1600/Cabeza+de+labriego+catal%C3%A1n+02.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="http://1.bp.blogspot.com/-cFyww683x-A/T2N5r1GzQhI/AAAAAAAAA98/ZmL74koFH_Q/s400/Cabeza+de+labriego+catal%C3%A1n+02.jpg" width="300" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">La universalidad local</td></tr>
</tbody></table>
El siguiente paso es París, y la capital del arte en aquel momento lo acoge y catapulta su obra hacia nuevas expresiones. El cosmopolitismo que todo gran artista derrocha y que la ciudad impulsa con tanto afán se convierte en el ahondamiento de el sentimiento local y Miró nos ofrece la maravillosa serie de cabezas de catalanes y el extraordinario lienzo "Le catalan", aún retengo parte del impacto que me produjo esa joya. El pintor ya ha encontrado el color, lo domina como nadie y sus formas se depuran sin límite, y en la misma sala nos espera otra de las cumbres de la exposición "Paysage (La Lièvre), un lienzo menos conocido que el "Chien aboyant à la lune" pero superior en cuanto es la culminación de lo que el chien apuntaba, una de esas obras que merecen toda una exposición para ella sola... y no es ni mucho menos la única que nos vamos encontrando.<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-z5dCjqzDJPM/T2N6TMdVMLI/AAAAAAAAA-E/RPJWATc0s_c/s1600/Le-Catalan-1925.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="http://3.bp.blogspot.com/-z5dCjqzDJPM/T2N6TMdVMLI/AAAAAAAAA-E/RPJWATc0s_c/s400/Le-Catalan-1925.jpg" width="322" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">la localidad universal</td></tr>
</tbody></table>
La vuelta a España durante la república y hasta el advenimiento de la guerra civil es una de las épocas más difíciles para el pintor, su obra lo refleja con nitidez, no hay concesión a la estética, el trazar es áspero y las formas convulsas, aparecen unos collage algo irregulares y el ansia de lo que vendrá nos hace demorarnos poco en esta época.<br />
Vuelta a Francia y los cuadros siguen ahondando la lobreguez, las piezas sobre masonite nos sobrecogen, poderosas como pocas nos retuercen el alma en su contemplación, Miró es un exiliado doliente y sus colores son emblemas perfectos del desarraigo. Cuadros sin título que nos permiten desfilar por los años en los que el fascismo internacional aplastaba a la España republicana, tal vez el mejor emplema de todo ello sea el espectacular "Nature morte au vieux soulier", pocas palabras pueden decirse ante tamaña andanada expresiva, el zapato viejo y el mendrugo, y los restallantes colores del artificio.<br />
La exposición prosigue, caminamos. Deambulamos por la serie Barcelona, las litografías de retratos que bebemos con la mirada hipnotizada y alcanzamos otro de los momentos álgidos, las archifamosas constelaciones, una vez más me sorprende su escaso tamaño, Miró las concibió como cuadros que debían ser enormes y su magnificiencia está contenida en lienzos que no superan el metro cuadrado, la serie que lo situó en el olimpo de los creadores del arte de todos los tiempos y una decena de obras que sientan cátedra sobre el universo mironiano.<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://4.bp.blogspot.com/-LxxHh_ImVjk/T2N654DM59I/AAAAAAAAA-M/SJLOxulftWY/s1600/06-EtoileMatinale.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="333" src="http://4.bp.blogspot.com/-LxxHh_ImVjk/T2N654DM59I/AAAAAAAAA-M/SJLOxulftWY/s400/06-EtoileMatinale.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">l'etoile matinale hay que tenerla delante para ....</td></tr>
</tbody></table>
Desde el "Le Lever du soleil" que las abre, hasta "Le passage de l'oieassau divin" asistimos a una buena muestra de las 23 obras que componen la serie, soberbias todas pero imprescindible para mí "L'etoile matinale" y "Le Passage de l’oisseau divin". En esta época Miró consolida los iconos con los que será identificado el resto de su vida y por el que le solicitarán murales y carteles varios, pero su creatividad bulle y el pintor sigue caminando.<br />
A partir de esta época el alud de cuadros que te dejan sin aliento es continuo, debe decirse que ya se llega ahí con el respirar entrecortado, "La femme rêvant de l'evasion", el brutal autorretrato empezado en el 37 y finalizado en el 60 y la sala de los Bleu (I, II y III) que obliga al paseante a sentarse y soñar, a serenarse y luchar contra la terrible atracción que la serie provoca, a mirar con el alma de un pintor irrepetible el universo en azul. Miró en grandes lienzos abochorna el espíritu sin piedad, no hay más que situarse frente a ellos y los cuadros se encargan de todo.<br />
Fruto de un viaje a Japón el pintor les lanza un guiño hermoso a los pintores nipones, la maravillosa "Goutte d’eau sur la neige rose" es más japonesa que un estanque de lotos y tan universal como los ojos del pintor.<br />
El viaje nos prepara para otra sala tríptica, las tres "Peinture sur fond blanc pour la cellule d’un solitaire" (I, II y III) son otra cicatriz indeleble en la piel del que escribe, una tilogía de la permanente de la Fundació que ya he visto en otras ocasiones y que siempre me convoca y me remueve. Un genio del espacio, del color y del dibujo desnudando el trazo de todo aquello que no merece estar contenido en el lienzo, puro zen, puro mediterráneo, pura pureza.<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-KYEVO4UmK7A/T2N7Lx4GcTI/AAAAAAAAA-U/PLQKKNFya0o/s1600/miro-bleu.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="428" src="http://1.bp.blogspot.com/-KYEVO4UmK7A/T2N7Lx4GcTI/AAAAAAAAA-U/PLQKKNFya0o/s640/miro-bleu.jpg" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Una mujer en el sitio perfecto</td></tr>
</tbody></table>
Los "L’espoir du condamné à mort" (I, II y III), siempre presentes, siempre destacados, siempre hermosos, en los últimos años del artista su dominio del cuadro era casi insultante, y a pesar de alguna "patinada" como las manos en las constelaciones o los cuadros pintados con fuego (en qué estarías pensando Joan?) el final del recorrido no deja de llenarnos los sentidos, las dos "Tête", los tres "Feux d’artifice" (el II, qué maravilla!!!), los "L’Espoir du navigateur"....<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-5ToPFqnoQes/T2N761OrMjI/AAAAAAAAA-k/8ur-wOBHSLg/s1600/%C3%ADndice.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="305" src="http://1.bp.blogspot.com/-5ToPFqnoQes/T2N761OrMjI/AAAAAAAAA-k/8ur-wOBHSLg/s400/%C3%ADndice.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Luz pura</td></tr>
</tbody></table>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://4.bp.blogspot.com/-TCX-nug3OzA/T2N8AkmRn4I/AAAAAAAAA-s/b2R4tVoJrDI/s1600/b_joan_miro.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="220" src="http://4.bp.blogspot.com/-TCX-nug3OzA/T2N8AkmRn4I/AAAAAAAAA-s/b2R4tVoJrDI/s400/b_joan_miro.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">La mirada perenne</td></tr>
</tbody></table>
Miró sigue creciendo como pintor y en el trayecto lo hemos visto pintar con todas técnicas posibles, sobre innumerables superficies, con variación de formatos ... pero sobre todo lo hemos acompañado en la búsqueda más hermosa. La mirada del azul, el color de los ojos del mejor pintor de todos los tiempos (con permiso de Velázquez, off course).<br />
El impacto que nos provocó a todos la experiencia, de algo más de dos horas, fue tan contundente que cuando lo comentamos al calor de unos vermuts, Carlos, que escribe poco pero dice bien, lo expresó de forma perfecta: Me sentí como a la salida de <a href="http://ferranblasco.blogspot.com.es/2011/07/para-eso-servian-las-iglesias.html" target="_blank">Garbarek en Donosti</a>. Y así es esa exposición, una puerta hacia ser diferentes, hacia sentir mejor.<br />
.</div>Hugo Enojohttp://www.blogger.com/profile/15712978877119647738noreply@blogger.com10Fundació Miró, Barcelona39.5553916 2.609677639.5431491 2.5899366 39.5676341 2.6294185999999997tag:blogger.com,1999:blog-2459155305508967238.post-62535080094216884212012-02-29T01:37:00.000+01:002012-02-29T16:05:36.530+01:00Las buenas "malas compañías"<div style="text-align: justify;">
Como estoy un poco saturado de glosar sobre obras maestras he pensado que estaría muy bien dedicarles una entrada a una banda que no son los mejores en nada, que no cuentan con ningún solista de ámbito sideral, que tienen unos cuantos discos malos y que en el mejor de los casos tienen algunos discos muy buenos. Hay que ser honesto a la hora de verter afinidades en la ventana de un blog, aunque a alguien se lo pueda parecer, no estoy a todas horas escuchando a Bach, Miles o Fripp, ni leyendo McCarthy o Vickram Seth, el placer de la lectura o de la escucha también se nutre de Katzenbach o John Connolly y de músicos más normales. El goce con los grandes se intensifica junto a la liviandad de los menores y en esas se suceden las obras entre los unos y los otros.</div>
<div style="text-align: justify;">
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-tZ2RS2pjM1Y/T047pOXMzoI/AAAAAAAAA7k/FPnVwBXgGPg/s1600/schools-out.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="392" src="http://3.bp.blogspot.com/-tZ2RS2pjM1Y/T047pOXMzoI/AAAAAAAAA7k/FPnVwBXgGPg/s400/schools-out.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">No more teachers....</td></tr>
</tbody></table>
La idea de la entrada proviene de una petición del enano mayor que este fin de semana estaba con un amigo, ambos han incorporado en Reyes un reproductor con sus altavoces correspondientes y están creciendo como melómanos, y yendo en el coche me pidió escuchar un temazo de Alice Cooper, el megafamoso School's out, a pesar de que intento que el Ipod tenga respuestas variadas para este tipo de solicitudes, no pude atender la atención, con el dolor que supuso para mi alma de DJ. Sucedió, además, que el amigo de mi hijo no caía en la canción y estuvieron departiendo un rato al respecto para ver si la reconocía. A mi hijo la canción le gusta doblemente, por un lado por el tema en sí y por otro porque desde hace unos años se la pongo cada vez que empieza las vacaciones, al fin y al cabo es un himno de ese día.</div>
<div style="text-align: justify;">
Al llegar a casa ellos no recordaban la solicitud desatendida pero yo sí, y pensé que a la hora de la comida la haría sonar, el Rock es un buen digestivo para mentes jóvenes! Como no quería comer escuchando todo el álbum entero ni tenía ganas de irme levantando cada dos por tres, seleccioné la canción con el Genius del Itunes para que sonaran canciones más o menos en la línea de la mencionada. (Para todos aquellos que no sepan lo que es el Genius *). El regocijo ante las primeras notas del poderoso riff del tema fue gratificante, algo desasosegador para el orden en la mesa pero nada irreparable, la comida y la música continuaron y la sucesión de canciones era bastante adecuada: Who, Aerosmith, Pink Floyd, Cream, más A.Cooper, Deep Purple, Bon Jovi (algún día tengo que borrarlos pero van tan bien como Pachanga!), ...</div>
<div style="text-align: justify;">
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://4.bp.blogspot.com/-ozpP7vqGTLg/T04760OLrFI/AAAAAAAAA7s/u5vfD416vCI/s1600/both.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="512" src="http://4.bp.blogspot.com/-ozpP7vqGTLg/T04760OLrFI/AAAAAAAAA7s/u5vfD416vCI/s640/both.jpg" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Medio siglo emparejados</td></tr>
</tbody></table>
Y entonces se produjeron dos acontecimientos sucesivos que provocaron estas letras, por un lado tuve que levantarme de la mesa para darle al forward y evitar la escucha del "It,s been a hard day's night" de los cucarachas, si los enanos los descubren y les gustan allá ellos, pero yo no se lo facilitaré (puaj!), pero un par de temas más allá dejaron la rítmica de Richards y la voz nasal de Jagger abrirse un "Street fighting man" y entonces me pregunté como era que nunca había hablado de ese par de jetas de la vida tan graciosos.</div>
<div style="text-align: justify;">
Y quiero solventar ese hueco porque hace cuarenta años que escucho con mucho placer la gran mayoría de las veces, eso sí con más o menos intensidad o frecuencia, a los Stones . Esta entrada no pretende dar a conocer nada a nadie, a estas alturas de su carrera si alguien no les conoce será por algo y si, como es lo más normal, sabe quienes son y las canciones que tocan, el glosarlas no aportaría nada, la intención, como ya he anunciado al principio, es mostrar algunas de las virtudes que puede ofrecerme un grupo, que catalogo de menor sin ningún rubor, y que le han permitido habitar mi discografía durante tanto tiempo.</div>
<div style="text-align: justify;">
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://4.bp.blogspot.com/-UJVyFSFLKXs/T048WzyQB2I/AAAAAAAAA70/8JcWlKmA0QA/s1600/the_rolling_stones-exile_on_main_st..jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="396" src="http://4.bp.blogspot.com/-UJVyFSFLKXs/T048WzyQB2I/AAAAAAAAA70/8JcWlKmA0QA/s400/the_rolling_stones-exile_on_main_st..jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">El álbum del hermoso desorden</td></tr>
</tbody></table>
Los descubrí cuando salió el que es su mejor disco con diferencia, no el que tiene las mejores canciones, que eso es otra cosa, Exile on Main street (1972) es un doble vinilo con una cuidada edición gráfica y un montón de canciones barriobajeras que apelan a las raíces de los Stones y a la nueva música USA que estaban descubriendo, Gospel y Country. Después del Sticky fingers (con el lío de las portadas sobre los dedos enganchosos) era un disco que sorprendió a todo el mundo, no tenía ningún tema de la potencia espectacular de Brown sugar o la intensidad de Wild horses, las letras eran menos explícitas y el sonido era francamente "peculiar". El disco se empezó a grabar en un castillo en el sur de Francia porque los Stones habían salido de la isla por problemas con el fisco y cierta sensación de excesivo control policial, ello motivó que se hiciera en una época en la que los miembros de la banda y familias convivieran por primera y única vez. La historia de la primera parte de la grabación está muy bien contada (cosa curiosa porque se pasaba todo el día ciego de caballo) en la biografía de Richards y explica totalmente el grado de emborronamiento que el sonido del disco contiene y que ha provocado buena parte de las críticas pasadas, no deja de ser paradójico que este sea uno de los elementos que me fascina del doble álbum, su sonido es sucio como corresponde a una banda de gamberros consentidos como son los Stones.<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-p96mc3NVbYo/T048mJw0e6I/AAAAAAAAA78/T8MxewXOqC4/s1600/Stones+Let+it+Bleed.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="http://2.bp.blogspot.com/-p96mc3NVbYo/T048mJw0e6I/AAAAAAAAA78/T8MxewXOqC4/s320/Stones+Let+it+Bleed.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">El disco que contiene Love in vain</td></tr>
</tbody></table>
A partir de este álbum los seguí con constancia suficiente hasta el Tatto you (1981) que es un disco que recoge temas descartados anteriormente y se nota demasiado, creo que el potencial creativo de la dupla Jagger Richards se había acabado y desde entonces han ido viviendo de la fama, de sus emocionantes directos y de algún tema suelto que podía escucharse. Tal es así que en la época en la que empecé a recopilar mi discografía en formato digital no estaban incluidos en el catálogo previsto, tardé un tiempo en advertir su falta y cuando la subsané constaté que los pocos discos que no conocía no encerraban ningún guijarro a descubrir, y es que los Rolling no son músicos muy trabajadores, sacar una veintena de discos en cuarenta años de carrera ya es un indicativo suficiente de su capacidad productiva y es que tal vez son vagos pero no son nada tontos y son muy conscientes de la endeblez de buena parte de su repertorio, fragilidad que ha ido en aumento en sus últimos discos.<br />
Pero tienen virtudes, por supuesto, su propuesta musical es estupenda, una banda de Rock con raíces en el Blues que hace de ello su postura vital, los excesos de todo tipo, más fuera que dentro del escenario, la asombrosa vitalidad de sus componentes y un puñado de grandes canciones, les han dado valor suficiente para estar en lo alto durante algo menos medio siglo. Por ello esta vez nos hemos dejado "arrastrar" por las malas compañías, que son bastante buenas.<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-SVtbLnx3ThU/T0484z4HmEI/AAAAAAAAA8E/OhIQevRb-v0/s1600/jukebox.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="http://2.bp.blogspot.com/-SVtbLnx3ThU/T0484z4HmEI/AAAAAAAAA8E/OhIQevRb-v0/s400/jukebox.jpg" width="296" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">El abuelo del Ipod</td></tr>
</tbody></table>
Mi jukebox de los Stones no es muy numerosa ni creo que demasiado original, ya que la mayoría son los temas que suenan casi siempre en todos sus conciertos:<br />
<ol>
<li>Love in vain (Robert Johnson) del Let it bleed (1969). Una de las mejores versiones que se han hecho de un tema del padre del Blues. Sólo por este cover las piedras rodantes ya se merecen el olimpo.</li>
<li>Sympathy for the devil (Jagger/Richards) del Beggars banquet (1968). La mejor canción que han escrito la pareja de stones. <i>Please allow me to introduce myself<br />
I'm a man of wealth and taste .... </i>(sin más palabras<i>)</i></li>
<li>Gimme Shelter (J/R) del Let it bleed. La canción abre el que posiblemente es su mejor álbum y es una maravilla escucharla en directo, Jagger siempre se ha acompañado de grandes vocalistas negras y este tema es uno de los momentos fuertes.</li>
<li>Jumpin' Jack Flash (J/R) del Get Yer Ya-Ya's Out! (1970). La maravillosa rítmica de Richards es el tesoro del tema, un ritmo brutal y una chulería sin igual, con la grabación de dos guitarras acústicas con una cassette Phillips y luego superpuestas en la edición, Keith crea esta genialidad. <i> I was born in a cross-fire hurricane, and I howled at my ma' in the driving rain, But it's all right now, in fact, it's a gas!, But it's all right. I'm Jumpin' Jack Flash. </i>Jack el saltarín!!</li>
<li>Shake your hips (Slim Harpo) del Exile on Main street. Otro Blues versionado con maestría, éste del harmónica Harpo, un ritmo endiablado y un sonido brutal, el acierto es tal que está un puesto por encima, en mis preferencias, de la otra versión de R. Johnson que los Stones han grabado en el mismo álbum:</li>
<li>Stop Breaking Down. Las composiciones de Johnson inspiran mucho a los Stones y es una pena que se hayan limitado a dos, la guitarra de Richards abre el tema a cuchillazos certeros y la contoneante voz de "Peter Pan Jagger" hace el resto, y a esto le añadimos un piano fantástico de Ian Stewart (toca en mis tres temas preferidos del EOMS, los dos mencionados y la que vendrá).</li>
<li> It's Only Rock 'N Roll (but I Like It) del disco homónimo de 1974. El tema está firmado por la pareka de siempre con la inspiración de Ron Wood. Con esta pieza tengo algo de vergüenza ajena, creo que es francamente barata y hortera pero cuando suena me gusta oirla y me bailan los pies. Si ellos mismos lo reconocen, es soolo lo que es pero me gusta, por eso la incluyo-</li>
<li>Sweet Virginia (J/R) es la tercera maravilla del EOMS que quiero destacar, aún insistiendo en que todo el disco es un viaje imprescindible. Aquí Jagger se arma de la harmónica y nos canta una balada Country que rápidamente se encarga de ensuciar un poquito con la socarronería habitual.</li>
<li>Paint in black (J/R) del Aftermath (1966). Los piedras rodantes en plan nihilista y un gran éxito de los Salvajes con su versión "No ´se qué pasa que lo veo todo negro". Una joyita casi Pop que forma parte de mi iconografía particular desde que la escuché por primera vez.</li>
<li>Fool to cry (J/R) de su último gran disco, Black and blue (1976). Una balada que debería ser muy sentida, pero estos chicos no se toman casi nada en serio, y que es un temazo espectacular, con unos preciosos teclados y con ese gritito sincopado a mitad de la canción que la hace irrepetible.</li>
</ol>
</div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-G8v8J_IVmqY/T049l2bAIyI/AAAAAAAAA8U/yRjNy8Aaybg/s1600/keith-richards.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="http://1.bp.blogspot.com/-G8v8J_IVmqY/T049l2bAIyI/AAAAAAAAA8U/yRjNy8Aaybg/s400/keith-richards.jpg" width="342" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">La rítmica más canalla del R&R</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
Podrían caber unos cuantos temas más, su primera época está bastante nutrida de versiones deliciosas de Rock and roll y Blues ajenos y su primera etapa como compositores también. Pero diez es el número de dedos que tenemos en las manos y tratándose de los Stones no hay que ponerse demasiado intelectuales.</div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<b>I met a gin soaked, bar-room queen in Memphis, <br />
She tried to take me upstairs for a ride. <br />
She had to heave me right across her shoulder <br />
'Cause I just can't seem to drink you off my mind. <br />
It's the honky tonk women </b>
<b><br />
Gimme, gimme, gimme the honky tonk blues. </b></div>
<div style="text-align: center;">
</div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: x-small;">(*) El Genius es una herramienta del Itunes que recopila información de todas las bibliotecas de Itunes que quieren agregarse y en base a esa monumental recopilación de canciones crea listas de reproducción, funciona a partir de un tema seleccionado por el usuario. La idea es buscar entre las bibliotecas de aquellas personas que también tengan esa canción y agregar, como temas afines, aquellos que están más representados en el conjunto de esas bibliotecas.</span><span style="font-size: x-small;"> Es muy útil para bibliotecas grandes aunque no siempre está muy acertado, esta vez sí lo estuvo.</span><b><br /></b></div>Hugo Enojohttp://www.blogger.com/profile/15712978877119647738noreply@blogger.com12tag:blogger.com,1999:blog-2459155305508967238.post-88980154156002788472012-02-25T10:53:00.003+01:002012-02-25T10:53:59.872+01:00A love to Trane<div style="text-align: justify;">
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-sO90uvlY2jQ/T0ipSjKf9WI/AAAAAAAAA6c/HeZ--ItAFIw/s1600/01coltrane2whonblk.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="640" src="http://1.bp.blogspot.com/-sO90uvlY2jQ/T0ipSjKf9WI/AAAAAAAAA6c/HeZ--ItAFIw/s640/01coltrane2whonblk.jpg" width="486" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">El genio</td></tr>
</tbody></table>
Mi relación con John Coltrane podría definirse como peculiar, podríamos decirlo así para que ninguno de los devotos del saxofonista se altere demasiado. La peculiaridad es que reconociéndole extraordinario talento tengo demasiada tendencia a considerarlo un miembro, destacado eso sí, de las formaciones de Miles, y es un músico con tanta entidad que a veces me asombro por no tenerlo siempre presente. Lo descubrí como a todos los músicos de Jazz, a través de Miles, en su caso por una relación directa que mantuvo con él, en la mayoría porque es Davis quien abre mi interés hacia esa música excepcional y actualmente estoy ampliando mi campo de interés en ella hacia la era clásica, pre Bebop, sobre todo gracias a las doctas recomendaciones de <a href="http://jazzeseruido.blogspot.com/" target="_blank">Félix</a> y <a href="http://moderneceslasjustas.blogspot.com/" target="_blank">Mario</a> que son una fuente inagotable de yacimientos prodigiosos.<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://4.bp.blogspot.com/-7fAaK57rHm4/T0ipebXVFCI/AAAAAAAAA6k/OIesf4foTLk/s1600/60106_1309922348_420420.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="http://4.bp.blogspot.com/-7fAaK57rHm4/T0ipebXVFCI/AAAAAAAAA6k/OIesf4foTLk/s400/60106_1309922348_420420.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">La pareja de genios</td></tr>
</tbody></table>
Trane fue la otra luz del prodigioso primer quinteto de Miles y desde hace muchos años fui siguiendo su prolífica carrera con más o menos acercamiento. Una vez más declararé que no soy experto en nada y menos en John Coltrane, su inmenso genio creador, su revolucionario paso por la música y su "verborrea" creativa, son demasiado grandes y no ha tenido toda mi atención en todos estos años.<br />
Para subsanar esa tara que arrastro hace tiempo, tengo la intención de "hacer" un semestre Coltrane, debía haber empezado en enero, pero las entradas tienen vida propia y no se ha dado la ocasión hasta ahora, el proyecto pretende recorrer las épocas que el saxofonista protagonizó a través de algunos discos suyos con un contenido especial para mí, el primero de todos ellos es Mi disco de Trane y uno de los pocos trabajos de la música que pueden presumir de estar a la altura del Kind of blue.<br />
John Coltrane graba A love supreme en 1964, en los albores de la explosión hippie el genio estaba viviendo un renacer personal que se veía acompañado por la ebullición musical y artística del momento. Mi teoría personal es que escribe el álbum cuando se enamora de Alice, su segunda esposa, con la que hacía unos meses que vivía (al final todos los conceptos más elevados del amor, incluso éste, el más alto, de amor universal, tienen que ver con el sentimiento personal de cada uno), en ese momento, Trane estaba en lo más alto, había encontrado a su media naranja, músico como él, Alice era pianista de Jazz y con un interés notable por misticismo indio, muy similar al del saxofonista. Además, se sentía en armonía absoluta con todo lo que hacía, el cuarteto clásico estaba más que consolidado y la potencia de la formación se evidencia en todas las grabaciones de esa época, ALS es un legado y un camino, consolida el estilo de lo grabado hasta esa fecha por la formación y abre el sendero para las derivas de Free con las que Trane caminará durante los escasos años que le restan de vida.<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-mRrbdis5S6A/T0iqIs1LeYI/AAAAAAAAA6s/thxNf6IIHUE/s1600/John+Coltrane+A+Love+Supreme.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="http://3.bp.blogspot.com/-mRrbdis5S6A/T0iqIs1LeYI/AAAAAAAAA6s/thxNf6IIHUE/s400/John+Coltrane+A+Love+Supreme.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">La intensidad del amor</td></tr>
</tbody></table>
Ha sido disco de cabecera para mí durante largas temporadas y tiene una virtud extraordinaria, cuando paso épocas en las que escucho de forma exclusiva a Miles es de los pocos discos con los que puedo "romper" la adicción de forma natural, aunque tiene un gran defecto, es muy corto, ello me obliga a escucharlo algunas veces de forma consecutiva para poder quedarme satisfecho, los adictos somos así. Debo decir, no obstante, que desde que conseguí la versión "de luxe" que contiene como material adicional, los cuatro temas en directo tocados como suite (Sain Jean Les Pins, 1965) y cuatro tomas alternativas, el mono es menor.<br />
ALS está en todas las listas de los mejores discos de la historia y es, con diferencia el disco más vendido por el artista. John tiene el privilegio, y obviamente, también la culpa, de estar en dos de los mejores discos de todos los tiempos, el mencionado Kind of blue y éste, no puede deberse a una casualidad, por lo tanto sin osarle quitar el trono a Bird como el más grande saxofonista de todos, cada cual que elija el que más le guste que los rankings son para eso, lo que si diré es que Coltrane es el hombre que más voz, y más intensa, le ha dado al instrumento. Mi semestre Trane pretende demostrarlo.<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-W-glQuZ3FAo/T0is9xkPcWI/AAAAAAAAA60/EW_xC-tBDp4/s1600/john-coltrane-quartet-by-herb-snitzer-1.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="287" src="http://3.bp.blogspot.com/-W-glQuZ3FAo/T0is9xkPcWI/AAAAAAAAA60/EW_xC-tBDp4/s400/john-coltrane-quartet-by-herb-snitzer-1.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">El cuarteto</td></tr>
</tbody></table>
En 1964, como ya hemos comentado, el cuarteto estaba en su apogeo, llevaban más de tres años juntos, habían grabado varias joyas y sus directos eran excepcionales. Los músicos del disco y del cuarteto eran:<br />
John Coltrane. El mejor alter ego que tuvo jamás Miles quería volar lejos del trompetista, Miles mandaba en su quinteto y John tenía ideas propias, cuando deja la formación, desde su inolvidable solo en Round midnight hasta los grandes discos con Columbia, sin olvidar las cuatro fabulosas grabaciones del 56 con Prestige (cuatro obras sobre las que espero realizar una entrada este semestre), ya nos ha regalado innumerables momentos únicos en la historia de la música. El "alumno" debuta con Giant steps (1960) en su primer disco con todas las composiciones propias y desde ahí no deja de mejorar hasta llegar al ALS y otras obras maestras.<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-p4Elh6gg1O4/T0itKE15rVI/AAAAAAAAA68/2Sf-9TfyPJc/s1600/wolff-10.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="319" src="http://3.bp.blogspot.com/-p4Elh6gg1O4/T0itKE15rVI/AAAAAAAAA68/2Sf-9TfyPJc/s320/wolff-10.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Trane en la época Blue Note</td></tr>
</tbody></table>
El saxo aprendió de Miles varias cosas, una era el papel de director del grupo, no era tanto la función de componer sino la de dar el sonido buscado en cada ocasión, la gran diferencia que encuentro entre ambos era que mientras Miles mejoraba a sus músicos con un nivel de exigencia brutal y los quemaba (nunca tuvo un músico más de dos o tres años de forma consecutiva), Coltrane supo rodearse en sus dos cuartetos de músicos que eran grandes y se sentían cómodos con él, el fin del primer cuarteto, el que nos ocupa, lo provocó la evolución musical de Trane, no un maltrato o desconsideración. Otra cosa que aprendió de forma magnífica fue la de grabar los discos en tomas enteras, sin apenas edición ni mezclas posteriores, tal vez por ello el KOB y el ALS tengan tantos vínculos. Coltrane tocaba alto, tenor y soprano (algún día habrá que explicar la anécdota entera y las consecuencias de que Miles le regalara un saxo soprano a Trane, a pesar de que este no lo tocaba en aquella época), pero en el disco sólo hay saxo tenor y a pesar de que <a href="http://jazzeseruido.blogspot.com/" target="_blank">Félix</a> no lo tenga como su saxo tenor favorito (la elección de Sonny Rollins tampoco es mala), creo que la interpretación que John hace en este disco es una de las cumbres absolutas en el uso de este instrumento.<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-AAj37BOfcC0/T0itXRIk_cI/AAAAAAAAA7E/Fl6reeiA5L0/s1600/tyner.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="http://1.bp.blogspot.com/-AAj37BOfcC0/T0itXRIk_cI/AAAAAAAAA7E/Fl6reeiA5L0/s400/tyner.jpg" width="303" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">El hombre que mejor "habló" con Trane (con permiso de Miles)</td></tr>
</tbody></table>
McCoy Tyner. Uno de los más grandes pianistas de Jazz de todos los tiempos (verdad <a href="http://moderneceslasjustas.blogspot.com/" target="_blank">Mario</a>?) y un complemento perfecto para esta época de Trane, estuvieron juntos más de cinco años y todo lo que salió de sus instrumentos fue magnífico, ese fue todo el tiempo en el que John tardó en explorar el jazz modal y salir en busca de otros rumbos, como ya he comentado fue McCoy el que lo dejó porque no se sentía cómodo con el sesgo que estaba tomando la nueva música del saxofonista, pero en esos años el piano de Tyner fue el alter ego perfecto del saxo en el cuarteto. El dominio de los matices, del tempo, del ritmo, de los silencios y de las ráfagas, es tan absoluto que estoy convencido de que Trane lo echó a faltar desde el momento que no estuvieron juntos, aquí lo está y de que manera.<br />
Jimmy Garrison. El bajista era el miembro más reciente del cuarteto en el momento de la grabación del ALS, se unió al cuarteto en 1962 después de colaborar un tiempo con otro monstruo del saxo, nada menos que Ornette Coleman, con quien volvería nuevamente después de Trane. Es la máquina perfecta, el alma indicada para un grupo que hacía brillar a todos sus componentes, sus solos eran frecuentes y estaban dotados de un alma que con frecuencia se echa en falta en otras acutaciones de bajistas, más preocupados por el efecto sonoro que por el fluir musical, en el disco suena magnífico y conduce los temas como un maestro.<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-v5SEx2rg60k/T0iujieMwYI/AAAAAAAAA7M/f1jQqPs-4Ag/s1600/DWild_ElvinJones,Chicago,1966.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="266" src="http://2.bp.blogspot.com/-v5SEx2rg60k/T0iujieMwYI/AAAAAAAAA7M/f1jQqPs-4Ag/s400/DWild_ElvinJones,Chicago,1966.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">El batería que Hendrix amaba</td></tr>
</tbody></table>
Elvin Jones era el percutir de este combo, el sonido de su batería es goce puro, dotado de una técnica sobresaliente exhibió durante toda su carrera un sentido del ritmo único que le permitía seguir a Trane en sus galopadas y complementarse de forma perfecta con Garrison, o Reggie Workman anteriormente, en el cuarteto. El sonido del cuarteto precisaba de un pegador de estas características para no verse encorsetado, sobre todo en directo, por un simple seguidor de ritmos. Su prestigio ha sido inmenso y alguien que sabía un poco de música como Hendrix, loaba a Mitch Mitchell (su batería en la JH Experience) llamándole su Elvin Jones particular, creo que el dato habla por sí solo.<br />
Vamos con el disco. El álbum, como el KOB es una obra conceptual, incluso más que aquel, está concebido como un canto de amor absoluto (ya hemos comentado las terrenales razones de John) y se compone de cuatro partes que reflejan el camino del amor elevado: Acknowledgement, Resolution, Pursuance y Psalm<br />
El inicio del primer tema recuerda, en cuanto a la atmósfera y intenciones hipnóticas al So what, un breve destello de metal nos deja en manos de la rítmica, primero el bajo, se incorpora suave la batería y no tarda el piano, la característica melodía que luego es cantada por Trane (a love supreme, a love supreme....) nos atrapa y nos prepara para una de las mejores entradas de un saxo tenor entre las que conozco, es brutal, el músico está loco por su chica y quiere que el universo se de cuenta. El saxofón empieza atemperado, no quiere desmadres porque está en la fase de conocimiento de su estado y la pieza se desarrolla con un ritmo suave, algo creciente pero sin dejar que el goce obnubile el son. Si el disco acabara aquí ya sería una obra maestra, pero el viaje hacia el éxtasis amoroso sólo está empezando.<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://4.bp.blogspot.com/-SCPHjPlytvc/T0ivbWU9qWI/AAAAAAAAA7U/5Vx9AMWFQxg/s1600/Coltrane+A+Love+Supreme+deluxe+edition+verso.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="333" src="http://4.bp.blogspot.com/-SCPHjPlytvc/T0ivbWU9qWI/AAAAAAAAA7U/5Vx9AMWFQxg/s400/Coltrane+A+Love+Supreme+deluxe+edition+verso.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">La edición completa</td></tr>
</tbody></table>
Resolution se abre con unos dedos de Garrison hasta permitir que entre toda la banda arropando el elegante aullido del metal, Jones está más activo, el ritmo es mayor y es en esta pieza donde me maravilla por la sutileza y perfección con las que el batería dota al tema, sus percutires dan paso a un solo del gran Tyner, pero qué bueno es ese pianista!!! Vuelve el saxo con un tono algo desgarrado, como transido de la emoción, goce total, y los fraseos medios llenos de intensidad van dejando que el tema se apague.<br />
Pursuance se inicia con un solo de batería, ya hemos comentado acerca del desbordante talento de Elvin jones y aquí nos deja una muestra del mismo con el remedo de un cumplimiento amoroso, su momento permite que John entre en el tema cuando ya está caliente, apenas unos soplidos para que Tyner extasie de nuevo, es de esos momentos en los que creo que estamos ante la sección rítmica más talentosa que se pueda escuchar, todos cumpliendo como dioses, y reinventando el swing sin desmayo. Las ráfagas con las que el saxo nos inunda preludian los tiempos de Free que están por llegar, hermosos y potentes, hacen avanzar el álbum con conceptos más "modernos" y nos lleva al último track, en mi vinilo estaban encadenados sin pausa entre ellos llenando la segunda cara.<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-Vyvp66PRk4g/T0ivlF95Q3I/AAAAAAAAA7c/mgKlXB4b-To/s1600/alice_john_atpiano.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="640" src="http://2.bp.blogspot.com/-Vyvp66PRk4g/T0ivlF95Q3I/AAAAAAAAA7c/mgKlXB4b-To/s640/alice_john_atpiano.jpg" width="496" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">John y Alice, a love supreme</td></tr>
</tbody></table>
Psalm (el paisaje después de la batalla) enfila unas percusiones que se hacen graves y el camino de saxo que dibuja Trane es descendente, desde unos arrebatados fraseos iniciales se va calmando en pos de la salmodia final de agradecimiento al ser superior, no olvidemos que es un disco de vocación muy religiosa, mística y podríamos decir que de un ecumenismo universalizante. El tema corresponde a un salmo escrito por John y en el que prácticamente cada nota corresponde a una silaba del texto. El descenso desde ese arranque enérgico contiene los saxos más arrebatados y vocales del disco, el metal se hace humano y Coltrane nunca ha sonado tan hermoso. Si en su día le adjudicamos al cello la preeminencia sobre los instrumentos de cuerda, es el momento (y que Miles me perdone) de otorgarle al saxo la suya sobre los de viento, es tal la calidez con la que John música las palabras de sus versos, tan íntima la declaración de amor que vierte, que es imposible que exista un sonido superior.<br />
El disco con las tomas suplementarias sigue y aparece el sonido de Trane en directo.... El concierto grabado merecería una estrada complementaria pero estoy seguro de que quien haya llegado hasta aquí ya habrá acumulado suficiente interés para hacerse con la obra, en ese caso que lo haga por su versión de luxe que es la que recoge el recital.<br />
John viviría tres años más hasta que su hígado se desintegró, nos dejó un legado inmenso, más de cien discos oficiales que recogen unos escasos quince años en activo, murió a los 41 años y es inimaginable la dimensión que hubiera adquirido la música que hubiera creado, lo que es perfectamente constatable es la que sí nos dejó. Vamos a disfrutarla.</div>Hugo Enojohttp://www.blogger.com/profile/15712978877119647738noreply@blogger.com8Hamlet, Carolina del Norte, EEUU34.8848775 -79.694222234.858827000000005 -79.7337042 34.910928 -79.654740199999992tag:blogger.com,1999:blog-2459155305508967238.post-284080022502542082012-02-24T00:01:00.000+01:002012-02-24T00:12:18.399+01:00Toni nos disfruta el viajeLa fotografía es un arte tramposo, es el único cuya esencia es la transmisión de la realidad, cuya evolución circula por el sentido de hacerse mas fidedigno, más duplicado de nuestros sentidos y el arte son sensaciones que evocan, la creación pretende sublimar al artista en catarsis que pueda ser captada, empatizada o descargada, y la trampa se esconde en la perversión que supone el considerar que la plasmación de una imagen tiene algo que ver con la captura de la realidad.<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://4.bp.blogspot.com/-7kRebjd7Ius/T0bB-NuMBFI/AAAAAAAAA5s/8E_5y2GCpIk/s1600/IMAG0159.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="380" src="http://4.bp.blogspot.com/-7kRebjd7Ius/T0bB-NuMBFI/AAAAAAAAA5s/8E_5y2GCpIk/s640/IMAG0159.jpg" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Conste que el reflejo es mío, sorry Toni</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
Cuando se inventa el daguerrotipo se pretende congelar instantes de vida para poder ser compartidos y vividos en un tiempo distante, y ese lastre de espejo sitúa demasiadas veces al fotógrafo en la categoría de artista menor, no importa cuantos Cartier-Bresson o Sieff existan que siempre se esconderá la opinión minusvaloradora ante una exposición fotográfica que argüirá que las fotos las crea una máquina y que ese es, básicamente, el secreto. </div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-5hNGrYDOPD0/T0bCqSkyDXI/AAAAAAAAA50/uWg5gZtk0Sw/s1600/Jean+Loup+05.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="http://1.bp.blogspot.com/-5hNGrYDOPD0/T0bCqSkyDXI/AAAAAAAAA50/uWg5gZtk0Sw/s400/Jean+Loup+05.jpg" width="267" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Puro Sieff, algún idiota dirá que esto lo hace la máquina</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
Hablar de fotografías, escribir sobre ellas, es enfrentar a dos artes que nacieron con la misma idea y que el tiempo ha situado en los opuestos, la palabra escrita también nace para reflejar el momento que de otro modo se perderá, pero cuenta con la magia alambicada que le confiere la historia y el tiempo de tantos genios que nos han hecho sentir al sumergirnos en mundos ajenos, y seres que son otro, de forma absoluta. La fotografía aún necesita de espacio temporal para </div>
<div style="text-align: justify;">
asentar en el inconsciente colectivo toda la carga de magia que posee.</div>
<div style="text-align: justify;">
Un excelente colaborador en ese empeño tan noble que es dar reconocimiento al arte fotográfico es Toni Ydjabe, que, además, es un amigo, pero el motivo para bloguearlo no es ese, que serviría ya en sí mismo, el motivo para hacerlo es que sus fotos me gustan y pienso que vale la pena dedicarle una entrada a su última exposición, a la que tuve el placer de asistir.</div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-fcggN6FlC7s/T0bC95K2DEI/AAAAAAAAA58/oxKQwizoxqw/s1600/5.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="http://1.bp.blogspot.com/-fcggN6FlC7s/T0bC95K2DEI/AAAAAAAAA58/oxKQwizoxqw/s400/5.jpg" width="300" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Un entorno precioso para una exposición</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
Toni es un estupendo fotógrafo que ama su disciplina artística con una alegría y bonhomía envidiables, él disfruta haciendo fotos y creando imágenes que desprenderán potentes evocaciones, ¿No es acaso eso uno de los pilares del arte fotográfico, del arte en sí mismo? Hace unos meses me comentaba que expondría y que estaba madurando la idea sobre la que debía gravitar la exposición, el "motivo" que le daría un concepto y que parece ser que toda exposición debe tener, yo no lo tengo tan claro pero él sabe mucho más de esto que yo, ya apuntó entonces que le tentaba mostrar alguna saga sobre ciudades o sobre algún viaje, finalmente se decantó por presentarnos Colores de Cuba, y el 3 de febrero inauguró en la Llibreria Les Punxes, que está en la extraordinaria edificación modernista de Puig i Cadafalch que lleva ese nombre (Los pinchos), el contraste está servido, arte a veces demasiado aparente, el modernismo, frente a un artista siempre veraz, Toni.</div>
<div style="text-align: justify;">
Toni tiene una mirada preciosa, es un hombre que ilumina el espacio con el fulgor de sus ojos casi permanentemente ilusionados, y sabe plasmarla en sus obras, al fin y al cabo, ¿Qué es una fotografía interesante sino una mirada bien plasmada?, también es un excelente compañero de salidas nocturnas y un hombre con más recovecos de los que su carácter pacífico deja entrever de entrada, y todo ello, el artista Ydjabe lo sabe pintar en sus obras. La tranquilidad con la que sabe vivir le confiere la fuerza con la que transmite su manera de ver el mundo, él no es un fotógrafo que construye decorados o que se pierde en photoshops, sus armas son el talento de ver y el talante de mirar, ahí están los resultados, montones de fotos en las que uno encuentra lo conocido presentado de forma desconocida, lo que uno ya ha visto de forma que no había observado, Toni es un captador del lado trascendente de la realidad.</div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://4.bp.blogspot.com/-_OSqYBJJh0M/T0bDQZ66nmI/AAAAAAAAA6E/LelrvGzQ6Rs/s1600/IMAG0173.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="http://4.bp.blogspot.com/-_OSqYBJJh0M/T0bDQZ66nmI/AAAAAAAAA6E/LelrvGzQ6Rs/s400/IMAG0173.jpg" width="238" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Mis colores de Cuba</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
Colors de Cuba (pondremos el nombre en su versión original no sea que la manager del artista nos ponga morros la próxima vez que la veamos) es una muestra del resultado de viajar a la isla caribeña, un país del que todos los que han estado resaltan el color, el ritmo, la luz, la atmósfera que posee y que derrocha. Uno, que ni ha estado en Cuba ni tiene planes para visitarla, no sería representante del público más devoto para una exposición que gravita sobre imágenes de la isla, a mí me hubiera atraído mucho más que el elemento vertebrador de la exposición se hubiera centrado en ciudades europeas, Londres sin ir más lejos, ciudad que Toni y pareja conocen más que yo algunos barrios de Barcelona, o Berlín, o qué sé yo. Pero la exposición es sobre los colores de Cuba y esa es la que es.</div>
<div style="text-align: justify;">
El día de la inauguración, honor tuve en ser el primero en acudir (cosas de haber recibido una educación algo dispersa y haberme hecho rehén de la puntualidad por contraposición), no pude disfrutar todo lo que se merecen las obras, la librería es un espacio con resonancias artísticas pero no se puede decir que sea el más preparado, en espacio y luz, para acoger una muestra de originales, y el trasiego de invitados tampoco permitía el, o los, momento/s para disfrutar de las piezas, no obstante disfruté con su contemplación lo suficiente como se merecían las obras.</div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://4.bp.blogspot.com/-cFBJq4y-GIY/T0bDlzQzZFI/AAAAAAAAA6M/1sy7QrpI_EY/s1600/IMAG0157.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="238" src="http://4.bp.blogspot.com/-cFBJq4y-GIY/T0bDlzQzZFI/AAAAAAAAA6M/1sy7QrpI_EY/s400/IMAG0157.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">El angosto balconcito donde anidan las imágenes</td></tr>
</tbody></table>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-miTb8toBGTw/T0bD56z8oII/AAAAAAAAA6U/UJfbAW9HxcA/s1600/IMAG0167.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="http://3.bp.blogspot.com/-miTb8toBGTw/T0bD56z8oII/AAAAAAAAA6U/UJfbAW9HxcA/s400/IMAG0167.jpg" width="238" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">La Cuba de Toni, el viaje que queremos hacer</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
Esta tarde he estado de nuevo allí para hacer las fotos de la entrada y he podido comprobar que la mirada de Toni es magnífica, las doce fotografías que cuelgan en la pared de la librería poseen una fuerza, una sensibilidad, y un sesgo, que despiertan la comezón viajera que todo homo sapiens, especie itinerante por antonomasia, posee. Toni viaja y al hacerlo se empapa del territorio que visita, mira aquello que sus pies descubre y el ojo decide que hay que plasmar el decorado vivido, Toni captura de forma precisa y entusiasta su manera de percibir, pero, generoso como es, lo congela en imágenes para que el resto podamos disfrutar con él. </div>
<div style="text-align: justify;">
Su visión de Cuba tiene mucho color, pero es el color vivo de una tierra real que no es esclava de un tour operator de turno que pretende vendernos unos pasajes, es la luz de la vida en el Caribe que convive con la miseria y la realidad orgullosa de ser un pueblo vital. Los paisajes mostrados huyen de la palmera y el cocotero, enmudecen ante el Tropicana y demás reclamos turísticos, se hacen espléndidos ante el colorido y el estallido de la cadencia tropical, son hermosas imágenes que provienen del sentir y percibir la vida como un territorio donde gozar todo aquello que pueda ser gozado. </div>
<div style="text-align: justify;">
El viaja y su maleta contiene la ilusión sedienta de percibir, de mirar y de ver, en la cámara ávida de recibir colmará la particularidad de saber apreciar el momento y la luz precisa, el contorno adecuado y la fugacidad atrapada. El artista generoso nos regala momentos que podrían pertenecerle en exclusiva y que decide compartir.</div>
<div style="text-align: justify;">
Es Toni, es su mirada, es arte.</div>Hugo Enojohttp://www.blogger.com/profile/15712978877119647738noreply@blogger.com10tag:blogger.com,1999:blog-2459155305508967238.post-47599822243535529872012-02-21T23:30:00.000+01:002012-02-22T10:17:49.758+01:00Demolición ¿sin Big Man?<div style="text-align: justify;">
</div>
<div style="text-align: justify;">
Ha llegado. El Boss ha puesto en circulación su decimoséptimo álbum de estudio, si no contamos el The promise (2010) que es un recopilatorio que contiene temas inéditos y nuevas mezclas. Wrecking ball es la canción que da nombre al álbum y ya ha sido tocada en directo por Bruce desde hace tres años, luego la comentaremos porque vamos a hacer un análisis a bote pronto de las sensaciones que dejan las primeras escuchas y para ello nos ceñiremos al orden de los tracks tal como están editados.</div>
<div style="text-align: justify;">
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-2eKvUQcQmtk/T0QV0HmmcTI/AAAAAAAAA40/icc8jBeljXc/s1600/BRUCE-springsteen-wrecking-ball-610x180.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="187" src="http://2.bp.blogspot.com/-2eKvUQcQmtk/T0QV0HmmcTI/AAAAAAAAA40/icc8jBeljXc/s640/BRUCE-springsteen-wrecking-ball-610x180.jpg" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">El Boss se prepara para darnos de lleno en las vísceras y el alma</td></tr>
</tbody></table>
1 <b>We take care of our own</b>. La canción que abre el trabajo, ya se puso en circulación hace unas semanas, es una pieza, como dija la experta Aranza, para abrir los conciertos y por ello está dotada del nervio creciente de esos himnos springsteenianos que le permiten arroncar su voz mientras la gente estalla con el inicio del show. Sonido E street band puro con presencia de cuerdas a cargo de la Nueva York Cámara Consort, que ya sonaba en The rising (2002) y la capacidad para poner al oyente a tono para el viaje del Wrecking. Una chinita escupida al buen rollo inmóvil que el Boss achaca a Obama, para esa atención excesiva al capital y nula a los working class USA:</div>
<div style="text-align: justify;">
I been knocking on the door that holds the throne</div>
<div style="text-align: justify;">
I been looking for the map that leads me home </div>
<div style="text-align: justify;">
The road of good intentions has gone dry as a bone</div>
<div style="text-align: justify;">
We take care of our own </div>
<div style="text-align: justify;">
Un inicio de álbum que me recuerda en cierta manera al The rising (2002), es otro renacer, aquel después del 11S, éste después de la pérdida de Clemmons y, también, de Federici, que le obligan a plantearse una banda que debe ser diferente.</div>
<div style="text-align: justify;">
2 <b>Easy money</b>. El título ya nos indica que estamos ante un canto que pretende recuperar valores que no se centren en el dinero y el estupendo violín de Soozie Tyrell nos sitúa en un folk alegre que complementa la visión socarrona sobre el materialismo imperante en la cultura del siglo XXI. Es un tema menor, aunque con unas intenciones que contienen trayectoria, y el segundo que me hace pensar que la producción que firma Ron Aniello es mejorable, este tipo no consigue amansar a Bruce pero a veces, en temas como este por ejemplo, parece empeñado en ello. Los coros finales con los que Bruce ilustra la falsedad del dinero fácil son una muestra de la oportunidad perdida y seguro que en el concierto tendremos la versión correcta. En una entrevista a Rolling Stone en 2012 Bruce explica que el álbum era un disco Folk, voz y guitarra tocando en las canciones y entonces llegó Ron con una amplia biblioteca de sonidos... Sigamos...</div>
<div style="text-align: justify;">
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-wlRFKdaJVr0/T0QWEjVMmDI/AAAAAAAAA48/AQSdtN3ztCQ/s1600/M_BruceSpringsteenWreckingBall630_011912.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="223" src="http://1.bp.blogspot.com/-wlRFKdaJVr0/T0QWEjVMmDI/AAAAAAAAA48/AQSdtN3ztCQ/s400/M_BruceSpringsteenWreckingBall630_011912.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">La demolición está en marcha</td></tr>
</tbody></table>
3 <b>Shackled And Drawn</b>. El aire folk se vuelve celta y el texto apunta al tipo baqueteado por la crisis y el poder que detentan otros sobre su vida. Hay más lirismo en este tema, se juega menos con la ironía y más con el énfasis, la espectacular voz del Boss nos araña y nos recuerda una y otra vez que hay quien está encadenado y "dibujado" de por vida (la metáfora "Drawn" es precisa y furibunda). Final con un grito Gospel que se va enmudeciendo:</div>
<div style="text-align: justify;">
But I want everybody to stand up</div>
<div style="text-align: justify;">
I want everybody to stand up and be counted tonight</div>
<div style="text-align: justify;">
El jefe siente que el grito de "Power to the people" está más vigente que nunca y creo que el disco está subiendo.</div>
<div style="text-align: justify;">
4 <b>Jack Of All Trade</b>. Intensidad. El disco se ha calentado con la primera "balada", nos ponen en la piel de Jack, otro tipo del montón, que le cuenta a su chica que las cosas están jodidas pero que van a ir bien, que él cuidará de ella y de ambos, y que el futuro existe para ellos. La fe de Springsteen en el ser humano es así, algo irracional pero contagiosa. A Ron se le cuela la poderosa guitarra de Tom Morello, ex de Rage Against the Machine y ex de Audioslave, y el sonido se enriquece, vuelve Soozie y tenemos cuerdas y metales, la trompeta de Curt Ramm excelente, muy bien puestas (algo sabrá Ron). Es uno de esos temas que Bruce hace tan bien, tipo The promise land o Streets of Philadelphia (que no tiene la culpa de ser tan famosa gracias a la peli) y apuntala el creciente interés que el disco está generando.</div>
<div style="text-align: justify;">
So you use what you've got, and you learn to make do</div>
<div style="text-align: justify;">
You take the old, you make it new</div>
<div style="text-align: justify;">
If I had me a gun, I'd find the bastards and shoot 'em on sight</div>
<div style="text-align: justify;">
I'm a Jack of all trades, we'll be alright </div>
<div style="text-align: justify;">
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-bxJQ3AFKFig/T0QWcUyNRuI/AAAAAAAAA5E/R6EfidGz3MI/s1600/Bruce-Springsteen-2012-disco-cd-Wrecking-Ball-600x340.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="226" src="http://1.bp.blogspot.com/-bxJQ3AFKFig/T0QWcUyNRuI/AAAAAAAAA5E/R6EfidGz3MI/s400/Bruce-Springsteen-2012-disco-cd-Wrecking-Ball-600x340.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">I'd find the bastards and shoot'em on sight</td></tr>
</tbody></table>
5 <b>Death Of My Hometown</b>. Vuelta al country de cabañas para alertar sobre la muerte del hogar, los buitres nos convierten en la carroña de estos tiempos con un aire de reminiscencia de la guerra civil norteamericana. La canción sigue la senda del disco y de vuelta pienso que el disco debería no haberse encontrado con Ron, hay demasiado arreglo para lo que el mensaje duro y seco del Boss pretende, incluso es el primer tema donde escucho la voz principal desubicada (sólo un poco Aranza, sólo un poco). A ver que viene.</div>
<div style="text-align: justify;">
6 <b>This Depression</b>. Yo quiero que mi chica me haga una canción así!!!! Qué pedazo de poema, muy cortito pero con una fuerza brutal, es perfecto. El jefe ha puesto el puño sobre la mesa y ha dicho, este disco es mío y esto es lo que soy.</div>
<div style="text-align: justify;">
Baby, I've been down, but never this down</div>
<div style="text-align: justify;">
I've been lost, but never this lost</div>
<div style="text-align: justify;">
This is my confession, I need your heart</div>
<div style="text-align: justify;">
In this depression, I need your heart</div>
<div style="text-align: justify;">
Baby, I've been low, but never this low</div>
<div style="text-align: justify;">
I've had my faith shaken, but never hopeless</div>
<div style="text-align: justify;">
This is my confession, I need your heart</div>
<div style="text-align: justify;">
In this depression, I need your heart</div>
<div style="text-align: justify;">
And I've always been strong, but I've never felt so weak</div>
<div style="text-align: justify;">
And all my prayers have gone for nothing</div>
<div style="text-align: justify;">
I've been without love, but never forsaken</div>
<div style="text-align: justify;">
Now the morning sun, the morning sun is breaking</div>
<div style="text-align: justify;">
This is my confession, I need your heart</div>
<div style="text-align: justify;">
In this depression, I need your heart </div>
<div style="text-align: justify;">
Se puede decir de muchas maneras, los seres humanos llevamos miles de años haciéndolo y Bruce le canta a Patty su amor desde el pozo. Morello vuelve a sonar perfecto y Soozie y unos coros suaves de Patty y Lisa Lowell. Quiero abrazar a mi chica en el concierto cuando la banda se ponga intimista y nos ofrezca esta canción (no sólo entonces claro!), ufff.</div>
<div style="text-align: justify;">
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://4.bp.blogspot.com/-oxNRarky99I/T0QW0BKkQaI/AAAAAAAAA5M/aj21g1rF-pY/s1600/bruce-springsteen.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="260" src="http://4.bp.blogspot.com/-oxNRarky99I/T0QW0BKkQaI/AAAAAAAAA5M/aj21g1rF-pY/s400/bruce-springsteen.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Soy un hombre que tiene en el corazón a su guitarra </td></tr>
</tbody></table>
7 <b>Wrecking ball</b>. El Boss estrenó este tema en 2009 con motivo de la demolición del Giants Stadium en East Rutherford, Nueva Jersey, y desde el escenario próximo a desaparecer les dijo al público: Únete a nosotros esta noche para tirar abajo a la vieja señora. Hemos tenido muchas grandes noches en este sitio, vamos a hacer uno nuevo al Este. Y esto es lo que escribí para esta noche.</div>
<div style="text-align: justify;">
I was raised out of steel here in the swamps of Jersey, some misty years ago</div>
<div style="text-align: justify;">
Through the mud and the beer, and the blood and the cheers, I've seen champions come and go</div>
<div style="text-align: justify;">
So if you got the guts mister, yeah if you've got the balls</div>
<div style="text-align: justify;">
If you think it's your time, then step to the line, and bring on your wrecking ball</div>
<div style="text-align: justify;">
Bring on your wrecking ball</div>
<div style="text-align: justify;">
Y, oh sorpresa, como el tema se grabó hace más de dos años, el saxo de Clarence Clemmons suena en esta canción y uno casi puede tocar el sonido clásico de la E street, es una preciosa, muy poderosa, invitación a la rebelión, con pasajes intimistas en los que Bruce está a solas con la guitarra, acunada por el teclado de Charles Giordano y que acaban arrastrando a todo el combo a su versión más potente. No es casual que de nombre al disco porque es uno de los mejores cortes del trabajo. Una canción que, dado lo que se puede constatar en las versiones que circulan por Youtube, asegura una experiencia en directo de mucho nivel.</div>
<div style="text-align: justify;">
8 <b>You've Got It</b>. No conocía a Greg Leisz ni a Marc Muller, los músicos que ponen la steel y guitarra en este tema con gran acierto. Esta es de esas canciones que los grandes tienen en sus discos, digamos que son fondo de armario, sienpre suenan bien y combinan con todo, se puede uno imaginar sin esfuerzo a Bruce susurrándoselo a Patty por el pasillo: lo tienes, ven y dámelo. Es el canto a la pareja, a todas las chicas con las que uno puede sentirse en el hogar. Estupenda.</div>
<div style="text-align: justify;">
9 <b>Rocky Ground</b>. Hace muchos años Dylan compuso una pequeña joya en el Selfportrait (1970) que se llamaba All the tired horses y la bella voz de Michelle Moore que surge al inicio de este tema me la recuerdan una y otra vez, no es mala cosa que algo te lleve a Dylan. Pero hablemos de esta canción y de la horrorosa capacidad de Don para estropear las cosas, el tipo ha puesto sintetizadores y efectos de fondo que me asustan cada vez que los escucho, el tema es perverso de cojones, por un lado nos encontramos una estupenda canción, con una letra Gospel cien por cien, que Bruce canta con convicción y entrega de forma bestial, con esos coros ya comentados y por otro el destrozo que provoca el productor en un intento de casar al Boss con el hip hop y la electrónica, sí, también hay unos fraseos de rap (Moore again). Si comentaba que la anterior es un fondo de armario, y para seguir en el símil textil, esta es una blusa para epatar en una fiesta, puede triunfar o recibir tomatazos pero no dejará a nadie indiferente. Tengo mucha curiosidad por vivirla en directo, verla desnuda de manazas y con el saxo que Art Baron borda en estudio, desmelenarse en el escenario.</div>
<div style="text-align: justify;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://4.bp.blogspot.com/-nWAYumNJY_U/T0QakCO33hI/AAAAAAAAA5c/3GzQvXeoKfo/s1600/bruce-springsteen-1.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="266" src="http://4.bp.blogspot.com/-nWAYumNJY_U/T0QakCO33hI/AAAAAAAAA5c/3GzQvXeoKfo/s400/bruce-springsteen-1.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">La nueva E street band</td></tr>
</tbody></table>
10 <b>Land Of Hope And Dreams</b>. Un temazo que no es nuevo, aparece ya en el Live in NY city (2000) y en varios directos desde entonces, pero que no estaba contenido en un disco de estudio al uso, y que podría cerrar el álbum si no fuera porque Bruce quiere hacerlo con doblete (la edición especial incluye dos temas anteriores al final, Swallowed up y American Land, pero que no forman parte del concepto global del disco y se recuperan para dotar de más contenido un lanzamiento posterior). El solo de Clemmons, que aparece de nuevo, es perfecto, un resumen conciso de toda la fuerza que le ha dado a la E street durante casi treinta años. Es una canción esperanzada y cruda al tiempo, contiene momentos mágicos, íntimos y rebosa de sonido cuando se encabrita, Bruce ha vuelto!!!</div>
<div style="text-align: justify;">
I will provide for you and I'll stand by your side</div>
<div style="text-align: justify;">
You'll need a good companion now for this part of the ride</div>
<div style="text-align: justify;">
Yeah, leave behind your sorrows, let this day be the last</div>
<div style="text-align: justify;">
Well, tomorrow there'll be sunshine and all this darkness past</div>
<div style="text-align: justify;">
Well, Big Wheels roll through fields where sunlight streams</div>
<div style="text-align: justify;">
Oh, meet me in a land of hope and dreams</div>
<div style="text-align: justify;">
Allí nos cita Bruce, en la tierra de la esperanza y los sueños, allí cita a todos los hombres de bien. Y el tema se cierra con Gospel y un fragmento del People get ready de Curtis Mayfield.</div>
<div style="text-align: justify;">
y 11 <b>We Are Alive</b>. El Boss más religioso que nunca glosando tragedias en las voces de los muertos. Otro principio suave, que se crece en la acústica de Bruce y su voz susurrada, fraseo cuidado para darle la palabra a las víctimas a las que nadie defendió, hace que el tema vaya subiendo con aire campestre, un banjo nos sitúa en la frontera y la piel nos indica que estamos ante otra gran canción.</div>
<div style="text-align: justify;">
<div style="text-align: justify;">
We are alive</div>
<div style="text-align: justify;">
And though our bodies lie alone here in the dark</div>
<div style="text-align: justify;">
Our souls and spirits rise</div>
<div style="text-align: justify;">
To carry the fire and light the spark</div>
<div style="text-align: justify;">
To fight shoulder to shoulder and heart to heart</div>
<div style="text-align: justify;">
To stand shoulder to shoulder and heart to heart</div>
<div style="text-align: justify;">
We are alive</div>
</div>
<div style="text-align: justify;">
Estamos vivos, es el estribillo que cierra este gran trabajo del Boss, es así, el disco ha salido bueno. El tema se apaga con los silbidos minuentes que nos hablan de camino por recorrer, de mirada henchida de </div>
<div style="text-align: justify;">
horizontes y fe. El impulso único que uno se permite es el de una nueva audición.</div>
<div style="text-align: justify;">
El viaje ha culminado su trayecto y la sensación es poderosa, precisa de más audiciones para ser disfrutado y citamos al The Telegraph:</div>
<div style="text-align: justify;">
“Un final que eleva la moral a un disco reposado, que intenta canalizar el espíritu de la canción protesta a través de las raíces, el folk y el rock moderno de estadio. Una única escucha no es suficiente para decir si Springsteen lo ha conseguido realmente o no. (…) Pero tranquiliza ver que al menos un viejo roquero sigue furioso, apasionado y encarnizado para marcar la diferencia”</div>
<div style="text-align: justify;">
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-sl4mu03CQKg/T0QavEtWdVI/AAAAAAAAA5k/nm2ekLkTJaU/s1600/springsteen_l071003.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="287" src="http://1.bp.blogspot.com/-sl4mu03CQKg/T0QavEtWdVI/AAAAAAAAA5k/nm2ekLkTJaU/s400/springsteen_l071003.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Una pareja eterna</td></tr>
</tbody></table>
El roquero ha recuperado muchas raíces en este trabajo, el folk que ya renació en las Seeger sessions, el cantautor potente que le llevó a hacerse un hueco en la historia de la música, el americano que no puede sentirse sin las simientes de música negra que siempre ha tenido ahí. Es un Springsteen desolado por la pérdida y con la sangre hirviendo por la realidad que le rodea, es un artista que se niega a acomodarse y arriesga.</div>
<div style="text-align: justify;">
La falta de Clarence Clemmons es una losa que él se niega a dejar que le sepulte y renace con este disco sin permitir que la pérdida sea menos real.</div>
<div style="text-align: justify;">
Hace muchos, muchos años, que Bruce escribió Tenth Avenue Freeze-Out que se cierra con estos versos:</div>
<div style="text-align: justify;">
When the change was made uptown</div>
<div style="text-align: justify;">
And the <b>big man</b> joined the band</div>
<div style="text-align: justify;">
From the coastline to the city</div>
<div style="text-align: justify;">
All the little pretties raise their hands</div>
<div style="text-align: justify;">
Im gonna sit back right easy and laugh</div>
<div style="text-align: justify;">
When scooter and the big man bust this city in half</div>
<div style="text-align: justify;">
With a tenth avenue freeze-out, tenth avenue freeze-out</div>
<div style="text-align: justify;">
Tenth avenue freeze-out...</div>Hugo Enojohttp://www.blogger.com/profile/15712978877119647738noreply@blogger.com6Nueva Jersey, EEUU40.0583238 -74.405661238.503006299999996 -76.9325167 41.6136413 -71.8788057tag:blogger.com,1999:blog-2459155305508967238.post-76903285654164735192012-02-17T23:39:00.000+01:002012-02-20T06:04:39.696+01:00Una trilogía de los "states"<div style="text-align: justify;">
Acabo de terminar la lectura de una novela espléndida y forma parte de mis "obligaciones" con el blog plasmar aquellas cosas que creo que merecen ser difundidas. Y por ello pienso que me toca tratar de transmitir los numerosos valores que este libro contiene. Mi primera intención era escribir una entrada llamada Camino de libertad, donde pensaba glosar el recorrido que el libro ha tenido conmigo desde que me lo recomendaron, lo adquirí y hasta la finalización de su lectura, pero mientras lo leía tuve la sensación de que algo de la manera con la que Jonathan Franzen, porque de su novela Libertad estoy hablando, mantenía un lazo poderoso con otra obra que leí hace un tiempo, que Carlos acabó hace poco y hemos comentado algunas veces. O sea, ya tenía una entrada con dos focos de interés y, estando su gestación en mi cabeza, asistí a la presentación del portentoso trabajo de Fernando Navarro, Acordes rotos y decidí que las tres obras tenían un fuerte nexo de cohabitación en una entrada dedicada al siglo XX en el país de William Faulkner y Robert Johnson (los padres de toda esta potencia cultural).<br />
Libertad (Salamandra 2011) de Jonathan Franzen, Hazañas y chapuzas bélicas (Libros del lince 2008) de Gary Brecher y Acordes rotos. Retazos eternos de la música norteamericana (66 rpm 2011) de Fernando Navarro son tres publicaciones con numerosas disimilitudes y algunas convergencias. La principal de estas últimas es el enorme placer que me han producido cada una de ellas cuando me he sumergido en sus páginas que, en los tres casos, están protagonizadas por la cultura EEUU.<br />
El detonante que me hizo asociar Libertad con Chapuzas es ideológico, ninguna de las dos obras es panfletaria pero ambas contienen un elevado bagaje de compromiso social, compromiso entendido como una actitud que va más allá de etiquetas progresivas o reaccionarias, son dos autores que cuentan su historia, en forma de novela o de entradas de blog, pero lo hacen sosteniéndola en puntos de vista que se desarrollan de forma notoria en una posición sobre los desajustes sociales y las actitudes que resultan de ellos. Cuando escuchaba a Fernando hablar de su libro me di cuenta de que en el crítico musical anidaba el mismo empeño aunque desde una postura más personal, menos contradictoria. Y es que las dos obras de los estadounidenses son muy ambiguas ideológicamente, a pesar de las apariencias previas que presentan en cada caso, uno acaba de leerlas sin llegar a saber cual es la postura real de los autores.<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-Q-mrewX-FI8/Tz9mJK7gk9I/AAAAAAAAA3o/4JjaCip7Bk4/s1600/franzen.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="http://1.bp.blogspot.com/-Q-mrewX-FI8/Tz9mJK7gk9I/AAAAAAAAA3o/4JjaCip7Bk4/s400/franzen.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Jonathan posando como joven brillante</td></tr>
</tbody></table>
Cuando la sorpresa inicial ante la afilada lengua de Brecher, auto nombrado War nerd (empollón de la guerra), se apacigua y uno se posiciona en la lectura de su libro sobreviene la revelación: el apologista de la guerra (su libro es un canto potente, sostenido y muy inteligente que loa a la guerra como expresión primigenia de la naturaleza del ser humano, el homo sapiens es homo belicus para él y su ira se dirige a los que no hacen bien la guerra, en absoluto a quienes la practican) mantiene una postura brillante, no nos confundamos, el autor no es un absurdo miembro del Tea party con mucho tiempo libre y obsesión por las armas, es un intelectual kamikaze que dispara contra todo lo muestra un sentido ineficiente en el extenso escenario de los conflictos bélicos, pero sus argumentos son, a fuer de terriblemente mordaces y divertidos, muy inteligentes y profundos.<br />
Franzen es todo lo contrario, el color del bagaje con el que nos llega la obra es el de un escritor comprometido por su tiempo, de un sesgo demócrata del ala más progresista y con dardos más que suficientes como para derribar a cualquier halcón republicano que pase por su lado. Este culto y falso joven (nacido en el 59 no se puede decir que sea un autor joven, aunque su novela tenga bastante eco de autor novel y tampoco lo sea) moldea la historia de los Berglund con la argamasa de una lúcida visión de la realidad política de su país en la última decada del siglo XX. La lectura de Libertad produce una agradable sorpresa desde el inicio, uno ya está bastante cansado de autores "pulidos" con más o menos historias que contar, tipo Auster o Amis, que dominan el oficio y que repiten su esquema narrativo sin ningún tipo de pudor. JF nos atrapa con una técnica literaria curiosa, se acerca de forma notable en los temas menores de su libro, es prolijo en los ambientes y en las formas sociales y con ello su capacidad para evocar se vuelve poderosa. "De la puerta alabeada de la habitación colgaba un cartel amarillento de confección casera, escrito con lápiz rojo, donde se leía -Prohibido fumar-, la pe y la efe vacilantes pero enormes en su desafío". El adolescente Walter nos es retratado a través de un cartel. En cambio se muestra algo alejado en los aspectos más cruciales o emblemáticos de la narración, como de soslayo va pisando en las pulsaciones emocionales de sus protagonistas y es el dibujo completo el que nos muestra la historia. Sus protagonistas no son personajes al uso, esquemáticos y con un par de rasgos muy marcados que lo hacen identificable, cuando uno se adentra en la personalidad de cualquier ser humano nunca lo es, son poliédricos y muy vivos, pero tampoco son especialmente atrayentes o brillantes, son personas que se desnudan sin pudor ante la mirada del autor, muestran sus ridiculeces y sus contradicciones con la normalidad que adquieren los habitantes de los libros de los grandes narradores. Ésta es la única novela entre los tres libros reseñados y sin embargo contienen una capacidad documental notable, la narración se mueve en todo momento agitada por la realidad del país americano y esta vida social, cultural y política se erige sin esfuerzo en uno más de los protagonistas.<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://4.bp.blogspot.com/-ZAd8sjRaEHU/Tz9mbFxv0MI/AAAAAAAAA3w/hxBJp0Tvau4/s1600/libertad.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="http://4.bp.blogspot.com/-ZAd8sjRaEHU/Tz9mbFxv0MI/AAAAAAAAA3w/hxBJp0Tvau4/s400/libertad.jpg" width="263" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">La reinita cerúlea asomando</td></tr>
</tbody></table>
En un magnífico <a href="http://elpais.com/diario/2011/09/18/eps/1316327216_850215.html" target="_blank">artículo en el País</a> el autor declara: "Soy una rara mezcla: alguien lleno de opiniones políticas que al mismo
tiempo tiene muy poco respeto intelectual por la práctica de la
política", personalmente disiento con esa afirmación, lo realmente raro es que alguien lleno de opiniones políticas tenga algún respeto intelectual por la práctica de la política, pero la afirmación pinta muy bien la atmósfera de ambigüedad que intento resaltar, decantarse por una opción política es para Franzen un abandono de su capacidad crítica y es entonces, en su desidia partidaria, cuando yo encuentro ecos profundos de ideología conservadora, siempre es la derecha la que fomenta el descrédito de la vida política, es una de sus más antiguas herramientas, propulsando el abandono ideológico para asentarse en el poder con su rol más natural, el económico. No obstante la visión de Franzen no es trivial ni somera, observa con agudeza y se expresa con contundencia, lo malo es que la realidad le lleva a calificarlo todo con la socarronería del que nunca está acomodado en una posición primaria. Confío en que nadie vea menguado su interés en acercarse a esta novela por el temor de que la historia no pueda atraparlo o su lectura sea demasiado volátil, con tanta inmersión en el paisaje social. Son temores infundados, Libertad es, antes que nada y sobre todo, un magnífico relato sobre personas que viven unas vidas fascinantes, no por lo que les sucede sino por la maestría con la que están contadas. Uno se enamora de las incapacidades afectivas de Patty y de Patty, la esposa, amante, madre y solitaria mujer que con sus textos autobiográficos nos sumerge en las contradicciones básicas de todo ser humano. "¿De dónde salía esta autocompasión, en cantidad tan desproporcionada? Se mirase como se mirase llevaba una vida de lujo" Patty se sabe equivocada en su sentir doliente y en su saber nos atrapa.<br />
El trío de protagonistas masculinos, Walter, Richard y Joey, son magníficos y en sus relaciones de amistad y paterno filiales se encuentra una enciclopedia sobre el comportamiento de los hombres respecto a los hombres importantes de sus vidas, conflicto y competición, secuestro emocional y negación, amor y odio, necesidad y abandono, con los tres viajamos y con los tres nos enfadamos cuando se estrellan contra sus incapacidades, pero con los tres nos quedamos. "Al fin y al cabo hay cierta felicidad en la infidelidad, si es la infelicidad adecuada".<br />
La novela es preciosa, novedosa, intensa, profunda, culta y muy amena, y a todo ello se le une una razón muy menor pero que puede tener su peso para algunos, es El Libro del Momento y cualquier lector que se sienta en la necesidad de mantenerse al día tiene que haberla leído.<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/--WWvzrrWUSU/Tz9o9AgHWwI/AAAAAAAAA4I/1FwOsp8u-Bg/s1600/IMAG0153.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="http://2.bp.blogspot.com/--WWvzrrWUSU/Tz9o9AgHWwI/AAAAAAAAA4I/1FwOsp8u-Bg/s400/IMAG0153.jpg" width="238" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Mi ejemplar del hazañas</td></tr>
</tbody></table>
Hazañas y chapuzas bélicas es todo lo contrario, un libro sobre el que no puedes hablar con nadie, que no se conoce casi nada y cuya "modernidad" es invisible. La obra llegó a mis manos directamente del editor, privilegio de ser su amigo, y con el crédito que tiene para mí su opinión, no tanto la de editor que es una profesión que obliga a trabajar con material que sea vendible y no tanto con el que pueda ser disfrutable, sino la del lúcido lector y buen escritor que es, me puse a su lectura sin ninguno de los recelos que un libro que apologiza el arte bélico me hubiera provocado. Cuando me lo dio, el editor me dijo que era una de las lecturas más divertidas de las que había gozado en los últimos tiempos y, a pesar de que no sea exactamente el echar unas risas mi objetivo cuando me sumerjo en la lectura, me pareció que sería interesante intentarlo. Y lo fue sin ninguna duda, la lectura del libro me duró un escaso día y medio, una vez que lo inicié no pude dejarlo hasta tenerlo completo, una vez más la recomendación había sido acertada, no en vano es el tipo que me descubrió a McCarthy entre otros. El formato de la obra se construye recopilando las entradas de un blog real donde colaboraba Brecher (exile.ru pero que ya lo cerraron y ahora publica en <a href="http://exiledonline.com/" target="_blank">http://exiledonline.com)</a>. La estructura del libro está formada en seis partes, cinco de ellas corresponden al análisis de conflictos bélicos en cinco zonas geográficas y la sexta, a modo de recapitulación, recoge una serie de paradigmas rotundos sobre esa funesta actividad humana que es la guerra. El resultado produce una visión completa y desoladora sobre el continuado esfuerzo de la raza humana en provocarse muerte y destrucción entre ella. Actualmente Gary sigue escribiendo en el blog y sigue en igual estado de forma, esa mezcla adecuada de potencia y precisión en sus diatribas hace prever una segunda parte. Pero no olvidemos que estamos hablando de un libro y la primera norma ineludible que debe cumpir un objeto de este tipo es que su autor sepa escribir y, además, hacerlo bien. La norma se cumple sobradamente, Brecher es un autor fluido que sabe contar con maestría las pequeñas historias de las miserias bélicas que el califica de aspectos del ser humano, construye con precisión los argumentos sobre los que basa su tesis y consigue que el aniquilamiento o la matanza, nos parezan temas interesantes para ser leídos, su temática es Gore, tal vez de serie B, pero en esta analogía con el cine podríamos afirmar que Chapuzas es comparable a The thing (1982) o La noche de los muertos vivientes (1968), obras que se sirven de la truculencia para profundizar en la visión de la vida. El "war nerd" hace lo mismo, desde una visión inequivocamente estadounidense del orden mundial, se enfanga en una lógica terrible sobre la eficiencia de las acciones de guerra para mostrarnos al ser humano desde una perspectiva nueva y, lo que más sorprende, su palabra corrosiva, al despojarla de los paradigmas de fraternidad y empatía universal, aporta valores que se sitúan en el progresismo inteligente. La tesis básica del libro es que la especie humana pertenece al grupo de los depredadores, teoría más que discutible si uno la entiende al pie de la letra, y por lo tanto lo que se debe hacer es aceptar la guerra como el habitat natural del hombre. Y es justamente este argumento, expandido con humor, inteligencia y conocimiento, el que me hace sospechar que la orientación que subyace en el alma de Brecher es la de un humanista amante de sus congéneres pero devoto de la pirotecnia más brillante. No puedo dejar de citar el párrafo que cierra y recapitula el libro y que nos sirve de acicate para conocer mejor a este americano singular.<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-PyO6jhKVC4Q/Tz9pJRKiLTI/AAAAAAAAA4Q/X5yHp6g2xNE/s1600/brecher-consultant-450x327.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="290" src="http://1.bp.blogspot.com/-PyO6jhKVC4Q/Tz9pJRKiLTI/AAAAAAAAA4Q/X5yHp6g2xNE/s400/brecher-consultant-450x327.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">El peculiar humor de un war nerd</td></tr>
</tbody></table>
No lo olvidéis: todo lo que os han contado es falso. He aquí una lista de los puntos principales. Meditad sobre ellos. Memorizadlos mientras os azoto con esta vara, como haría un buen maestro zen.<br />
<ol>
<li>La mayoría (de las guerras) son asimétricas/irregulares</li>
<li>En estas guerras, las guerrillas /irregulares / insurgentes NO luchan por la victoria militar</li>
<li>No puedes eliminar a estos grupo matando a montones de sus miembros. De hecho, es lo que ellos quieren que hagas.</li>
<li>El armamento de alta tecnología es bastante inútil en estas guerras.</li>
<li>"Hearts and Minds", la moral y la propaganda son más importantes que la superioridad militar.</li>
<li>La mayoría de las personas no son racionales, son TRIBALES: "mi banda mola, a la mierda la tuya". El resto es maquillaje.</li>
</ol>
Y después de la tormenta debería llegar la calma, y llega, pero con un intenso hálito de admirada melancolía, un mensaje de poderosa añoranza de lo que fue, pero no fue lo que pudo haber sido. Me explicaré, Fernando Navarro ha escrito un libro que tiene un formato (entradas de blog), una estructura (mirada histórica), unos protagonistas (genios perdedores y perdidos) y una voluntad (homenajear al talento), y todo ello, bien dosificado y en aleación cuidada, genera un resultado que a lo que más se asemeja es a un libro de poesía en que los versos son el amor por la música, por la autenticidad y por el aliento vital que gesta las grandes obras de arte.<br />
"Si es un sueño no quiero que nadie me despierte, para que pueda darte cada trozo de mi alma" Janis Joplin<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-XMXlNgkYYn0/Tz9l0BPhN8I/AAAAAAAAA3g/aB2jMbt2kX8/s1600/IMAG0152.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="238" src="http://2.bp.blogspot.com/-XMXlNgkYYn0/Tz9l0BPhN8I/AAAAAAAAA3g/aB2jMbt2kX8/s400/IMAG0152.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">El buen rollo hecho presentación</td></tr>
</tbody></table>
El Acordes rotos es más un libro de cabecera que una obra para ser leída de un tirón, es un texto catalizador de escuchas cómplices y el valor añadido que posee es que cuando se consume como un libro convencional nos regala una panorámica espectacular del siglo XX en USA, una visión policromada y completa de la transición que sufre ese país hasta convertirse en el exdueño del imperio planetario, desde los albores de su música más auténtica con la maravillosa Bessie Smith hasta el principio del siglo XXI con los prodigiosos Vic Chesnutt o Elliot Smith. De Smith a Smith en un centenar de años vamos recorriendo las pinceladas que Fernando crea a partir de tres parámetros constantes en cada una de las entradas sobre los 33 músicos glosados: bosquejo de la trayectoria hasta su desaparición, impacto de la obra en su tiempo y en el devenir y influjo que la realidad social y política de ese momento ha generado en la obra y vida del artista.<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-AziopVW-224/Tz9qy6wP9YI/AAAAAAAAA4g/VGhN2_sD4aE/s1600/bird.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="350" src="http://2.bp.blogspot.com/-AziopVW-224/Tz9qy6wP9YI/AAAAAAAAA4g/VGhN2_sD4aE/s400/bird.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">La melancolía de un genio brutal</td></tr>
</tbody></table>
"No toque el saxofón, deja que él te toque a ti" Charlie Parker</div>
<div style="text-align: justify;">
Leer a Fernando es un placer porque es un buen escritor, formado y fogueado en el periodismo musical, este joven periodista e historiador nos transmite de forma rotunda su gran pasión por la música estadounidense del siglo XX. Con esta herramienta construye el esquema de un libro en el que hace que los que estén sean unos cuantos y que la muestra se ciña a músicos que hicieran su carrera en solitario, no asociada a una banda como podrían ser los Doors para Jim Morrison, que tuvieran una desaparición repentina o murieran en el anonimato y, sobre todo, cuya obra sea imprescindible para tener una mirada completa de la música en el siglo pasado.<br />
Además de dos hermosos prólogos y un epílogo, el libro se desarrolla en 33 capítulos dedicados a cada uno de los músicos. Algunos de los textos ya habían sido publicados en la revista digital <a href="http://www.efeeme.com/" target="_blank">efe eme</a> bajo el título de Forajidos y otros eran entradas de una miniserie, llamada Acordes rotos, que hizo Fernando en el blog <a href="http://blogs.elpais.com/muro-de-sonido/2011/08/acordes-rotos-7-y-%C3%BAltimo-elliot-smith-melanc%C3%B3lico-pop-deslumbrante.html" target="_blank">Muro de sonido</a> en el que colabora además de escribir en su estupendo blog <a href="http://blogs.elpais.com/ruta-norteamericana/" target="_blank">La ruta norteamericana</a> que ya he citado alguna vez, y seguro que lo haré más veces. A partir de este material y en complicidad con el editor de 66rpm, Alfred Crespo y un pequeño y fiel grupo de colaboradores (doy fe de esta complicidad porque la pude constatar en la presentación del libro en BCN) se construye esta maravillosa visión de la historia musical USA, las biografías de los artistas, cual mahones perfectamente colocados, van erigiendo la casa del arte musical más potente de los últimos tiempos.<br />
"Viviendo en una jungla, viviendo en una ciudad, nací para perder" Johnny Thunders<br />
El Blues, el Jazz, el Country, el Crooner, el Folk, El Rock ... Todos los estilos que un músico pueda desarrollar aparecen en esta historia, repleta de loosers, de yonquis, de perturbados, de artistas malditos y de arte eterno.<br />
"Siento que me seco en lo más hondo de mis huesos" Vic Chesnutt<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-G_3q7lbrUDg/Tz9qYkwMQbI/AAAAAAAAA4Y/lPWWAtGtLnM/s1600/acordes.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="http://3.bp.blogspot.com/-G_3q7lbrUDg/Tz9qYkwMQbI/AAAAAAAAA4Y/lPWWAtGtLnM/s400/acordes.jpg" width="281" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Johnny Thunders precede al grupo de genios</td></tr>
</tbody></table>
Hace algunas <a href="http://ferranblasco.blogspot.com/2012/01/goce-cruel.html" target="_blank">entradas</a> ya reflexionaba sobre la intensa relación que parece existir entre el dolor y la creación artística, coincidimos en la figura de Bird, presente en ambos textos, pero aquí Fernando desarrolla y amplía este concepto con precisión de orfebre, repasa con mirada amante la historia de todos estos genios a los que la vida les regaló sobredosis de talento pero que las acompañó de innumerables fuentes de dolor y mala suerte (si el grupo de los muertos en accidentes de aviación no puede ser tildado de mala suerte no sé lo que puede ser etiquetado así), nos expone sus vidas resumidas, sus mejores obras y su relación con el momento histórico que vivieron. Todo ello, como ya he comentado, escrito de forma magnífica y devota, ¿Se puede pedir más?, yo lo hice en la presentación, sugerí que la obra sería redonda si se hubiera editado una versión del libro que fuera acompañada de un CD con un par de canciones de cada uno de los artistas, Alfred me respondió sonriendo que no tenían capacidad económica para afrontar los pagos de los derechos y que por ello lo descartaron; como he tenido la suerte (o la desgracia por no poder descubrir a nadie que no conociera, algo que Fernando suele conseguir con frecuencia) de conocer y tener la obra de todos los músicos incluidos en el libro, he podido hacer la lectura con su banda sonora y puedo asegurar que es entonces el viaje definitivo.<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://4.bp.blogspot.com/-ZePjGxzJQ9s/Tz9rQnDLxDI/AAAAAAAAA4o/kNfxn6j3Tnk/s1600/RJ.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="http://4.bp.blogspot.com/-ZePjGxzJQ9s/Tz9rQnDLxDI/AAAAAAAAA4o/kNfxn6j3Tnk/s1600/RJ.jpg" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Forever</td></tr>
</tbody></table>
Para que nadie quede fuera de esta experiencia completa Fernando hizo una <a href="http://blogs.elpais.com/ruta-norteamericana/2012/01/retazos-eternos-de-la-m%C3%BAsica-norteamericana.html" target="_blank">entrada fantástica</a> en la que cuelga una lista de Spotify donde se puede catar un tema emblemático de cada uno de los artistas. En resumen Acordes es una obra imprescindible desde varios aspectos, el musical, el histórico, el estético y el del puro goce de la lectura, no hay excusa para no sumergirse en él.<br />
"Esta mañana llamaste temprano a mi puerta, yo dije: Hola Satán, ha llegado la hora de partir" Robert Johnson<br />
Y el viaje se detiene, hemos vuelto de él más sabios y más felices, Franzen, Brecher y Navarro nos han paseado por el arte y la historia, la música y las palabras, el dolor y el horror, el goce y la vida. Creo que Faulkner y Johnson se sentirían felices en ver lo que han provocado.</div>Hugo Enojohttp://www.blogger.com/profile/15712978877119647738noreply@blogger.com12Barcelona, España41.387917 2.169918741.292614 2.0119902 41.48322 2.3278472000000003tag:blogger.com,1999:blog-2459155305508967238.post-11713496962829864262012-02-11T01:43:00.000+01:002012-02-13T13:23:40.692+01:00Cantos de vino, y hierro<div style="text-align: justify;">
Una gripe algo salvaje me ha tenido en una situación muy poco habitual en mí, he estado más de 72 horas sin escuchar música, nada, ni un pequeño interludio de barroco para acariciar mi mente revolada ni un soplo suave de la trompeta del maestro que amansara mis neuronas traqueteadas por la fiebre, la amusicalidad continua, desconcertante y buscada. Podríamos llamarlo daños colaterales del síndrome febril. El advenimiento del virus fue tan salvaje como inesperado, el lunes llegaba a casa con música y en un par de horas me encontraba en la cama, aterido de frío y aturdido como un polluelo arrancado del huevo a destiempo, así y todo no advertí el trancazo hasta las cinco de la madrugada, y en esa hora tan claroscura lo supe, tenía gripe. Estos tres días han sido, como suele ser habitual en estos procesos, la constatación de ver lo frágiles que somos cuando el cuerpo nos flaquea, un deambular sin barruntar, un pasar sin fluir, horas amontonadas sin más sentido que dejarlas pasar, átonas y dolientes.<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://4.bp.blogspot.com/--Lhyo0EQhIc/TzXU97IbKAI/AAAAAAAAA3A/n8jBf03fTXQ/s1600/Cover+Front.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="288" src="http://4.bp.blogspot.com/--Lhyo0EQhIc/TzXU97IbKAI/AAAAAAAAA3A/n8jBf03fTXQ/s320/Cover+Front.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Que esto se llame pasión... tiene miga</td></tr>
</tbody></table>
Ayer, con la mejoría, fui consciente del silencio musical y pensé que la "rentrée" debía estar a la altura de una circunstancia tan extraordinaria, no logré recordar la última vez que mi cabeza estuvo yerma de estímulos musicales durante tres días, años muchos, décadas es posible, y fui consciente de la magnitud del momento, el reencuentro sería estudiado de forma detallada, incluso pejiguera, nada de retornar con cualquier cosa escuchable, cuando se rompiera el racionamiento debía hacerse con manjares del más alto nivel y que contuvieran una coherencia entre sí. Acerca de la primera pieza no tenía dudas sobre el autor, pero sí sobre la elegida, no es difícil adivinar que So what era una candidata ideal, pero Davis tiene tanto para un momento así que repasé con mudo y mental deleite unas cuantas de las alternativas aceptables: All for you del Seven steps.... o tal vez Conception del Birdland sessions.... o si convenía entrar sin anestesia el brutal Honky tonk del Get up with it o... o ... Sería Davis, y si no me decidía ya me decidiría (la mente crea deliciosas contradicciones cuando se dilata). </div>
<div style="text-align: justify;">
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-PvNivqDjIUc/TzXVMJkTt9I/AAAAAAAAA3I/XgEBNDk8Ves/s1600/tumblr_lfq7808kvK1qb2dp9o1_r1_500.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="http://2.bp.blogspot.com/-PvNivqDjIUc/TzXVMJkTt9I/AAAAAAAAA3I/XgEBNDk8Ves/s320/tumblr_lfq7808kvK1qb2dp9o1_r1_500.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Si lo pienso, él siempre estará</td></tr>
</tbody></table>
Bach tenía que sonar, no había duda, en mi idea de crearme una lista de reproducción para la mañana siguiente era impensable que algo como las Godberg (variación 21 a 26 de Gould 1955) o la Allemande de la suite 6 para cello (Wispelwey o Beschi) o la monumental Kommt, Ihr Töchter, Helft Mir Klagen de la Pasión según san Mateo de Herrewege (estudio o directo... mmmhh) o la Chacona de Heifetz o Mullova. Cuando supiera lo de Davis sabría lo de Bach, y Fripp, claro, del guitarrista tenía certeza sobre el tema, Sailor's tale, pero no la versión. Ya vería.</div>
<div style="text-align: justify;">
Wagner aparecería con la Obertura del Tanhauser de Solti, hay mucho para elegir pero esa era perfecta para que sonara mientras me reintegraba a la vida normal, la Filarmónica de Viena rugiendo majestuosa en mi cabeza era imprescindible.</div>
<div style="text-align: justify;">
Más tarde sonaría el Just like a woman de Dylan, el poeta ha escrito un sinfín de obras maestras pero para mí no hay otra que me produjera tanto impacto desde su primera escucha y hasta la fecha. Después uno de sus hijos me estremecería con similar tacto, Ryan Adams y el candente Come home del Ashes ....</div>
<div style="text-align: justify;">
A todo esto ya debería estar llegando a trabajar y mi cabeza se habría debido recolocar sin remedio o... tal vez hubiera pasado de parada para no interrumpir la experiencia. El diseño de la audición fue placentero y algo cansado, dejé que el tiempo se echara encima y pospuse para la mañana la manufactura de la lista.</div>
<div style="text-align: justify;">
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-p4zqkWS1QNM/TzXVZrNfe3I/AAAAAAAAA3Q/x0apIgEd0pw/s1600/Iron-Wine-Walking-Far-From-Home.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="http://2.bp.blogspot.com/-p4zqkWS1QNM/TzXVZrNfe3I/AAAAAAAAA3Q/x0apIgEd0pw/s320/Iron-Wine-Walking-Far-From-Home.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">El azar aporta su decisión, soberbia decisión</td></tr>
</tbody></table>
Y esta mañana, con los ecos de la dolencia demasiado presentes en mi comportamiento, me he encontrado sin darme cuenta, camino del autobús y con los cascos puestos y...</div>
<div style="text-align: justify;">
Todo la parafernalia mental empleada en la creación del momento ha mostrado su inutilidad, estaba sonando música maravillosa en el Ipod que no tenía nada que ver con todo lo previsto. La risa en plena calle de un tipo trajeado con aspecto algo desubicado y cascos ha capturado unas cuantas atenciones, es que la gente va muy aburrida por la calle, y por la vida.</div>
<div style="text-align: justify;">
Iron and wine!!! el reproductor se quedó en lo que estaba escuchando el último día que estaba en "activo" y su Kiss Each Other Clean (2011) recién arrancaba, la voz poderosa de Samuel Beam que ya glosé en <a href="http://ferranblasco.blogspot.com/2011/10/la-guitarra-tras-la-voz-la-musica-en-el.html" target="_blank">una entrada anterior</a> entonaba la maravillosa y vitalista Walking far from home</div>
<div style="text-align: justify;">
I've dreamt of that sound, dreamt of that sound</div>
<div style="text-align: justify;">
I was walking far from home</div>
<div style="text-align: justify;">
But I carried your letters all the while</div>
<div style="text-align: justify;">
I saw lovers in a window</div>
<div style="text-align: justify;">
Whisper, "Want me like time, want me like time"</div>
<div style="text-align: justify;">
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-tUjTP3GVpoM/TzXVoyhOn1I/AAAAAAAAA3Y/txMnw1N5xJ8/s1600/Samuel+Beam.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="266" src="http://3.bp.blogspot.com/-tUjTP3GVpoM/TzXVoyhOn1I/AAAAAAAAA3Y/txMnw1N5xJ8/s400/Samuel+Beam.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Samuel con su guitarra</td></tr>
</tbody></table>
Yo también soñé con un sonido, pero soñé más con el efecto de ese son y, cambiado por azar, el sueño se cumplía.</div>
<div style="text-align: justify;">
La experiencia silenciosa me ha permitido escuchar, como por primera vez, este fantástico trabajo de IaW y, a pesar de que tengo hasta cuatro entradas a medias por acabar, no quería dejar pasar la ocasión de recomendar de nuevo, de reivindicar una vez más, lo maravillosa que es la música Farmer, ese género que inventé para ubicar a un un tipo con una guitarra, a veces algunas cositas más, y su voz para contar historias, intimistas, locas, tiernas o salvajes, o tal vez todo a la vez, para aferrarnos al ritmo del planeta o de nuestra vida, para hacerla mejor y para permitirnos afrontar un viernes convaleciente con el mejor de los ánimos, hay tanta música para disfrutar y tan pocos los momentos en los que ésta no pueda colarse en nosotros que podría concluir que es un crimen no abonarse sin freno a ella. </div>
<div style="text-align: justify;">
Sea Iron o Estopa, Beethoven o Serrat, Clash o Dj Krush, sea lo que sea que se goce, sea bienvenido.</div>Hugo Enojohttp://www.blogger.com/profile/15712978877119647738noreply@blogger.com11Barcelona, España41.387917 2.169918741.292614 2.0119902 41.48322 2.3278472000000003tag:blogger.com,1999:blog-2459155305508967238.post-35705472443605334332012-01-31T15:21:00.000+01:002012-01-31T15:21:11.839+01:00Tú<pre>en la calle
en la calle han derribado un edificio
te busco en todas las mujeres, te encuentro en todas ellas
llevan rastros de ti en su dulzura, en su caminar adormilado
sus cabellos que la llovizna hace rebeldes
te llevan
en la sorpresa que pinta en sus ojos mi mirada melancólica
te encuentro sin buscarte
en la calle han llorado las aceras
te busco en todas las mujeres, no hallo tu rastro en ellas
ese ademán empobrece ante tu mano suave
no eres tu, no te veo ahí afuera
las sombras que son no contienen tu calor
te ausentas
en el gesto que no es tuyo y me distancia
eres real y no estás
en la calle se desmantela una ciudad
te busco en todas las mujeres, sólo te busco
la música que me habla de ti, debo
el paisaje que me llena de ti, casas
el momento que es el primero, escucho
te busco
sin saber como encontrarte, sin saber como perderte
el desvarío de no saber
en la calle han cerrado la calle
te busco en todas las mujeres, y no hay mujeres aquí
recorren mi piel los rastros de tu recuerdo
acomodo la mejilla al eco de tu caricia
me perturba la resonancia del agua
te siento
sin capacidad ni razón para poder sentirte
en la calle, en mi piel</pre>Hugo Enojohttp://www.blogger.com/profile/15712978877119647738noreply@blogger.com10tag:blogger.com,1999:blog-2459155305508967238.post-56337595426607766432012-01-25T18:55:00.002+01:002012-01-30T21:44:37.465+01:00Suites, llegan Tortelier y Claret ...<div style="text-align: justify;">
Después de unas cuantas y largas semanas de espera me llegaron las suites de Paul Tortelier, mi iniciador en esta obra maravillosa, ya que fue el cellista que firmaba la primera versión que escuché hace (tantos) años y al que no había podido acceder desde entonces.</div>
<div style="text-align: justify;">
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-L7_CIqspaCY/TyA_AeNRtbI/AAAAAAAAA1o/sKiTXvuBenA/s1600/1740796_640px.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="http://2.bp.blogspot.com/-L7_CIqspaCY/TyA_AeNRtbI/AAAAAAAAA1o/sKiTXvuBenA/s400/1740796_640px.jpg" width="323" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Lo que yo le debo a este hombre....</td></tr>
</tbody></table>
<span class="Apple-style-span">Como no soy experto en nada y menos en música barroca, no seré yo el que pontifique sobre las categorías de la calidad artística de las numerosas versiones </span><span class="Apple-style-span">de las Seis Suites a Violoncello Solo senza Basso BWV 1007-1012 de Bach. Desde aquí me limito a exponer el grado de arrobamiento que éstas me producen, ya comenté hace unos meses acerca de mi preferido, Beschi, y de la referencial de Rostropovich. Con la llegada de Tortelier ahora, la de Claret hace algo más y el ripeo a 320 kbs de las de Casals, ya cuento con siete muestras que exponen su visión de la partitura del genio.</span><br />
<span class="Apple-style-span">Vayamos por versiones para intentar que la entrada logre mostrar mi alegría por haber accedido a esta joya que tiene tanto peso en el gestar de mi amor por la obra. </span><span class="Apple-style-span"> </span><br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://4.bp.blogspot.com/-j1DyBJr0g6E/TyA_lG-3ZcI/AAAAAAAAA1w/9K1YUv6WMyY/s1600/cellosuites.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="http://4.bp.blogspot.com/-j1DyBJr0g6E/TyA_lG-3ZcI/AAAAAAAAA1w/9K1YUv6WMyY/s320/cellosuites.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Ya han llegado para quedarse</td></tr>
</tbody></table>
<span class="Apple-style-span">Paul Tortelier (1914 París - 1990 Chaussy) es heredero de la estela de Casals, como tantos
otros intérpretes de cello del siglo XX, y él se consideró siempre un
alumno del catalán. Su extraordinario dominio del instrumento y su luminosa versión de las suites le
acredita como uno de las más aventajados que tuvo. Tortelier entra en las suites con la mirada alegre y el alma arrobada, un sonido limpísimo que nos habla del "descaro" de este francés que las graba tres veces a lo largo de su vida, la última en directo. El disco transcurre con una continuidad pasmosa, la música se instala en un viaje sonoro que las otras versiones no siempre consiguen ejecutar con un fluir tan constante, Beschi en bastantes ocasiones se cuelga de un sonido y momento brutales que acaba de lograr y detiene la trayectoria, aunque lo merezca, Rostropovich también mantiene una dinámica ágil pero aporta contrastes que perturban la métrica viajera, Casals y Claret naufragan en este aspecto, rehenes de los detalles pierden de vista en algunos momentos el conjunto. Paul muestra el dibujo que tiene en su cabeza a través de esta dinámica, tan hermosa, tan esclarecedora. En esto, como todos los demás, el músico se aprovecha con mucho acierto de la senda ciega que abre Casals y mejora el producto, allá donde el catalán pone dirección, él culmina, donde Casals investiga, él se enseñorea. Es un ejercicio muy placentero el comparar las dos versiones porque el disfrute es doble y la percepción de los matices muy enriquecedora. La conclusión sobre el álbum es que valía la pena acoger de nuevo en mis escuchas esta versión. Pienso una vez más que los descubrimientos en aquella época en la que descubrí esta obra gozaron de un bagaje infinito, piezas de referencia interpretadas por maestros absolutos.</span><br />
<span class="Apple-style-span">Año de grabación: 1961 Edad del intérprete: 45 años</span><br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-mHYlmccpQUc/TyA_9p8b8QI/AAAAAAAAA2A/SnPE3JCGz-g/s1600/8436009800150.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="http://3.bp.blogspot.com/-mHYlmccpQUc/TyA_9p8b8QI/AAAAAAAAA2A/SnPE3JCGz-g/s1600/8436009800150.jpg" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Una obra cuidada de un músico cuidadoso</td></tr>
</tbody></table>
<span class="Apple-style-span">Lluís Claret (1951 Andorra la Vella - ) también es alumno de un Casals, pero no de Pau, si no de su hermano Enric, que fue su consejero durante años. Es una "joven muestra" de la saga Casals y su versión de las suites llegó a mis manos sin apenas conocer su existencia, a raíz de la <a href="http://ferranblasco.blogspot.com/2011/10/el-arco-en-las-cuerdas.html" target="_blank">entrada anterior </a>Sergio me comentó que las tenía y que gustosamente me las dejaría para que las pudiera incorporar a la colección. La grabación prometía: registradas en la Abadía de Fontfroide por un reputado cellista, con varias interpretaciones en directo de la integral a sus espaldas, y recomendadas por el prestador del CD. No puedo decir que sea una versión mala porque sería una idiotez, ni tan solo puedo calificarla de menor sin tener en cuenta de que la tengo muy poco escuchada, lo único que sé es que la primera impresión que me produjo fue pensar: "Qué terriblemente difíciles de interpretar son las suites!", y es que se inician con la primera que es un reto técnico de primera magnitud, el peso de las extraordinarias versiones anteriores es cada vez mayor y cada músico busca la suya, Claret es manifiestamente prudente en el arranque de la obra y pierde fulgor desde un principio, consigue remontar en las suites 3, 4 y 5 y en la 6, la mía, sobrevive con mucha solvencia. Hay que escucharlas más y si es posible hay que verlo en directo, eso sería un sueño para MiMaría y para mí, creo que el dominio Claret sobre la integral es excelente y que es mi oído el que tiene demasiadas referencias ajenas, mejores a mi entender, para poder converger con el cellista en su universo bachiano.</span><br />
<span class="Apple-style-span">Año de grabación: 2003 Edad del intérprete: 52 años</span><br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-j1siBqD-CfE/TyBANT2C1NI/AAAAAAAAA2I/CyVdpn6KkOg/s1600/pau-casals-1954.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="640" src="http://2.bp.blogspot.com/-j1siBqD-CfE/TyBANT2C1NI/AAAAAAAAA2I/CyVdpn6KkOg/s640/pau-casals-1954.jpg" width="457" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">El más grande, los demás, a su espalda (foto de Yousuf Karsh)</td></tr>
</tbody></table>
<span class="Apple-style-span">Pau Casals (1876 El Vendrell - 1973 San Juan dePuerto Rico) es el Cellista del siglo XX, la referencia absoluta de este instrumento y el "culpable" de que las suites circulen entre nosostors con esa maravillosa normalidad, narrada está la historia de su descubrimiento y no la repetiré. El gran, el insalvable problema de Caslas es que es el primero, no tiene referencias previas en las que pueda tomar la distancia necesaria que todo creador debe poder mantener con su obra. Tarda cuarenta y seis años en grabar las primeras suites, no seré yo el que las criticará ni un ápice pero en la escucha (que he podido hacer a conciencia con los nuevos archivos de alta calidad), y sobre todo en la comparación, se observa lo que antes he comentado, se inician propuestas que no se acaban de desarrollar por falta de diálogo, el artista nunca es inmune a su tiempo y aus entorno, ni a sus referentes. Y al genio Casals le falta eco contrastador, creo que en algunos caso el timbre es excesivamente violinesco, con ese sensacional abanico de posibilidades sonoras que ofrece el cello, y sus sucesores, al tener su referencia, pueden mejorar ese sonido y llevarlo hacia una cuerda más de cello que a mí me llena más. La intensa y prolongada dedicación a las partituras le lleva a ofrecer una lectura pormenorizada que le resta el ritmo como ya decía en el párrafo de Tortelier, y, finalmente, la calidad sonora de la grabación es, lógicamente, inferior. Todo ello constituye el pequeño grupo de matices que no logran empequeñecer el valor de esta grabación ni restarle un gramo de placer en su escucha, cuando Pau pone las suites en su cello sabe perfectamente lo que hace y logra una altura interpretativa soberbia, logra que sea imprescindible tener su propuesta entre las que se poseen.</span><br />
<span class="Apple-style-span">Año de grabación: 1939 Edad del intérprete: 63 años</span><br />
<div style="text-align: justify;">
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-QGPM1sEoQgc/TyBBMPRif8I/AAAAAAAAA2Q/cCRM0ZGyvwg/s1600/wispelwey_pieter.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="213" src="http://1.bp.blogspot.com/-QGPM1sEoQgc/TyBBMPRif8I/AAAAAAAAA2Q/cCRM0ZGyvwg/s400/wispelwey_pieter.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">El "tapado", Wispelwey un genio</td></tr>
</tbody></table>
Pieter Wispelwey (1962 Haarlem - ) <span class="Apple-style-span">el benjamín de los aquí citados me vino a través de un blog que se cerró inesperadamente donde José Manuel Recillas ofrecía SU fonoteca de forma gratuita, el blog era una gozada porque además de poder acceder a muchísimas joyas, podias leer las cultas y preciosas entradas del bloger. En una de las que visité más veces glosaba las casi veinte versiones que tenía de las suites, me quedé con las ganas de bajarme alguna más pero quería hacerlo teniendo tiempo para escuchar lo que me bajara y el cierre me pilló a medias. Bien, en esa entrada estaban casi todas las famosas (Tortelier no, es curioso) y Recillas alababa especialmente esta, la segunda grabación de Wispelwey, un "enfant terrible" bastante divertido, en la que indicaba con agrado el vigor, la imaginación y la solvencia con la que Pieter afrontaba la obra, con una edad en la que la mayoría de genios está aún estudiando y practicando las suites, él ya sacaba su segunda versión y la convertía en referencial. Yo no he oído la primera pero esta segunda es magnífica, convengo con Recillas en sus comentarios, la interpretación es plena, con un aire muy intenso y con una concepción muy moderna de Bach, pero una modernez que la hace muy auténtica, podría describirse como la de un joven genio que es irrespetuoso con el peso de los mayores pero muy esclavo del lenguaje musical que reinterpreta. La grabación con un cello barroco, como Beschi </span><span class="Apple-style-span">contribuye a la riqueza sonora que hace esta versión imprescindible, a los oídos de Recillas, y a los míos.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span">Año de grabación: 1998 Edad del intérprete: 36 años</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-hhCkxZNnzkk/TyBBqSnqGSI/AAAAAAAAA2Y/0fAe9O_Tpcw/s1600/04_BrenoRotatoriAgenciaf8_IMG_9855.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="266" src="http://1.bp.blogspot.com/-hhCkxZNnzkk/TyBBqSnqGSI/AAAAAAAAA2Y/0fAe9O_Tpcw/s400/04_BrenoRotatoriAgenciaf8_IMG_9855.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Beschi dando clases de cello</td></tr>
</tbody></table>
<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-qNzZ2WAo_mA/TyBBsh3KYrI/AAAAAAAAA2g/lGy0wbVi7co/s1600/Rostropovich_at_the_Wall.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="http://2.bp.blogspot.com/-qNzZ2WAo_mA/TyBBsh3KYrI/AAAAAAAAA2g/lGy0wbVi7co/s400/Rostropovich_at_the_Wall.jpg" width="286" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Rostropovich dando clases de humanidad</td></tr>
</tbody></table>
<span class="Apple-style-span">Robert Cohen (1944 Londres - ) es una incorporación curiosa fruto de su inclusión en la integral de bach que Briliant editó hace unos años. Mi primera intención era borrar de aquella integral toda obra de la que tuviese una versión mejor o de referencia, pero no lo hice porque las suites que contenía me gustaban bastante, si bien las escucho muy de tanto en cuanto. Hace un par de años me lancé a la aventura de averiguar quien era el más que correcto intérprete al cello y finalmente lo logré. El ex-niño prodigio británico que debutó con 12 años en el Royal Festival Hall tocando a Bocherini grabó en 1990 estas suites. El inglés fue alumno de </span>William Pleeth y tomó clases con Jacqueline du Pré, André Navarra y Mstislav Rostropovich, y no puede negar lo de éste último, el mayor defecto de sus suites es que son un homenaje muy respetuoso con el maestro Mstislav. Muy correctas, con un ritmo consistente y algo más, algo más que no demasiado, cálidas que las de su maestro. No es un disco que recomendaría para tener una sola version de esta obra pero no desentona como complemento de las otras seis.</div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span">Año de grabación: 1990 Edad del intérprete: 36 años</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span">Sobre Beschi y Rostropovich ya comenté en la entrada del <a href="http://ferranblasco.blogspot.com/2011/10/el-arco-en-las-cuerdas.html" target="_blank">Arco en las cuerdas</a> y tan solo aportaré a aquel texto la actualización precisa y los datos que complementan los comentarios. Beschi sigue siendo mi preferido y el maestro ruso sigue ofreciéndome una alternativa consistente y potente.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
Mstislav Rostropovich (1927 Bakú - 2007 Moscú) Año de grabación: 1991 Edad del intérprete: 64 años</div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span">Paolo Beschi (1953 Brescia - ) </span>Año de grabación: 1998 Edad del intérprete: 35 años<br />
Y estas son las suites que disfrutamos en casa, recientemente ampliadas y por ello motivo de esta entrada. </div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span"> </span></div>
<span class="Apple-style-span"><br /></span><br />
<span class="Apple-style-span"><br /></span></div>Hugo Enojohttp://www.blogger.com/profile/15712978877119647738noreply@blogger.com6Eisenach, Alemania50.9802538 10.315619450.9002778 10.157690899999999 51.0602298 10.4735479tag:blogger.com,1999:blog-2459155305508967238.post-54673129829959375032012-01-21T08:50:00.004+01:002012-01-21T08:50:55.532+01:00Blues en Mali, el delta vuelve al hogar (I)<div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><img border="0" height="424" src="http://4.bp.blogspot.com/-WHB4H2B5t54/TxppZOHaW_I/AAAAAAAAA0Q/UtJphtUUFBY/s640/mississippi-blues.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;" width="640" /></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">El río que se hermana con el desierto, el Mississipi</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
Este lunes pasado, como en un dejà vu precioso del instante que inició este blog, recibo una llamada. Como en aquella ocasión era de Carlos y podríamos decir que los parámetros de la llamada fueron bastante similares, el objetivo era el mismo: notificarme acerca de un concierto de alguien que nos gusta a ambos y dar por sentado que iríamos a verlo, esta vez con MiMaría (claro). Pero, a diferencia de la primera llamada, el espacio donde glosar acerca de ello ya existe y se llama Jazz, aunque los músicos de los que voy a contar no practiquen este estilo en absoluto. Incrementando la cualidad coincidente de la llamada se añade la circunstancia de que la entrada ya estaba rondándome por la cabeza desde hace unos días pero tenía previsto hacer otra antes de embarcarme en esta. Después de la entrada del goce cruel pretendía oxigenarme con algo suave y novedoso en este blog y de momento el proyecto queda aparcado.</div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-QoqHha9DA0g/TxppqsdkMhI/AAAAAAAAA0Y/IvBQGJ2BqT0/s1600/sahara_desert.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="377" src="http://1.bp.blogspot.com/-QoqHha9DA0g/TxppqsdkMhI/AAAAAAAAA0Y/IvBQGJ2BqT0/s640/sahara_desert.jpg" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">El desierto que genera la música de los nómadas</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
La llamada era para advertirme sobre el próximo concierto, esta vez en Barcelona, de los maravillosos Tinariwen y, huelga decirlo pero me gusta repetirlo, está claro que allí estaremos porque a ambos nos encanta esta formación. El grupo merecería una entrada por sí solos pero desde el principio supe que quería recomendarlos junto a otro músico africano con el que guardan ciertas similitudes formales. Alí Farka Touré es su pareja del baile de recomendaciones que pretendo exponer.</div>
<div style="text-align: justify;">
Tinariwen, que significa "desiertos" en bereber, es una banda de tuaregs del Sahara formada en 1982. Las divisiones territoriales que impuso occidente les hace malienses pero creo que les importa un rábano, ellos son hijos del desierto, bereberes puros: "Cuando un tuareg no ve el cielo, siente que su alma está prisionera porque los muros la han encerrado. Nosotros decimos que las casas son las tumbas de los vivos y, el desierto, la abertura del alma", cuenta Anara el Moktar, que trabaja con el grupo Tinariwen y preside la Asociación Tuareg en Francia y Europa. <a href="http://tentaciones.elpais.com/2012/01/isweghvideo.html" target="_blank">(1)</a> Es posible expresarlo de muchas maneras pero pocas tan claras como esta, el espíritu de las dunas y el sol, de los camellos y los campamentos, del implacable sabor de la arena calcinada por el sol, todo ello rezuma en la música de los Tinariwen. El fundador y líder de la banda es el guitarrista Ibrahim ag Alhabib y esta circunstancia es la que confiere una cualidad especial a su música, Ibrahim es un bluesman de la cabeza a los pies, amante del sonido del delta, ellos le llaman Assouf (nostalgia, o sea blues) y con una sensibilidad mestiza que hace maravillosa su música. El 20 de marzo de este año tendréis una entrada con la crónica del concierto que iremos a ver, pero para todos aquellos que no puedan ni quieran ir existe su discografía que merece ampliamente la pena. Teneré (1992) y Bamako (1993) son sus dos primeros discos y no están editados en Europa (que a mí me conste), aún no los he conseguido y por ello no puedo más que pensar que serán muy buenos pero poco más puedo decir.</div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://4.bp.blogspot.com/-c8eCdJDkFCY/TxpqNajqLvI/AAAAAAAAA0g/43GYuU2qEG0/s1600/tisdas.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="http://4.bp.blogspot.com/-c8eCdJDkFCY/TxpqNajqLvI/AAAAAAAAA0g/43GYuU2qEG0/s320/tisdas.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">La belleza de la portada nos anuncia su interior</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
El The Radio Tisdas sessions (2002) es el siguiente en su discografía y el primero que pude escuchar, y desde el primer tema, Le chant des fauves, me quedé fascinado por los punteos blueseros que conforman la estructura de la canción, bailando entre las voces y la percusión tuaregs. Prosigue el disco y Nar djenetbouba, se inicia de nuevo con una guitarra que firmaría cualquier maestro del Misissipi, si fuera a lomos de un camello!, la música de Tinarawen es un viaje rítmico que se genera bebiendo de sus raíces más puras. La profundidad absoluta de su simpleza aparente es preciosa, en cada tema, hasta el final del álbum el viaje se hace más luminoso, los músicos nos hipnotizan con eses pocos, y tan bien desarrollados, elementos: las voces puras que cantan con la mirada en el horizonte, los juegos vocales que presenta el grupo tienen un hálito tan vital y eterno que sorprende que no sean de escucha obligatoria, las guitarras que colorean el canto, tanto Blues y tanto África en ellas! y un poco de percusión para que la base rítmica ordene el torrente calmo de la música. El disco es excepcional y está excelentemente producido, suena exactamente como tiene que hacerlo y la luz del desierto se cuela permanentemente por entre sus rendijas. El Tisdas se cierra con una pieza en directo, Tin-essako, que no hace más que incrementar el deseo de que llegue el concierto próximo.</div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-oJY5L3Tn8Iw/Txpqj6L2dCI/AAAAAAAAA0o/lQCbCLk3g8Y/s1600/Tinariwen-amassakoul.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="http://3.bp.blogspot.com/-oJY5L3Tn8Iw/Txpqj6L2dCI/AAAAAAAAA0o/lQCbCLk3g8Y/s320/Tinariwen-amassakoul.jpg" width="318" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Una guitarra que sustenta al camello...</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
Amassakoul (2004), El viajero, es el disco de asentamiento y consagración después del primero, una gira por los States y el reconocimiento de ese pequeño mundo dentro del universo musical que es el de los amantes del Blues y de la música Étnica. Los parámetros estilísticos de este trabajo no cambian, en oídos poco trabajados la música de Tinarawen puede sonar como una única canción que se alarga hasta el silencio del final del disco, la riqueza está en las sucesivas escuchas de su propuesta, en dejarse mecer por los innumerables matices de su frugal sonido. Siguen las voces y las guitarras, en la producción se añaden algunos elementos de percusión que salpican algo más las bases pero todo suena similar porque todo sonaba ya estupendo. Amor por el desierto y por los siglos de un pueblo libre al que no dejan de intentar domeñar.</div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-xBjcLDLJHDc/Txpq10C2F4I/AAAAAAAAA0w/lCxTcNZ6TRY/s1600/B000MCICRE.01._SS500_SCLZZZZZZZ_V43960274_.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="http://3.bp.blogspot.com/-xBjcLDLJHDc/Txpq10C2F4I/AAAAAAAAA0w/lCxTcNZ6TRY/s400/B000MCICRE.01._SS500_SCLZZZZZZZ_V43960274_.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">El agua y la música, el gesto hosco de los resistentes</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
Aman iman (2007), El agua es vida, proceder del desierto y no cantar esa proclama no sería entendible y los Tinarawen pueden ser muchas cosas pero nunca dejan de ser habitantes del Teneré. El nuevo trabajo presenta alguna novedad formal, las guitarras se endurecen un poco y aparece la eléctrica, hay ampliación en el registro estilístico sin moverse de su bello universo musical, desde la excitante Cler Achel que abre el disco uno recibe Ahimana (Mi alma), un canto místico deslumbrante y venenoso, con el cuerpo arrebatado por los jinetes de camellos que se han parado a tocar entre las dunas, sigue con Soixante trois que es una balada bellísima donde la voz nos traspone (no he conseguido hacerme con la traducción de esta maravilla pero intuyo que el canto añora tesoros pasados y evoca futuros luminosos). Llega Toumast. mi preferida del álbum, una enérgica y hechizadora canción donde el riff se apodera del tiempo y los coros fluyen majestuosos, unos punteos de la guitarra solista alborotan con maestría y la magia está conseguida. El Aman es su mejor trabajo hasta la fecha y nos muestra a una banda tremendamente sólida que ha logrado un sello propio y que disfruta de la solvencia de unos cuantos años de trayectoria, no importa el pequeño eco que puedan producir en el mercado, ni que su público sea un marginal fragmento de melómanos, lo trascendente es que nos ofrecen el gozo de saberse heraldos de un pueblo admirable y nos regocijan con su música.</div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-27wIOzgLMPo/TxprL34wIvI/AAAAAAAAA04/vC8hRVlfXA0/s1600/tinariwen.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="http://1.bp.blogspot.com/-27wIOzgLMPo/TxprL34wIvI/AAAAAAAAA04/vC8hRVlfXA0/s400/tinariwen.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">La portada del Imidiwan se dulcifica y apela a la esperanza</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
Imidiwan: Companions (2009), Compañeros. Los touaregs siguen glosando los valores que conforman la vida en el desierto, el viaje, el agua, los compañeros. La foto de la cultura que ellos representan sigue ampliándose y este trabajo les hace crecer de forma admirable. El disco arranca con tres maravillas seguidas, Imidiwan, Lulla y Tenhert. El canto salmodioso hacia el compañero de dunas que contiene su primer tema merecería en sí mismo que tuvieran una entrada en este blog, me tiene capturado desde la primera vez que lo escuché y ahí sigo. Lulla es un eléctrico medio tiempo con una guitarra que firmaría JJ Cale y no decae el nivel y el trío se completa con el momento en el que Tinarawen nombran su hogar, Tenhert y el disco alcanza un ritmo intenso, donde uno visualiza el pulso de los nómadas con una sensación de que el Blues de carretera no tiene fronteras, donde haya un alma viajera con talento musical habrá un canto hermoso sobre el ir y venir. El disco contiene diez canciones más de altísimo nivel y que son de obligada escucha, la electricidad está ya instalada de forma natural y el buen hacer de la banda sigue sin ofrecer vacíos. Casi al final aparece la cuarta cumbre de esta cordillera de sensaciones, Kel tamashek (Pueblo Touareg) es un fogonazo corto y vibrante que nos apabulla por la maestría de las guitarras y ese canto acelerado que nos ofrece. Un obra excepcional que se cierra con una pieza única, Ere tasfata adounia, su duración de más de nueve minutos es ya una dimensión peculiar en su discografía, y es que los últimos minutos del tema se construyen con el sonido de la guitarra de Ibrahim que parece dejar que el viento del desierto haga sonar las cuerdas, una despedida brutal que hace proseguir el recorrido por su música.</div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-x0GtLYAVEtY/Txprfyx8hiI/AAAAAAAAA1A/dGE7KZ0OV1s/s1600/tinariwenNewAlbum.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="http://2.bp.blogspot.com/-x0GtLYAVEtY/Txprfyx8hiI/AAAAAAAAA1A/dGE7KZ0OV1s/s320/tinariwenNewAlbum.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">La luz del desierto, el viento y el color</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
Y llega Tassili (2011). La meseta que da nombre al quinto álbum del grupo es famosa por el monumental conjunto de pinturas y grabados rupestres del Neolítico, un lugar ineludible para viajar. Y la obra está a la altura de su origen y del grupo pero se nota el fichaje del combo por la industria. Es un objeción relativa porque el disco es muy bueno y parece injusto ponerle "peros", se genera a partir de la constatación del cambio que se introduce en la trayectoria de los Tinarawen, su lento pero imparable crecimiento no pasa desapercibida a la industria y los productores europeos "enriquecen" el trabajo con bajo, metales (New Orleans en el desierto, preciosos en Ya messinah), se lanza un Single, Tenere taqhim tossam y en general el sonido se intenta "mejorar". No soy contrario en absoluto al trabajo de producción, critico sin ambages cuando detecto una falta de ello, pero el excelente trabajo de Justin Adams en el Tisdas y el Aman había marcado un proceder que parecía perfecto y este disco lo abandona parcialmente. </div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-R4bYil7Ap5o/TxpuLG4LhYI/AAAAAAAAA1g/E1sWnQ1DQxg/s1600/ASTRONAUTA+TASSILI+2.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="http://2.bp.blogspot.com/-R4bYil7Ap5o/TxpuLG4LhYI/AAAAAAAAA1g/E1sWnQ1DQxg/s320/ASTRONAUTA+TASSILI+2.jpg" width="265" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Grabado rupestre de Tassili</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
A pesar de que Eyadou ag Leche, uno de los tres fundadores de la banda, declare sobre el Tassili: "Quisimos volver a nuestros orígenes, a la experiencia de ser unos exilados... Aquellas veces en los que nos sentábamos alrededor del fuego del campamento, cantando canciones y meciéndonos con las guitarras. Tinariwen nació en ese movimiento, en esa atmósfera, por eso puedes escuchar en Tassili el sentimiento de ishumar (la música Touareg de resistencia)", a pesar de ello el sonido es menos puro que en los trabajos anteriores, hablo del acabado puesto que las canciones siguen siendo puras y preciosas. Tal vez sea un buen camino para los no iniciados el empezar por este último trabajo, el sonido les resultará menos agreste y la calidad de la música continúa cumpliendo los niveles anteriores. </div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://4.bp.blogspot.com/-kH0ER8k1z2I/TxpsYLMPuUI/AAAAAAAAA1Y/rDyEs46GFnE/s1600/Tinariwen-3789-cropped.JPG" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="248" src="http://4.bp.blogspot.com/-kH0ER8k1z2I/TxpsYLMPuUI/AAAAAAAAA1Y/rDyEs46GFnE/s400/Tinariwen-3789-cropped.JPG" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Los músicos de un pueblo sin estado, aires de Assouf</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
Creo que me he metido en un jardín, no quiero dar al sensación de que el disco sea peor que los otros, solo que es algo diferente y no puede parecer en ningún momento que maravillas como Ya messinagh, Tiliaden osamant, Djeredjere o Nak ezzaragh tinariwen (por citar mis preferidas de este disco) son piezas menores en la trayectoria de este admirable grupo. Mi valoración final del disco se verá enriquecida por la presentación en directo a la que asistiré y entonces, lejos de los productores, los touaregs darán la medida justa de esa música increíble.</div>
</div>
<div style="text-align: justify;">
<div style="text-align: justify;">
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-c7f6W7K9DSA/TxpryQtkedI/AAAAAAAAA1I/WwPOG5BxWro/s1600/camposdealgodon4.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="243" src="http://3.bp.blogspot.com/-c7f6W7K9DSA/TxpryQtkedI/AAAAAAAAA1I/WwPOG5BxWro/s400/camposdealgodon4.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Los recolectores de algodón, aires de Blues</td></tr>
</tbody></table>
</div>
Aquí debería proseguir con Ali Farka Touré, tal como estaba previsto, pero la extensión que ha alcanzado el texto hasta aquí me provoca un cambio de decisión y el Blues africano pasa a ser una serie que tendrá en Alí su segundo episodio. Ya decía en el principio del post que los Tinariwen merecían una entrada propia, ya la tienen.</div>
"La arena es lo que da sabor a todo en el desierto, a la vida allí, es como la sal", Eyadou Ag Leche <a href="http://tentaciones.elpais.com/2012/01/isweghvideo.html" target="_blank">(1)</a><br />
<div>
<br /><div>
<a href="http://tentaciones.elpais.com/2012/01/isweghvideo.html" target="_blank">(1) Textos extraídos del fantástico reportaje que publico Tentaciones y de donde Carlos sacó la información que generó la llamada.</a><br /><div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
</div>
</div>Hugo Enojohttp://www.blogger.com/profile/15712978877119647738noreply@blogger.com10Essakane, Tombouctu21.69 3.145555619.801964 0.61870009999999986 23.578036 5.6724111tag:blogger.com,1999:blog-2459155305508967238.post-7836371221919753462012-01-10T02:45:00.000+01:002012-01-10T03:40:41.536+01:00Goce cruel<div style="text-align: justify;">
Existe alguna justificación para el dolor humano? Creo que sí, sin el dolor no existiría la sensación de bienestar (no opongo el placer al dolor ya que pienso que merodean ámbitos distintos) y por ello es un elemento necesario para lograr un estado existencial aceptable. A ello le añadiremos que el dolor físico es una herramienta tremendamente útil para el cuerpo ya que es el detector de las incidencias que éste sufre y actúa de eficaz alerta ante peligros, las personas aquejadas de enfermedades neuronales que están exentas de esta información tienen una gran cantidad de problemas debido a la falta de aviso.</div>
<div style="text-align: justify;">
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/--V2wkgZVXaA/TwuhFqKAlvI/AAAAAAAAAzA/s-AWQYwd-zY/s1600/Alejandra%252BPizarnik%252Bpor%252BSaderman.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="http://3.bp.blogspot.com/--V2wkgZVXaA/TwuhFqKAlvI/AAAAAAAAAzA/s-AWQYwd-zY/s400/Alejandra%252BPizarnik%252Bpor%252BSaderman.jpg" width="325" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">La niña vieja Alejandra</td></tr>
</tbody></table>
Dicho todo ello queda claro que le reconozco al dolor una función imprescindible en el doble plano físico y psíquico, ya sea éste último emocional, afectivo o mental. Pero el otro día, mientras me sumergía en la lectura de unos poemas de mi querida Alejandra Pizarnik, me quedé con cierta sensación de contricción por el hecho de que aquello que me proporcionaba un placer tan intenso y permanente estaba provocado por la obra de una persona que había sufrido toda su vida de un dolor acuciante y que en su obra éste era el impulsor básico. Me apreció ocioso defenderme con el argumento de que mi placer no era el causante del mal generador pero el hilo de pensamiento me llevó a realizar un pequeño análisis sobre las relaciones entre el dolor y la creación artística. ¿Los poetas deben sufrir para ser grandes? ¿Es extensiva esta aparente verdad a otras disciplinas artísticas? ¿Sería mejor el mundo sin artistas dolientes? ¿Se justifica un Guernica por el horror que lo ha impulsado? ... No le dediqué demasiado tiempo a las respuestas, ni me siento capacitado para construirlas con la consistencia intelectual necesaria, ni me parecen más interesantes que las preguntas. En todo caso el conjunto de interrogantes me permite abrir esta entrada que está dedicada a dos artistas que tuvieron vidas desdichadas (con grandes momentos de plenitud durante la creación de sus obras) y de los que no me considero experto en absoluto pero que me han proporcionado, y me proporcionarán, momentos de goce, que no prenden ser crueles.</div>
<div style="text-align: justify;">
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-VGPOp0_ueCc/TwuhSGy4yRI/AAAAAAAAAzI/Xahsz4MJH1s/s1600/Charlie+Parker+3.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="640" src="http://3.bp.blogspot.com/-VGPOp0_ueCc/TwuhSGy4yRI/AAAAAAAAAzI/Xahsz4MJH1s/s640/Charlie+Parker+3.jpg" width="467" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">El pájaro traspuesto con Miles emocionado</td></tr>
</tbody></table>
Alejandra Pizarnik y Charlie Parker tienen muy pocas cosas en común, blanca, argentina, mujer, poeta y semidesconocida ella, negro, estadounidense, hombre, músico y archifamoso él. La palabra de una junto al aullido de un saxo del otro, sus artes son compatibles, es así como se gestó está entrada, leyéndola mientras le escuchaba. Sirva este blog una vez más para intentar difundir pequeños útiles que incrementen el nivel de placer de la especie humana.<br />
<br />
<br /></div>
<div style="text-align: right;">
Son mis voces cantando</div>
<div style="text-align: right;">
para que no canten ellos,</div>
<div style="text-align: right;">
los amordazados grismente en el alba,</div>
<div style="text-align: right;">
los vestidos de pájaro desolado en la lluvia.</div>
<div style="text-align: right;">
<br /></div>
<div style="text-align: right;">
Hay, en la espera,</div>
<div style="text-align: right;">
un rumor a lila rompiéndose.</div>
<div style="text-align: right;">
Y hay, cuando viene el día,</div>
<div style="text-align: right;">
una partición de sol en pequeños soles negros.</div>
<div style="text-align: right;">
Y cuando es de noche, siempre,</div>
<div style="text-align: right;">
una tribu de palabras mutiladas</div>
<div style="text-align: right;">
busca asilo en mi garganta</div>
<div style="text-align: right;">
para que no canten ellos,</div>
<div style="text-align: right;">
los funestos, los dueños del silencio.</div>
<div style="text-align: right;">
<div style="text-align: center;">
Anillos de ceniza (Árbol de diana 1962)</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
</div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-3P-Nrst8ULU/Twuhz-o53EI/AAAAAAAAAzQ/nvuXYiHbfxQ/s1600/portadalibropizarnik.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="http://2.bp.blogspot.com/-3P-Nrst8ULU/Twuhz-o53EI/AAAAAAAAAzQ/nvuXYiHbfxQ/s400/portadalibropizarnik.jpg" width="262" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Una lectura imprescindible, un paseo por el horror</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
Alejandra se erige en guardiana de los silencios y nos escupe esta caudal henchido de desolación, lo cuenta con el convencimiento de que su voz es mejor que la de ellos, los funestos, aquellos cuyas palabras son huecos de silencio y ante los que Alejandra escupe versos dolientes. En su ensayo “El poeta y su poema” Pizarnik describe un gesto de las artes plásticas que ella incorpora a su proceso poético: “adhiero la hoja de papel a un muro y la contemplo [...] A veces, al suprimir una palabra, imagino otra en su lugar, pero sin saber aun su nombre”.</div>
<div style="text-align: justify;">
El camino de Charlie es similar y contrario al tiempo, ambos trocan el murmullo lacerante de sus existencias en rugidos endiosados, la poetisa nos habla de "soles negros" (luz y no luz al tiempo para explicar el desamparo), el saxofonista nos inunda con el estallido del be-bop, se enroscan las notas del metal en nuestra alma y las aceradas aristas del sonido denotan que Bird solo era libre si volaba, la una crea para liberar la presión, el otro lo hace para sentir el vuelo. Parker llega a NY con diecinueve años y apenas cuenta con un par de años como músico, estamos en 1939 y la década de los cuarenta ve como nace y se afianza el estilo de Jazz que representaría la mayoría de edad definitiva para este género, el Be-bop que llevarían hasta lo más alto, Bird, Dizzy, Roach, Monk y Bud Powell. En unos años el saxofonista está en la cima del Jazz y su poderoso e intenso modo de lucha vital que muestra con el saxo le convierte en un modelo para los nuevos músicos y un incómodo partenaire en los conciertos, su adicción a la heroína, más tarde al alcohol, no son más que intentos de lograr algo de paz anímica mientras no puede hacer lo que le permite vivir entre tanta supervivencia, tocar Jazz. </div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-B1uzUZztS38/TwuiEPStkgI/AAAAAAAAAzY/_2jmUubO6ok/s1600/Bird+and+Diz.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="http://2.bp.blogspot.com/-B1uzUZztS38/TwuiEPStkgI/AAAAAAAAAzY/_2jmUubO6ok/s400/Bird+and+Diz.jpg" width="360" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Bird and Diz</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
Preguntado acerca del sentido de su estilo y de las diferencias con sus predecesores, declara: "Todo es música. Se trata de tocar limpiamente y de encontrar las notas adecuadas" y algo más tarde, en una entrevista televisada, contesta enojado, ante las incisivas preguntas del entrevistador: "Dicen que la música es más fuerte que las palabras; dejemos pues que sea ella la que hable". El genio que firma tesoros como Billie's bounce, Ko-Ko, Ornithology, A night in Tunisia o Bird of paradise es deliberadamente cerrado al verbo puesto que domina como casi nadie el arte del sonido, pero su música derrocha elocuencia.</div>
<div style="text-align: justify;">
Alejandra derrocha la concisión de su texto afilado como un bisturí, en ambos se postula como en pocos artistas la vereda oblicua del sufrimiento lúcido, ambos derrochan visión clara y a ambos la realidad les hiere inmisericorde.</div>
<div style="text-align: right;">
<br /></div>
<div style="text-align: right;">
y qué es lo que vas a decir</div>
<div style="text-align: right;">
voy a decir solamente algo</div>
<div style="text-align: right;">
y qué es lo que vas a hacer</div>
<div style="text-align: right;">
voy a ocultarme en el lenguaje</div>
<div style="text-align: right;">
y por qué</div>
<div style="text-align: right;">
tengo miedo</div>
<div style="text-align: center;">
Cold in hand blues (El infierno musical, 1971)</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Bird niega las palabras, Alejandra se las pone a un Blues. La tristeza en la poetisa es muy obvia, habrá quien no la hallará en la obra de Bird, para mí la hay y en sobredosis, el saxofonista arremete contra una forma de hacer música y, sobre todo en directo, la convierte en un grito de liberación que explica como pocas cosas la inmensa pasión que hervía en su interior. La judía de Avellaneda tuvo una adolescencia sombría en la que pronto desarrolló una fuerte adicción a las anfetaminas, dotada de una extraordinaria vida interior que no fue detectada hasta que explotó su obra poética (fue considerada borderline) y con una trayectoria personal repleta de la soledad más profunda. Me cuesta poco imaginar sus días, y sus noches, el misil de destrucción masiva que conforma su obra es demasiado poderoso como para pensar que su autora puede extraer los versos a partir de juegos mentales a los que es inmune, soledad, desarraigo, dolor, apatía, rechazo y el infinito amor por lo que siempre vislumbró y jamás tuvo, un lugar donde sentirse en armonía. Frecuentó en París a Cortazar y a Paz, consiguió mantener una actividad intelectual durante unos años, tradujo a Rimbaud y a Mallarmé, colaboró en revistas literarias... Todo ello no fue más que intentos por saberse en paz, por extirpar el sufrimiento que la acogotaba.</div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://4.bp.blogspot.com/-1L1yDirEYHs/TwuiRT9UQfI/AAAAAAAAAzg/Md2q_AqV8QY/s1600/images.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="http://4.bp.blogspot.com/-1L1yDirEYHs/TwuiRT9UQfI/AAAAAAAAAzg/Md2q_AqV8QY/s400/images.jpg" width="283" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Una vida en las palabras</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: right;">
alguna vez de un costado de la luna</div>
<div style="text-align: right;">
verás caer los besos que brillan en mí</div>
<div style="text-align: right;">
las sombras sonreirán altivas</div>
<div style="text-align: right;">
luciendo el secreto que gime vagando</div>
<div style="text-align: right;">
vendrán las hojas impávidas que</div>
<div style="text-align: right;">
algún día fueron lo que mis ojos</div>
<div style="text-align: right;">
vendrán las mustias fragancias que</div>
<div style="text-align: right;">
innatas descendieron del alado son</div>
<div style="text-align: right;">
vendrán las rojas alegrías que</div>
<div style="text-align: right;">
burbujean intensas en el sol que</div>
<div style="text-align: right;">
redondea las armonías equidistantes en</div>
<div style="text-align: right;">
el humo danzante de la pipa de mi amor.</div>
<div>
<div style="text-align: center;">
Más allá del olvido (Un signo en tu sombra, 1958)</div>
</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Verás caer los besos que brillan en mí... En el 58 aún guardaba esperanzas sobre su devenir, se sabía poseedora de códigos compartibles y por ello su poesía, a veces, es menor, muy hermosa pero sin la abisalidad que vendría poco después.</div>
<div style="text-align: justify;">
En Parker la trayectoria no es tan marcada, es una estrella rotunda (en el limitado firmamento del Jazz que ni entonces ni ahora deja de ser un género con repercusión modesta) a los veinticinco y se convierte en objeto de deseo de un joven trompetista procedente de Alton: "Hey Miles! ¡Me han contado que andas buscándome!". "Giré en redondo y allí estaba Bird, con peor aspecto que un hijoputa." ... ""Entró conmigo en el Heatwave, donde todos lo saludaron como si fuera el rey, cosa que era"... "Aquella primera noche no toqué. </div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-W_fPxs4iBQY/TwujGKP65zI/AAAAAAAAAzo/3a-PGd11Mik/s1600/Charlie+Parker+-+1999+-+Complete+Savoy+Sessions.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="365" src="http://3.bp.blogspot.com/-W_fPxs4iBQY/TwujGKP65zI/AAAAAAAAAzo/3a-PGd11Mik/s400/Charlie+Parker+-+1999+-+Complete+Savoy+Sessions.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Bird volando</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
Sólo escuché, Y me dejó maravillado, tío, la forma en que Bird cambiaba en el momento en que se llevaba el instrumento a la boca. Mierda, pasaba de estar como hundido y ausente a que todo el poder y la belleza que llevaba dentro irradiasen de él."..."Podía tocar como un hijoputa incluso cuando casi se caía de borracho o cabeceaba amodorrado por la hermoína. Bird era un ser aparte." No seré yo el que corrija a Davis, aunque se un Davis jovencito y en busca de referencias, Bird siempre fue así y cualquiera que lo tratara opinaba lo mismo.</div>
<div style="text-align: justify;">
Pizarnik contenía en su interior el mismo brillo y también lo mostraba solo en su creación, su poesía irradia como la interpretación de Bird, la ventaja con la escritora es que en sus palabras podemos hallar las claves de su desventura, de esa dualidad de niña anciana que sobrellevó siempre, jamás pudo crecer y jamás pudo ser joven.<br />
<br />
<br />
<br />
<br />
<br />
<br />
<br /></div>
<div style="text-align: right;">
<br /></div>
<div style="text-align: right;">
Pero mis brazos insisten en abrazar al mundo </div>
<div style="text-align: right;">
porque aún no les enseñaron </div>
<div style="text-align: right;">
que ya es demasiado tarde</div>
<div style="text-align: right;">
<br /></div>
<div style="text-align: right;">
Señor </div>
<div style="text-align: right;">
Arroja los féretros de mi sangre</div>
<div style="text-align: right;">
<br /></div>
<div style="text-align: right;">
Recuerdo mi niñez </div>
<div style="text-align: right;">
cuando yo era una anciana </div>
<div style="text-align: right;">
Las flores morían en mis manos </div>
<div style="text-align: right;">
porque la danza salvaje de la alegría les destruía el corazón </div>
<div style="text-align: right;">
Recuerdo las negras mañanas del sol </div>
<div style="text-align: right;">
cuando era niña </div>
<div style="text-align: right;">
es decir ayer </div>
<div style="text-align: right;">
es decir hace siglos</div>
<div style="text-align: right;">
<br /></div>
<div style="text-align: right;">
Señor </div>
<div style="text-align: right;">
La jaula se ha vuelto pájaro </div>
<div style="text-align: right;">
y ha devorado mis esperanzas</div>
<div style="text-align: right;">
<br /></div>
<div style="text-align: right;">
Señor </div>
<div style="text-align: right;">
La jaula se ha vuelto pájaro </div>
<div style="text-align: right;">
Qué haré con el miedo</div>
<div style="text-align: center;">
fragmento de El despertar (Las aventuras perdidas, 1958)</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Qué acongojante terror recorre estos versos, no me es posible destacar una sola línea por encima de las otras, todas nos hielan el aliento, todas nos cargan con huracanes de dolor. En mi relación con Alejandra, con su obra, se produce en pocas ocasiones aquello que se da frecuentemente en la lectura de poesía, uno va paladeando los versos y en alguno de ellos el aire se para y se hace necesario releerlo para poder proseguir, en este fragmento no hay clemencia posible, Alejandra ha puesto las palabras y ellas se han erigido en muros de locura, sin fisuras, sin piedad.</div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-rK11CEHAGns/TwujTMSTm-I/AAAAAAAAAzw/oiknEDaGdoE/s1600/BirdMiles.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="313" src="http://3.bp.blogspot.com/-rK11CEHAGns/TwujTMSTm-I/AAAAAAAAAzw/oiknEDaGdoE/s400/BirdMiles.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">esto es Jazz</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
Ambos artistas son maestros del diálogo, muchas veces interior obviamente y por ello charlan en sus obras, ambos son adalides de la mudez y por ello la elocuencia campa en sus creaciones. Miles sigue contando: "Lo que realmente removía la mierda dentro de mí era tocar con Bird. Podía estar con Diz y charlar, comer y pasear, porque Diz es un tío estupendo. En cambio Bird era un hijoputa muy reservado. Nunca teníamos mucho que decirnos uno a otro. Nos gustaba tocar juntos, y ahí terminaba la cosa. Bird jamás te decía lo que debías tocar. Lo aprendías de él con sólo mirarlo, cazando al vuelo lo que hacía. Alejandra no puede dialogar con otros poetas, no se crea poesía en común, y lo hace con ella misma, toda su obra es un continuo diálogo con Alejandra, con la niña y con la mujer, con la sombra y con el molde.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: right;">
ante la lúgubre manía de vivir</div>
<div style="text-align: right;">
esta recóndita humorada de vivir</div>
<div style="text-align: right;">
te arrastra Alejandra no lo niegues.</div>
<div style="text-align: right;">
<br /></div>
<div style="text-align: right;">
hoy te miraste en el espejo</div>
<div style="text-align: right;">
y te fuiste triste estabas sola</div>
<div style="text-align: right;">
y la luz rugía el aire cantaba</div>
<div style="text-align: right;">
pero tu amado no volvió</div>
<div style="text-align: right;">
<br /></div>
<div style="text-align: right;">
enviarás mensajes sonreirás</div>
<div style="text-align: right;">
tremolarás tus manos así volverá</div>
<div style="text-align: right;">
tu amado tan amado</div>
<div style="text-align: right;">
<br /></div>
<div style="text-align: right;">
oyes la demente sirena que lo robó</div>
<div style="text-align: right;">
el barco con barbas de espuma</div>
<div style="text-align: right;">
donde murieron las risas</div>
<div style="text-align: right;">
recuerdas el último abrazo</div>
<div style="text-align: right;">
oh nada de angustias</div>
<div style="text-align: right;">
ríe en el pañuelo llora a carcajadas</div>
<div style="text-align: right;">
pero cierra las puertas de tu rostro</div>
<div style="text-align: right;">
para que no digan luego</div>
<div style="text-align: right;">
que aquella mujer enamorada fuiste tú</div>
<div style="text-align: right;">
<br /></div>
<div style="text-align: right;">
te remuerden los días</div>
<div style="text-align: right;">
te culpan las noches</div>
<div style="text-align: right;">
te duele la vida tanto tanto</div>
<div style="text-align: right;">
desesperada ¿adónde vas?</div>
<div style="text-align: right;">
desesperada ¡nada más!</div>
<div style="text-align: center;">
La enamorada (La última inocencia, 1956)</div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-Ud6Y1pgSl2Y/Twuj1cXgo4I/AAAAAAAAAz4/m5N_kveyV_M/s1600/alejandra+pizarnik+12.gif" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="640" src="http://3.bp.blogspot.com/-Ud6Y1pgSl2Y/Twuj1cXgo4I/AAAAAAAAAz4/m5N_kveyV_M/s640/alejandra+pizarnik+12.gif" width="434" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">siempre</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: center;">
<div style="text-align: justify;">
Nada más... Esta ha sido la entrada, muy difícil para mí, es una tarea imposible glosar dos artistas tan complejos y completos, tan próximos personalmente y tan queridos. El intento proviene de una tonta reflexión sobre el goce que el dolor ajeno nos puede llegar a provocar, el arte de dos suicidas que lograron finiquitar su angustia a los 35 y 36 años, que gozaron del prestigio y de la indiferencia. Que viven en mi.</div>
</div>Hugo Enojohttp://www.blogger.com/profile/15712978877119647738noreply@blogger.com16Kansas City - Buenos Aires (Avellaneda)39.011902 -98.484246535.855398 -103.5379575 42.168406 -93.430535499999991tag:blogger.com,1999:blog-2459155305508967238.post-841913455853470662012-01-04T19:46:00.003+01:002012-01-04T19:48:33.888+01:00La eternidad de la obra maestra<div style="text-align: justify;">
Resulta que uno es un poco contestatario y abomina de las estructuras que le encorsetan sin aportar valor añadido, y el calendario, esa convención que da sentido a los planes contables, a las campañas comerciales y a poca cosa más, nos indica que estamos en momento de novedades, de estreno como quien dice. Y ante la imposición de lo nuevo, yo enfrento la atemporalidad de lo eterno, la sustancia de lo auténtico frente a la vacuidad de lo accidental. Hoy el cuerpo me pide hablar del mejor disco de toda la historia de la música, en muchas ocasiones he apuntado que todo lo que expreso en este blog son opiniones fácilmente rebatibles y que no pretenden otra cosa que mostrar, interesar o aportar. Este no es el caso de hoy, el Kind of blue (1959) de Miles Davis, no podía ser de otra manera, es el mejor disco de Jazz sin duda, pero es que es el mejor disco de todos los discos también sin dudarlo. No hay otra grabación a lo largo de la historia de la música que reúna tantas virtudes, tantos valores universales y tanto talento en explosión. Esta entrada no pretende demostrarlo, de eso ya se han encargado muchos críticos, expertos y melómanos cultos a lo largo de los últimos cincuenta años y con ello no pretendo decir que sea mi disco favorito, sabido es por los lectores de mi blog que el Jack Johnson me gusta más, pero sé que no es mejor.</div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-u7hwbxzOLyk/TwSePSXP7gI/AAAAAAAAAys/hTy_4KQ-lWs/s1600/kind+of+blue.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="571" src="http://3.bp.blogspot.com/-u7hwbxzOLyk/TwSePSXP7gI/AAAAAAAAAys/hTy_4KQ-lWs/s640/kind+of+blue.jpg" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">... so what?</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
No conozco a nadie que no se haya dejado seducir por esa bestial entrada del So what que abre el álbum, se tenga la cultura musical que se tenga, se proceda del entorno que sea o se opine lo que se opine sobre el Jazz, si uno no es sordo y le gusta la música es el disco perfecto para ser una obra de cabecera.</div>
<div style="text-align: justify;">
El disco es perfecto porque es eterno, se puede escuchar en cualquier época de la vida, y sospecho que muerto tampoco debe molestar en absoluto; es perfecto porque no es coyuntural, se puede escuchar en cualquier situación en la que uno se encuentre; es perfecto porque es inagotable, se puede escuchar tantas veces seguidas como uno desee que jamás le cansará ni le sonará ni una nota prescindible, es perfecto porque es un disco conceptual en el mejor sentido del término, todos los temas beben de la misma fuente y al mismo horizonte suenan, es perfecto porque el nivel de los músicos que lo habitan es inmejorable, es el mejor momento de todos (con la excepción de Miles que es más perfecto) y a pesar de la enorme envergadura de los trabajos posteriores de Trane, Canonball o Evans, todos los músicos nunca han sonado tan excelsos, es perfecto porque es el mejor disco de iniciación al Jazz y el mejor para los iniciados, y es perfecto porque a pesar de ser un disco de Davis es el trabajo de creación grupal más hermoso y rotundo que se pueda escuchar. En resumen, es el disco y es perfecto.</div>
<div style="text-align: justify;">
Hace unos días, cuando ya barruntaba que me apetecía escribir esta entrada, entrada que a diferencia de la mayoría no tiene guión previo, se escribe tal cual la voy pensando, me comentó Félix ( http://jazzeseruido.blogspot.com/2007/04/kind-of-blue.html ) que su primera entrada la había dedicado a esta obra, cosa normal porque si uno tiene un excelente blog de Jazz hay pocas cosas más con las que se pueda uno lanzarse a la aventura de iniciarlo. Nuestras dos entradas son muy diferentes pero empiezan de la misma forma, reconociendo la extraordinaria categoría del disco, como no podía ser de otra manera. Para ver una muestra de la envergadura que tiene la difusión de este trabajo de un género minoritario como es el Jazz, hay que saber que Google arroja 36.900.000 enlaces al introducir su nombre, frente a los 35.000.000 del Thriller que como todo el mundo sabe es el disco más vendido de la historia (7 millones el Kind frente a los 160 millones del negro que quiso ser blanco), con ello se demuestra una vez más que el arte siempre vence al mercado, aunque sea a regañadientes y sin hacer demasiado ruido.</div>
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La historia de la grabación del Kind se resume en el título del primer corte, So What, esa era la respuesta que Davis daba a muchos comentarios admirativos, o menospreciativos, acerca de su música, y cuentan que cuando se presentó en el estudio con las partituras (según sus propias palabras: "No escribí la música del Kind of Blue, sino que aporté esquemas de lo que cada cual se suponía que tocaría, porque quería mucha espontaneidad en la interpretación, exactamente como pensaba que existía en la interacción entre aquellos bailarines y aquellos tambores y aquel finger piano del Ballet Africaine (1)", Bill Evans miró sus papeles y preguntó el nombre de la primera pieza, "So what" respondió Miles y se le quedó el nombre. Y qué!, así de echado para adelante era el genio. Un par de sesiones, sin ensayos y con los músicos en tensión absoluta ante una música totalmente suave, eso es todo, así se graba el mejor disco de la historia.</div>
<div style="text-align: justify;">
Para rebajar un poco la euforia retomamos de nuevo la vos de Miles respecto al Kind: "Cuando digo a la gente que no conseguí lo que me proponía con Kind of Blue, que fallé en mi intento de incorporar el sonido final al sonido exacto del finger piano africano, todos me miran como si estuviera loco. Me replican que aquel disco fue una obra maestra (a mí también me gustó), y piensan que simplemente que trato de tomarles el pelo. Pero soy sincero al afirmar que el sonido a que me refiero era lo que me propuse reproducir la mayor parte del álbum, especialmente en "All Blues" y "So What". Fallé, y basta.</div>
<div style="text-align: justify;">
Se me ocurren tres razones que justifican estas palabras:</div>
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La primera es que ese disco significa el fin de una de las mejores formaciones que tuvo el maestro y se grabó en plena desintegración. Miles sabía por otros que Trane quería volar solo y eso le entristeció doblemente, por la deserción y por la ocultación. Bill ya estaba fuera del grupo, Winton Kelly era su sustituto y es el piano de Freddie Freeloader porque Miles lo citó para las grabaciones por si Bill Evans no aparecía (afortunadamente sí lo hizo). La sensación que tenía Davis en aquella época le confiere un aspecto negativo al disco que no puede eludir cuando lo analiza.</div>
<div style="text-align: justify;">
La segunda es que es un disco que representa un callejón sin salida para la búsqueda permanente de Davis, no puede avanzar más en esa dirección y eso le provoca cierta frustración. Su siguiente trabajo es el Sketches of Spain (1959) y no sería uno de los grandes discos del genio, un rumbo que no recobraría hasta la invención del Fusion, pero eso es otra historia.</div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><a href="http://www.blogger.com/goog_657733085"><img border="0" height="490" src="http://1.bp.blogspot.com/-snob-33h7co/TwSeZHATV-I/AAAAAAAAAy4/NOpW8PibPEA/s640/%255BAllCDCovers%255D_miles_davis_kind_of_blue_1997_retail_cd-back.jpg" width="640" /></a></span></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">la trasera de la perfección</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
Y la tercera es que un sabio como él, sabía que la perfección no existe y que el interior del disco siempre tiene una distancia hacia el hálito que lo inspira, no es ya lo que comenta sobre el sonido africano, es que si uno es sincero no existe crítico más despiadado con sus obras. Él lo fue con todas porque su cabeza contenía toda la música y sus grabaciones no.</div>
<div style="text-align: justify;">
Esta es la cosa y la cosa es esta, pasen y acomódense, el viaje más hermoso no cesa.</div>
<div style="text-align: justify;">
(1) Miles se refiere a un espectáculo al que Frances, su esposa de entonces que era bailarina, le llevó a ver en la época en la que él estaba gestando el nacimiento del Jazz modal.</div>Hugo Enojohttp://www.blogger.com/profile/15712978877119647738noreply@blogger.com16Estudios Columbia, Nueva York, EEUU40.7143528 -74.005973140.5217853 -74.3218301 40.9069203 -73.690116100000012tag:blogger.com,1999:blog-2459155305508967238.post-41152204660151981112011-12-31T17:48:00.000+01:002012-01-02T11:35:18.552+01:00Hijos de Robert Zimmerman<div style="text-align: justify;">
VOZ Y PALABRA<br />
Tengo la idea de esta entrada desde hace un par de meses, desde que, como cada año, surgieron rumores sobre una posible concesión del Nobel de literatura para Dylan y este hecho se reflejó, apoyando la idea, en un blog de los que sigo de forma habitual, La ruta americana. La entrada, como es habitual, bien escrita por Fernando Navarro, fue comentada por unas decenas de lectores y podría decirse que las opiniones estaban divididas entre partidarios y detractores de la concesión, mi sensación personal es que correspondían a amantes de la música de Dylan y ignorantes de la misma o de todo en general, con alguna excepción pero en líneas generales era así.<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-zf0_la-Ywlk/Tv9XNP5i-yI/AAAAAAAAAxI/ZHHdX7llLLk/s1600/large-nobel_420.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="213" src="http://3.bp.blogspot.com/-zf0_la-Ywlk/Tv9XNP5i-yI/AAAAAAAAAxI/ZHHdX7llLLk/s320/large-nobel_420.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Don Alfredo</td></tr>
</tbody></table>
Defender su poesía me parecería una ofensa hacia aquellos que la
disfrutamos y una pérdida de tiempo para los que la menosprecian y por
ello omitiré cualquier alusión. A mí que le den el Nobel, o la hora, me importa un bledo, creo que la música y poesía que nos regala ya le ha dado suficiente reconocimiento y dinero como para que el hecho importe un comino. La ignorancia osada siempre tiene el efecto de provocarme sorpresa y allí, en el claroscuro del anonimato que confiere la red, salían unos cuantos tipos negándole el pan y la sal (la poesía y la música, o viceversa) al setentón que hace medio siglo abandonó la universidad para instalarse en NYC y poder ver a su ídolo Woody Guthrie y después se convertiría en uno de los iconos más trascendentes de la cultura popular del siglo XX. Esta entrada no circulará exclusivamente por Dylan, la intención de la misma es intentar glosar a través de unos cuantos grandes músicos la enorme influencia que ha representado el tipo en la música y los músicos.<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-1Pz0orA3uHA/Tv9XbU6CRzI/AAAAAAAAAxY/z3DaY2BPcMk/s1600/2.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="http://1.bp.blogspot.com/-1Pz0orA3uHA/Tv9XbU6CRzI/AAAAAAAAAxY/z3DaY2BPcMk/s400/2.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Bob mirando al futuro con algo de pose calculada</td></tr>
</tbody></table>
Quede claro que la herencia que reciben los músicos citados no es ni formal ni musical, es un legado conceptual que
todos ellos saben hacer propio, Dylan es muy grande por muchas cosas y desde su grandeza ha permitido que la música popular evolucione y acoja a los trovadores, los hombres de voz y palabra, como parte natural del escenario musical, ese es uno de los grandes legados y pondré algunos ejemplos de artistas que seguramente, de ahber existido, serían muy diferentes sin la influencia de Dylan.<br />
EL HIJO MAYOR. Como esta entrada no tiene pretensiones científicas vamos a admitir la posibilidad de que exista un hijo con más edad que su padre, la explicación es simple, <b>Leonard Cohen</b>, siete años mayor que Bob, empieza su carrera seis años después que éste y con un inicio muy pausado, y su trabajo siempre se ha desarrollado de forma más tardía que el de su "padre". El poeta canadiense es un hijo puro de Bob, surge a la estela del refloreciemiento del Folk que se produce gracias a Dylan y ha evolucionado en su carrera en líneas similares, la única etapa que no ha seguido para anda ha sido la rockera, Cohen siempre ha sido un poeta que cantaba sus canciones y a pesar de ser referencia de mucho roqueros (ya comentaba en la entrada My Way, sobre la cantidad de músicos que le versionean y le siguen) nunca se ha puesto al frente de una banda de ritmos potentes y riffs poderosos como podía ser The Band, en esa época maravillosa de Dylan en la que saca uno de sus mejores directos, el Before the flood (1974).<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://4.bp.blogspot.com/-hHp3KgKv69E/Tv9X1mffk8I/AAAAAAAAAxk/u3kcxaqmEeo/s1600/leonardcohen18.06.11personajes.1.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="300" src="http://4.bp.blogspot.com/-hHp3KgKv69E/Tv9X1mffk8I/AAAAAAAAAxk/u3kcxaqmEeo/s400/leonardcohen18.06.11personajes.1.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">El hijo mayor es bastante mayor</td></tr>
</tbody></table>
Cohen no tiene disco malo, como casi todos los hijos que se citarán en esta entrada, pero creo que es deber de blogero hacer alguna recomendación dirigida a los posibles marcianos que me lean (no concibo que haya algún ser humano que no conozca a Leonard Cohen) y que quieran adentrarse en la personalísima obra del poeta. Indicaremos dos, una de la época más dylaniana, en sus principios y que es un vinilo que me acompañó en muchas jornadas solitarias y que me asoló en muchas noches acompañadas, el Songs from a room (1969) es un disco precioso repleto de temas que apelan a nuestra alma, en este sentido mantiene una gran sintonía con el Dylan intimista del Another side of Bob Dylan (1964). El segundo trabajo de Cohen solo ha tenido un defecto desde su creación, y es el no contener la canción "Suzanne" que fue la que le dio a a conocer, aparte de ese detalle menor es una obra maestra a la que el tiempo no solo no ha desmejorado sino que ha dotado de la pátina que las obras clásicas incorporan.<br />
I cannot follow you, my love, <br />
you cannot follow me. <br />
I am the distance you put between <br />
all of the moments that we will be. <br />
You know who I am, <br />
you've stared at the sun, <br />
well I am the one who loves <br />
changing from nothing to one. <br />
(You know who I am)<br />
El segundo álbum recomendado es el maravilloso Live in London (2009) con el que el "anciano" muestra su sabiduría musical y escénica, un doble CD o DVD en el que asisitimos a un concierto perfectamente concebido y ejecutado, la introducción de la mandolina en el temazo "Who by fire" es uno de esos momentos en los que uno se pregunta como se puede vivir sin música, qué sentido tendría todo si no existiera?. Un hombre que canta sus palabras y que musica mis momentos desde siempre. El poeta no se jubila, está a punto de lanzar su doceavo trabajo original de estudio, después de ocho años, Old ideas (2012) en enero próximo, estaremos ahí para recibirlo como se merece.<br />
EL HIJO PRODIGIO. Es muy difícil que un artista sea genial en la fase que todo creador debe pasar de imitación de sus referentes. De ahí que le considere un prodigio, de ahí y que es un monstruo en el mejor sentido de la palabra, claro!. Los inicios de <b>Bruce Springsteen </b>están definidos en un par de álbumes en los que la sombra de BD es tremenda, fruto de una burda maniobra de la productora y de una admiración y querencia personal que confluyen en que sea así, lo fantástico de todo es que tanto el The wild, the innocent and the E street shuffle (1973), como el Greetings from the Ashbury Park (1975), son dos enormes trabajos de un creador, adylanados hasta las cachas pero con todo el genio de ese hombre sensible y potente que es Bruce.<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-QJPm_R27bbs/Tv9YNb5jaKI/AAAAAAAAAxw/Try0SwAOtxo/s1600/bruce-springsteen-66.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="282" src="http://2.bp.blogspot.com/-QJPm_R27bbs/Tv9YNb5jaKI/AAAAAAAAAxw/Try0SwAOtxo/s400/bruce-springsteen-66.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">El Boss comprobando la trasera del Greetings</td></tr>
</tbody></table>
Los dos discos funcionan, algo extraños en la discografía del Boss, muy bien y el motivo es que Bruce ama esos trabajos como un poseso, los escribe en fase de crecimiento personal y yo no hubiera quedado fuera de sus seguidores si su carrera hubiese seguido esos derroteros. La entrada del Greetings es uno de los homenajes más hermosos que un hijo puede hacerle a su padre, la preciosa Blinded by the light incorpora los fraseos vocales más caracterísiticos de Bob y Bruce los hace suyos, el resto del disco está a la altura y en las reescuchas recientes, primero para la entrada Hometown y ahora para esta, he vuelto a disfrutar sobremanera del joven Springsteen, como está muy reciente la entrada monográfica no quiero extenderme más en él, tan solo mencionar que la herencia de Dylan está muy presente en el genial Nebraska (1982) y en el Devils and dust (2005), el maestro no olvida sus orígenes y, estas veces desde la voz propia, vuelve con sentimiento de tanto en cuando a su faceta más pura de trovador. Como ya se encarga Aranza no tengo que estar pendiente del, también próximo, lanzamiento de un nuevo disco del Boss (aún sin titulo, si no estoy mal informado). Estaremos también ahí para empaparnos de él, con suerte, y lógica, será antes de los conciertos de Barcelona y si no, servirá para recordar su recital.<br />
EL HIJO COMPARTIDO. La cortísima carrera musical de <b>Jeff Buckley </b>nos ha dejado con la icógnita de la deriva que hubiera tomado el artista, este caso es el de un músico claramente deudor de la impronta musical de su padre biológico, Tim Buckley es un artista menor que tuvo cierto eco mediático en su vertiente inicial como cantante Folk, su tercer álbum fue un éxito relativo y lo más característico de Tim eran los alardes vocales con lo que adornaba sus canciones (su voz abarcaba tres octavas y media) y que normalmente empeoraban los resultados, a pesar de estos referentes y de que prácticamente no lo vio jamás (Jeff cuenta que solo recuerda haberle visto una vez a los ocho años poco antes de su muerte, también prematura y por sobredosis) el cantante se cambió el nombre y apellidos, de Scotty Moorhead (apellido de su padrastro) pasó a ser Jeff Buckley, Un gesto muy significativo que se une a un final de la vida similar en edad y circunstancias al de su padre y que nos indica que a pesar de la "escasa" talla artística del progenitor, Jeff lo tenía como referente. Pero no olvidemos que es un hijo compartido (con tanto padre, el biológico, el padrastro y el musical, no es de extrañar que estuviera confundido toda su vida) y el otro es Bob Dylan, Jeff tuvo una carrera musical de un solo disco oficial, Grace (1994) y un total de seis años mal contados y en la que se nutrió de multiples referentes, no solo Bob, como el músico pakistaní, Nusrat Fateh Ali Khan algún día habrá que hablar de el, es otro fenómeno mundial que no todo el mundo conoce), Robert Johnson o Siouxsie.<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-0g-KDg1EmR0/Tv9YbleLwTI/AAAAAAAAAx8/VbeeVQCMlpk/s1600/081215_95602_jeffbuckleyPressShot_02.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="300" src="http://3.bp.blogspot.com/-0g-KDg1EmR0/Tv9YbleLwTI/AAAAAAAAAx8/VbeeVQCMlpk/s400/081215_95602_jeffbuckleyPressShot_02.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">El guapo de Jeff</td></tr>
</tbody></table>
En su época previa a empezar a grabar algunas cosillas realizaba conciertos en clubes de Manhattan y hacía versiones de varios artistas, entre ellos Dylan y Cohen. El el 94 consigue grabar finalmente y Grace es el único disco acabado de su carrera, moriría ahogado tres años más tarde mientras estaba embarcado en la grabación del My sweeetheart the drunk del que se editaría un disco con los temas acabados hasta la fecha y algunos outtakes. El impacto que Grace tuvo en su momento fue descomunal, tanto en el público como sobre todo entre sus colegas de profesión, tipos como Jimmy Page, Dylan o Bowie lo ensalzaron como uno de los discos referenciales de la década. Además del eco dylaniano en la preponderancia de la voz y la palabra en todo el álbum (hay algún alarde vocal en reconocimiento a su otro padre, del que heredó una voz con igual capacidad) que es muy significada, encontramos la versión de Hallelujah de Cohen más intensa que pueda escucharse. Como ya comentaba al principio no se sabe el ámbito propio que hubiera acabado por desarrollar el cantante pues las pistas que nos da su trabajo inacabado son confusas, el arranque del Sketches con The sky is a landfill posee un fraseo nasal de lo más Dylan y a continuación algún gorgorito Tim... En cualqueir caso la realidad son un puñado de canciones imprescindibles de un heredero aventajado y desaparecido. Obviamente no hay noticias de ningún álbum nuevo, digamos que la industria de lo necrológico está ocupada en buscar tomas perdidas de Amy y en dosificar las ediciones de los bootlegs de Davis (si no lo nombro me da urticaria).<br />
EL HIJO PERTURBADO. Unas líneas atrás afirmaba que ninguno de los músicos que glosaría tenía un disco malo, lo mantengo pero en este caso con la boca pequeña, un loco capaz de firmar una obra maestra como el Ashes and Fire (2011) justo el año después de sacar el "peculiar" Orion (2010) tiene que ser alguien completamente perturbado, <b>Ryan Adams</b> lo es, sin ninguna duda, y algunos incidentes personales, algunas épocas de un consumo desaforado y otros detalles más propios de prensa amarilla lo confirman, pero aqui estamos hablando de su obra y de la influencia recibida. A la edad de 20 años forma los excitantes Whisskeytown, un grupo de AltCountry (la etiqueta tiene delito!!) con muy buen nivel, con un razonable éxito y con una trayectoria de tres discos solidos y bien ejecutados, en ellos ya encontramos los desgarros vocales con los que Adams forjará su identidad musical en la vertiente intimista. Seis años del grupo no resultaron suficiente actividad para Ryan y en los dos últimos fabrica dos de sus mejores discos, Heartbreaker (2000) y Gold (2001), ambos forman parte de la discografía escogida de muchos, entre los que me cuento, el protagonismo de la voz es brutal y el espíritu del padre recorre los tracks sin descanso. Casi diría que el To be young (Is to be sad, to be high) es una parodia de Bob, no lo digo, porque el tema es muy bueno y las parodias casi nunca lo son, pero es espectacular encontrar la "nariz cantante" de Dylan con frescura juvenil a esas alturas del siglo, pero los dos discos son mucho más, muchísimo más. El surtido de canciones que el poeta (tiene un par de libros publicados con muy buenas críticas) nos suministra en los dos discos es extraordinario, una de ellas, una de tantas preferidas es una balada preciosa con un título que firmaríamos unos cuantos: The bar is a beautiful place. Así, sin complejos que somos los cachorros del rock and roll y le cantamos a la noche y a las miserias.<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://4.bp.blogspot.com/-pdJfNuQs9OQ/Tv9ZLeCi8vI/AAAAAAAAAyI/8eZ_QRhHEAQ/s1600/ryan_adams_orion.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="300" src="http://4.bp.blogspot.com/-pdJfNuQs9OQ/Tv9ZLeCi8vI/AAAAAAAAAyI/8eZ_QRhHEAQ/s400/ryan_adams_orion.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">En la grabación del Orion Ryan andaba algo descolocado, o colocado</td></tr>
</tbody></table>
Where the hookers and thieves and the junkies play <br />
It's a circus round here for sure <br />
And I worry about how I'm fitting in <br />
If I only had her <br />
And I know my friends they worry about me <br />
I can see it written on their face <br />
But despite anything I might have said before, <br />
The bar is a beautiful place ...<br />
La trayectoria del norcarolino hasta la fecha tiene muchos claros, algún oscuro y mucha música. Forma otro grupo para alternar con sus discos en solitario, The Cardinals y el aliento de Dylan no ha abandonado su canto en ningún momento, Ryan es un cantante prodigioso que le concede a sus cuerdas vocales el rango de instrumento estelar que se merecen y es un poeta que canta sus versos con el convencimiento y la pasión que solo tienen algunos elegidos. Dos décadas después y en medio de un apagamiento progresivo de su carrera estalla el citado Ashes y nos vuelve locos a todos. Si hiciera una lista de discos de 2011, que nadie dude de dos cosas, no la voy a hacer y ese disco estaría en ella aunque fuera una lista de muy pocos discos. La expresión "renacer de sus cenizas" es la que se ajusta a este "cenizas y fuego", hay tanto rescoldo que ha estado aletargado estos últimos años, hay tanta fiereza poética, hay tanto de todo y tan bueno que no se puede ignorar este álbum de ninguna manera. El gran Adams está de vuelta y esperemos que sea para quedarse. El tema "Come home", con ese cantar: So come home, come home, You built those walls to hide your fears inside, We were younger then it’s safe now to come outside. Lo tiene claro, la vuelta al hogar como regreso a su esencia. Kindness, Save me, Ashes and fire, podría mencionarlas todas, todas son fantásticas. El género Farmer en estado puro. Tampoco en este caso, con lo calentito que está el último, hay noticias de nueva obra.<br />
EL HIJO BIOLÓGICO. Siempre me he preguntado si sería capaz de repetir la profesión de mi padre, aunque fuera artística, y tiendo a suponer que no, que mi feroz querencia por la independencia en todos sus niveles es incompatible con el integrarme en una saga de cualquier tipo. Es obvio que tener un padre artista incrementa sustancialmente la posibilidad de que las sensibilidades creativas afloren y es el caso de <b>Jakob Dylan</b>, a pesar de que podría pensarse lo contrario no es un seudónimo ya que Bob se quitó el Zimmerman mucho antes de ser padre de Jakob. La trayectoria de Dylan Jr. es un ejemplo bastante diáfano de búsqueda y rechazo hacia el padre, durante años esconde su apellido en la formación de los Wallflowers de la que es el único miembro estable, o sea una pantalla para no aparecer como el hijo cantante del padre cantante. Su recorrido musical también sufre de la contaminación de esta ambivalencia, estamos hablando de voces y las de padre e hijo pueden sonar muy parecidas y así suenan en algunos momentos.<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-_xttYsEqQF0/Tv9ZZbpiQ_I/AAAAAAAAAyU/tgCN2aBbz-0/s1600/large_Wallflowers1.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="266" src="http://2.bp.blogspot.com/-_xttYsEqQF0/Tv9ZZbpiQ_I/AAAAAAAAAyU/tgCN2aBbz-0/s400/large_Wallflowers1.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Jakob, quiet man</td></tr>
</tbody></table>
Podría parecer que los méritos de Jakob para estar en esta entrada se remiten de forma exclusiva a su ADN, pero no es así, su calidad musical es notable aunque algo irregular, me encantan sus dos primeras obras (se puede tener dos primeras obras?) el disco homónimo The wallflowers (1992) y el Seeing things (2008), éste último es el primero donde deja aparecer el apellido en portada y lo firma en solitario. En ambos hay mucha música escondida entre temas más convencionales, pero lo que no es convencional es la capacidad de Jakob para interpretar sus canciones y hacernos disfrutar. El ritmo de edición de trabajos no ha sido heredado por el tipo, en veinte años ha sacado apenas siete álbumes, cinco con TW y dos en solitario, el segundo es del año pasado. Es un músico que me ha interesado menos cuanto más éxito ha tenido pero que siempre es susceptible de ser escuchado sin problema, mi sensación personal cuando lo hago es que es un tipo que siente la música pero que huye de pensarse a sí mismo con la trascendencia que otros colocan a su obra. Una cosa tipo: hago un disco, una girita, me gano la vida, disfturo con ello, estoy con mi familia, escribo unas canciones y voy viviendo sin caer en locuras voraginosas que me aparten de las cosas que realmente me interesan, es lógico entender que la fascinación por ser famoso ya la ha conocido antes de escribir su primera canción, y ese discurso, casi diría hogareño, "menor", es de las cosas que más me gustan. Sus letras tienen bastante nivel y en algunos una socarronería muy oportuna, abre su Seiing con este tema:<br />
May be in a palace it may be in the streets<br />
May be here among us on a crowded beach<br />
May be asleep in a roadside motel<br />
But evil is alive and well</div>
<div style="text-align: justify;">
When midnight's done and the day won't start<br />
And all I ever gave you was a broken heart<br />
It's hard to admit but it's easy to tell<br />
That evil is alive and well<br />
Algo así como una constatación deprimente y algo religiosa (cosas de familia) a través de ese juego de sentidos entre el Bien y el Mal y el estar bien. La palabra en la voz, un músico que se acomoda perfectamente en mi discografía. No hay noticias de lanzamientos próximos, no vayamos a estresarnos.<br />
EL HIJO MENOR. Cerramos el círculo de descendientes con el benjamín de los hijos identificados y descritos en esta entrada, en realidad hay muchísimos más (Hijo Bastardo: Ben Harper, Hijo Desconocido: Joe Henry, Hijo Ilegítimo: Tom Waits, todos ellos serán glosados como se merecen en algún momento) pero estos son los que quería comentar. Los hijos pequeños somos bastante peculiares, como nos encontramos el camino muy trillado por nuestros hermanos nos permitimos, y nos permiten, algunas excentricidades especiales.<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://4.bp.blogspot.com/-qvsgAai7GjQ/Tv9ZjArca_I/AAAAAAAAAyg/RkFAmpVWAIc/s1600/fink-blog.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="300" src="http://4.bp.blogspot.com/-qvsgAai7GjQ/Tv9ZjArca_I/AAAAAAAAAyg/RkFAmpVWAIc/s400/fink-blog.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Fink susurrando</td></tr>
</tbody></table>
Este es el caso de <b>Fink</b>, el inglés Fin Grenall, un cantante dotado de una magnífica voz y que el se empeña en mostrar de forma casi exclusiva en susurros. Si no fuera el pequeño podría ser también el desconocido porque el eco de su obra, en España como mínimo, es muy pequeño y totalmente injusto con su valía. Para mí fue una agradable sorpresa encontrarme un tema de su último disco en un episodio de mi alter ego, House, ya he comentado más de una vez el buen gusto que tienen los productores de esa serie. La evolución musical de Fink ha sido constante y mínima desde el Fresh produce (2000) hasta el quinto y último disco Perfect darkness (2011), es un autor lento que tiene mucho amor por los trabajos bien acabados. En éste último ha ampliado ligeramente el registro vocal pero siempre desde ese canto casi recitado, como en una charla íntima que enfatiza hasta el máximo los recursos de su aliento. Si alguno de todos los protagonistas de esta entrada merece que sea más reconocido es este sin duda, la aparición de músicos con un lenguaje personal, nuevo y de calidad es un hito excitante en la vida de todo melómano. Como ya hablé un poco de él en la entrada La guitarra tras la voz, la música en el campo no creo necesario extenderme, en todo caso es otra gran voz que surge a la estela de Dylan, aunque seguro que más de uno no encontrará relación alguna con el estadounidense mi tesis es que este tipo de artistas no hubieran podido surgir y asentarse si Robert Zimmerman no se hubiese convertido en Bob Dylan. Con disco en 2011 y su ritmo tampoco hay nuevas sobre proyectos en marcha.<br />
Gracias Bob, eres uno de los grandes y este es mi homenaje, reconociéndote a través de tus hijos.</div>Hugo Enojohttp://www.blogger.com/profile/15712978877119647738noreply@blogger.com12Duluth, Minnesota, EEUU46.7866719 -92.100485246.6127174 -92.416342199999988 46.9606264 -91.7846282tag:blogger.com,1999:blog-2459155305508967238.post-71889014820422921032011-12-26T12:09:00.000+01:002011-12-29T12:51:07.846+01:00Pon al Comidista en tu mesa... por Navidad<div style="text-align: justify;">
Este no es un blog gastronómico ni esta entrada pretende glosar aspectos de esa actividad. Hablaré de elaboración de alimentos y de recetas, pero tan solo como vehículo del tema de la entrada, y éste no es otro que la crónica de una actividad a la que nos estamos dedicando en estos momentos los millones de afortunados occidentales que son poseedores de tres cosas: familia, dinero y humor. En esta cosa que llamamos las fiestas navideñas las personas nos abducimos por los efluvios de un conglomerado de circunstancias, algunas felices otras menos, como la tradición, el bombardeo del marketing comercial, la sensación de fin y recomienzo de algo, el apego a los nuestros que están y el recuerdo de los que no están y cierta propensión inconsciente a llevar puesta la sonrisa con más frecuencia.</div>
<div style="text-align: justify;">
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-uzUqe803GRU/TvhSjWeunXI/AAAAAAAAAuU/TUzKVrb3SOY/s1600/P1000803.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="225" src="http://1.bp.blogspot.com/-uzUqe803GRU/TvhSjWeunXI/AAAAAAAAAuU/TUzKVrb3SOY/s400/P1000803.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Algunos de los productos a su llegada a la cocina (el romero en el centro)</td></tr>
</tbody></table>
<br />
Día anterior - 13:51 horas.</div>
<div style="text-align: justify;">
Aún en fase de compras, faltan algunas cosas que han surgido de la elección de los entrantes del menú de Navidad, este año recibimos nosotros y seremos seis adultos y cuatro menos adultos, el plato estrella estaba decidido desde hace semanas, desde que leí la entrada ( http://blogs.elpais.com/el-comidista/2011/11/rosbif-curado-con-mostaza-y-romero.html ) y supe que yo cocinaría ese plato, la posibilidad de que fuese el elegido para esta día era alta y pasaba por superar una prueba anterior. El éxito del primer intento zanjó la cuestión, ya teníamos el segundo plato y los platos previos los decidiríamos un par de días antes a partir de las recetas del libro del Comidista. Finalmente ha sido esta mañana a la vuelta de recoger los filetes encargados hace días, dos preciosas piezas de algo más de kilo y medio. Hemos optado por una Tarta de cebolla caramelizada (página 55 del libro del Comidista) y unos Triángulos de queso picante (página 223), para acompañar la carne una Salade cuite (página 57) que tiene una pinta fantástica. El postre está por decidir pero MiMaría tiene un extenso surtido repostero y ya veremos. He tenido que ir al Corte en busca de la Harissa, las guindillas frescas y los pimientos de colores para asegurar el tiro y no andar buscando por el barrio que estas cosas tan raritas que pone el Comidista no se encuentran así como así.<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-6Wlv1knwOZc/TvhSOubQKnI/AAAAAAAAAsU/Tub4T7wdpWE/s1600/P1000809.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="225" src="http://1.bp.blogspot.com/-6Wlv1knwOZc/TvhSOubQKnI/AAAAAAAAAsU/Tub4T7wdpWE/s400/P1000809.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Que bonitos los pimientos, qué verdura tan maravillosa</td></tr>
</tbody></table>
En el súper coincidimos tres maridos con lista de papel en la mano, ¿dónde está el romero?, se ha acabado, preguntamos a un corteinglesero y pone cara de duda... Tal vez quede algo dentro, vuelve con cara de circunstancias, "nada de nada", uno de los tres dice con cara de pánico "No puedo volver a casa sin el romero!!. Aparece otro empleado y dice, hay seco en bolsa. Salvados!. En cuanto estemos los dos nos pondremos con la preparación de la carne que tiene que reposar un mínimo de 12 horas antes de hornear. Atendiendo a la recomendación musical del libro del Comidista la mañana ha estado acompañada por la deliciosa compañía de Portishead (Roseland NYC Live) más el bendito de Ryan Adams que con su Ashes and fire es presencia permanente en casa.<br />
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<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-mSooO7zcn1U/TvhSTuyQSCI/AAAAAAAAAs0/x-ByJh8C7Ww/s1600/P1000812.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="225" src="http://3.bp.blogspot.com/-mSooO7zcn1U/TvhSTuyQSCI/AAAAAAAAAs0/x-ByJh8C7Ww/s400/P1000812.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">La harissa en el momento de su debut, que maravilla!</td></tr>
</tbody></table>
<br />
Día anterior - 17:56 horas.<br />
La cosa se ha complicado un poco, ha vuelto MiMaría y no había encontrado pasta filo, descarga las cosas y decidimos que es mejor buscar un poco más en el barrio y no dejar para la tarde temas pendientes. Cero absoluto, no hay en ningún sitio. Moto, y al corte. Está bastante mejor que por la mañana pero sigue habiendo gente aprovisionándose como si el mundo se acabara hace cinco minutos. Voy a refrigerados, los anaqueles empiezan a notar el efecto de la rapacidad de los clientes y se ven algunos huecos que no da tiempo a reponer. La nevera de las masas está bastante surtida, diferentes marcas, diferentes tipos, un solo hueco yermo de existencias, el que según reza la etiqueta, contenía la pasta filo. Que no cunda el pánico, requiero a un empleado que me dirige a un compañero de lácteos (debe llevar leche la masa esta) y me dice que está agotada desde ayer.... Todo el mundo hace cosas con esta pasta en las fiestas y añade que por Sant Jordi se agota siempre un par de días antes. Empiezo a preocuparme, la selección del menú no ha sido tan fluida como para hacer un cambio de última hora, y el tipo deja caer: "Si la quieres congelada..", por supuesto!!. "No sé si quedará, hace un rato había", ya estamos tardando en ir. Llegamos a la nevera y .. quedan dos paquetes, los pillo y respiro. Antes de irme ya se ha cumplido mi vaticinio y el postre estaba decidido por MiMaría, Tarta sin horno de fresas, crema y queso ( http://blogs.elpais.com/el-comidista/2011/04/tarta-sin-horno-de-fresas-crema-y-queso.html ) que ya está hecho en alguna ocasión y que es delicioso.<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://4.bp.blogspot.com/-u3gJYfazAFA/TvhSSfAXAzI/AAAAAAAAAss/zqApMjEAM4I/s1600/P1000804.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="225" src="http://4.bp.blogspot.com/-u3gJYfazAFA/TvhSSfAXAzI/AAAAAAAAAss/zqApMjEAM4I/s400/P1000804.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Preparando los solomillos</td></tr>
</tbody></table>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-8fKTqb6esSM/TvhSRG8fLuI/AAAAAAAAAsk/xYS2Q-LnSXQ/s1600/P1000805.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="112" src="http://1.bp.blogspot.com/-8fKTqb6esSM/TvhSRG8fLuI/AAAAAAAAAsk/xYS2Q-LnSXQ/s200/P1000805.jpg" width="200" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">detalle del pringue de mostaza</td></tr>
</tbody></table>
Acabamos de comer y planeamos (ella planea y yo asiento): Preparar el rosbif para que macere, unos huevos rellenos que irán en el aperitivo y la salade que así reposará unas horas y estará picantita. La banda sonora ha estado a cargo de los Farmer destacados entre los delicados, los King of Convenience, repaso a toda su discografía, la jornada es larga.<br />
Día anterior - 23:24 horas.<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://4.bp.blogspot.com/-Tr0bSQ0e7ZM/TvhSVLmH_QI/AAAAAAAAAs8/4YPTxRAw3Ss/s1600/P1000810.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="180" src="http://4.bp.blogspot.com/-Tr0bSQ0e7ZM/TvhSVLmH_QI/AAAAAAAAAs8/4YPTxRAw3Ss/s320/P1000810.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Algunos elaboraciones en marcha</td></tr>
</tbody></table>
Casi podemos dar por cerrada la cocina, han sido un montón de horas en faena, la salade está haciendo chup chup, la carne hace horas que macera, los huevos están listos y las tartaletas atienden en la nevera que les llegue la hora de recibir a los fresones, la crema esta vez nos ha quedado superior. Mucho trabajo pero muy relajado, sin imposiciones de horarios, hemos podido cenar con los enanos tranquilamente y nada ha llegado tarde. Un poco aburrida la tarea pero como es en la mejor compañía posible es un aburrimiento bien recibido.<br />
<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-imB0itDlUWI/TvhSP7mYB5I/AAAAAAAAAsc/MAsei4Z0r1Q/s1600/P1000808.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="225" src="http://1.bp.blogspot.com/-imB0itDlUWI/TvhSP7mYB5I/AAAAAAAAAsc/MAsei4Z0r1Q/s400/P1000808.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Las horas han de hacer su faena (y la sal y el azúcar, claro)</td></tr>
</tbody></table>
Mañana nos esperan la tarta de cebolla, eso la cocinera se lo solventa en un plis plas, acabar las tartaletas y abordar los quesos con la dichosa pasta filo de las narices, nada que impida tener una mañana igual de relajada y poder recibir a los invitados con toda las tareas a término. El tiempo en que no ha estado la TV en marcha, una concesión a los enanos mientras "celebrábamos" la Nochebuena, Fink nos ha susurrado a su manera sutil y hermosa.<br />
<br />
El día - 08:31<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://4.bp.blogspot.com/-weEyNLX7CMc/TvhWtrvV_1I/AAAAAAAAAug/bDousoWhclw/s1600/P1000816.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="225" src="http://4.bp.blogspot.com/-weEyNLX7CMc/TvhWtrvV_1I/AAAAAAAAAug/bDousoWhclw/s400/P1000816.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">El jugo de la carne casi ha invadido los recipientes</td></tr>
</tbody></table>
Asomo por la cocina después de unos minutos viendo la red saturada del trendig topic absoluto del día (decido hacer entrada indignada) y repaso, con mirada de orgulloso copropietario de los platos en marcha, el estado de la situación, todo está como debe estar, la carne ha rezumado jugo en grandes cantidades y casi rebosa los recipientes, el bueno de Mikel nos permitió modificar las cantidades, la dosis de sal gruesa y azúcar moreno que deben cubrir la carne para que repose durante la noche no llegaba apenas para una de las piezas y hubo que doblar lo reseñado en la receta.<br />
En breve aparecerán los niños con el paso encaminado hacia el árbol, a ver que ha traído Papá Noel...<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://4.bp.blogspot.com/-A9d-x-mrqaw/TvhXJfPHfvI/AAAAAAAAAu4/_wiwYtSsWwo/s1600/P1000818.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="179" src="http://4.bp.blogspot.com/-A9d-x-mrqaw/TvhXJfPHfvI/AAAAAAAAAu4/_wiwYtSsWwo/s320/P1000818.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">La tarta y el queso en fase previa</td></tr>
</tbody></table>
Esta mañana queda faena para dar y tomar: la tarta de cebolla al completo, los triángulos de queso también en su totalidad y el lavado y horneo de la carne, no está mal. Sin olvidar la preparación de la intendencia necesaria para que la sala acoja a los invitados con doble mesa y todo. La mañana ha machado al ritmazo de los Staff Benda Bilili (Tres tres fort), Paco de Lucía (esea preciosidad de Almoraima) y el gran Jose Merce (Aire y Quebrando el aire)<br />
El día - 14:10<br />
Horror¡¡¡¡¡¡ El tiempo una vez más se nos ha echado encima, decimos el tiempo y es nuestra falta de su manejo.<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><br />
<a href="http://1.bp.blogspot.com/-K6MLC--ScHc/TvhXKyWWpoI/AAAAAAAAAvA/Vk4K_jpnSIc/s1600/P1000819.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="225" src="http://1.bp.blogspot.com/-K6MLC--ScHc/TvhXKyWWpoI/AAAAAAAAAvA/Vk4K_jpnSIc/s400/P1000819.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">La cocinera "hablando" con el Comidista</td></tr>
</tbody></table>
Está todo en marcha pero parece que esté todopendiente (el escribir una entrada de indignado a media mañana no ha ayudado mucho, por más que ha sido toda de un tirón, a MiMaría le ha gustado :)), actividad frenética!!! Es más la sensación de que se va a culminar todo el proceso que un retraso real, no hay tiempo para vacilar. La vital Anoushka nos ayuda a recibir (Traveller)<br />
<br />
El día - 14:40<br />
Todo a punto, estamos a la espera del último invitado que está intentando aparcar en alguna zona próxima y parece que le está costando.<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://4.bp.blogspot.com/-iiNG4re9tq8/TvhW7JDrTkI/AAAAAAAAAus/sSBmTmInbho/s1600/P1000817.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="225" src="http://4.bp.blogspot.com/-iiNG4re9tq8/TvhW7JDrTkI/AAAAAAAAAus/sSBmTmInbho/s400/P1000817.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Horneando</td></tr>
</tbody></table>
La mesa luce con los platos, en los rostros están dibujadas las sonrisas correspondientes, hay hambre y muchas ganas de pasarlo bien. Los niños han recibido sus regalos y el timbre anuncia el completar del grupo. Pongo la carne a asar y nos disponemos a comer mecidos por las Lullabies from the axis of evil, oriente en la fiesta de occidente.<br />
<br />
<br />
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<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-szrsNlPZ234/TvhYO0jxo8I/AAAAAAAAAvM/gKmdk2bkJ8g/s1600/P1000820.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="225" src="http://1.bp.blogspot.com/-szrsNlPZ234/TvhYO0jxo8I/AAAAAAAAAvM/gKmdk2bkJ8g/s400/P1000820.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Momentos antes de antes</td></tr>
</tbody></table>
<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-6FwWZ0KYo88/TvhYQfc9mNI/AAAAAAAAAvU/RjbuJor3o84/s1600/P1000826.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="225" src="http://1.bp.blogspot.com/-6FwWZ0KYo88/TvhYQfc9mNI/AAAAAAAAAvU/RjbuJor3o84/s400/P1000826.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Momentos antes de comer</td></tr>
</tbody></table>
El día después - 1:32<br />
La navidad 2011 ya es historia. Hemos comido, reído y disfrutado de una jornada completa, todos los requisitos se han satisfecho, ha habido un poco de todo pero sin que apareciera ni un asomo de abruptez. Es el momento de hacer una valoración gastronómica del menú:<br />
Los triángulos de queso: éxito absoluto, han gustado a casi todo el mundo y prometen ser una presencia habitual, son fáciles de preparación y rápidos. Hay aspectos a mejorar, a pesar de los sabios consejos del comidista ( http://blogs.elpais.com/el-comidista/2011/12/cosas-que-no-debes-hacer-en-la-cena-de-nochebuena.html ) es uno de los plato que estrenamos y hemos detectado alguna cosilla que se puede cambiar.<br />
La tarta caramelizada de cebolla: éxito con las reservas habituales de los enanos. Es un plato que los niños no han probado pero ya lo harán, ha quedado muy buena a pesar de que le hemos metido menos horno del que indicaba la receta porque ya estaba, ha sido muy divertido hacerla.<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-FsG_6bg8POY/TvhZMP251CI/AAAAAAAAAv4/3L3rNzvBu_Q/s1600/P1000825.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="225" src="http://3.bp.blogspot.com/-FsG_6bg8POY/TvhZMP251CI/AAAAAAAAAv4/3L3rNzvBu_Q/s400/P1000825.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Las patatas fritas no faltan nunca, la última preparación antes de comer</td></tr>
</tbody></table>
<br />
La salade cuite. Brutal! Un acompañamiento perfecto para muchos platos y que puede modularse de picante a elección, nos ha salido suavecita y los adultos la han devorado. Es una pena que el colorido de los pimientos no luzca en el aspecto final porque al hacerla han llenado de color la cocina. Un gran hallazgo.<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-KVWGVzgSQ9E/TvhYz5TZLdI/AAAAAAAAAvs/ZP6sIfh5sFk/s1600/P1000827.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="225" src="http://3.bp.blogspot.com/-KVWGVzgSQ9E/TvhYz5TZLdI/AAAAAAAAAvs/ZP6sIfh5sFk/s400/P1000827.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">El rosbif haciéndose</td></tr>
</tbody></table>
El rosbif. Pitos y aplausos. Al ser descartada mi propuesta de hacer dos cocciones diferentes para los dos solomillos ha habido cierto rechazo por parte de los comensales menos carnívoros hacia los trozos más rojizos, no ha sido un problema porque había posibilidad de ofrecer cortes laterales más hechos. Yo habré comido más de medio kilo acompañándola de la salade y he disfrutado como un enano, no he sido el único.<br />
Las tartaletas. Muy bien, la crema perfecta y el ya sabido tema mejorable de las tarrinas, la masa de galleta no hace honor al postre y ya hemos decidido variar este aspecto con alguna brisa o filo para la próxima ocasión.<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-hDrQIDEfCVQ/TvhYlJ3KMhI/AAAAAAAAAvg/SKmC1vsyqr4/s1600/P1000824.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="225" src="http://2.bp.blogspot.com/-hDrQIDEfCVQ/TvhYlJ3KMhI/AAAAAAAAAvg/SKmC1vsyqr4/s400/P1000824.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">El portador del caldo en fase de apertura</td></tr>
</tbody></table>
El Ribera aportado por los cuñados ha estado extraordinario, un par de botellas de Abadía de San Quirce reserva 2000 y 2003. Fracaso absoluto con los cavas, hasta dos botellas se han ido por el sumidero porque estaban imbebibles, hay que ver como han bajado algunas marcas!!. Los gintonics han sido una buena opción de recambio. La sobremesa se ha alegrado de estar musicada por una preciosa selección del los Kings of Convenience, que, valga la redundancia, han resultado muy convenientes.<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-llv2GIl560E/TvhZN-EQSjI/AAAAAAAAAwA/96CSoIwhxjY/s1600/P1000829.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="225" src="http://3.bp.blogspot.com/-llv2GIl560E/TvhZN-EQSjI/AAAAAAAAAwA/96CSoIwhxjY/s400/P1000829.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Con mi deseo de que haya sido para todos una jornada tan agradable como la nuestra</td></tr>
</tbody></table>
Y esto ha sido todo, con todo lo expresado en la entrada anterior y siendo consciente de que una comida en familia es un goce que hace que todo este recorrido haya valido la pena. Compartirlo con MiMaría, como siempre, un privilegio que se me puede envidiar sin recato.</div>Hugo Enojohttp://www.blogger.com/profile/15712978877119647738noreply@blogger.com4Barcelona, España41.387917 2.169918741.292614 2.0119902 41.48322 2.3278472000000003tag:blogger.com,1999:blog-2459155305508967238.post-78538597303511201202011-12-25T09:57:00.000+01:002011-12-25T12:59:18.122+01:00Feliz Navidad???<div style="text-align: justify;">
Vamos a ver. Pongamos un poco de reflexión acerca de esa expresión que estos días, de tan intercambiada se diría que es un mantra cósmico que nos situará en el walhalla o Jannat o algo así. Vaya por delante que no tengo nada en contra de intercambiar buenos deseos, ni de que éstos se cumplan, contemplo como positiva la emisión de estas esperanzadas palabras entre las personas, pero.. ¿Qué sentido tienen?, estas y las que normalmente le acompañan: "Y próspero año nuevo".</div>
<div style="text-align: justify;">
Feliz. Una palabra que aparentemente no puede mostrar ninguna sospecha de maledicencia escondida, se podría decir que el estado al que los seres humanos, desde la conciencia cultural occidental, aspiran. Pues de eso se trata, la felicidad es un estado que conlleva un desparrame de endorfinas narcotizantes que a veces pueden convivir con situaciones indeseables, el "ojos que no ven corazón que no siente" es un dicho que merodea este concepto que trato de explicar, como soy feliz hurto la mirada hacia aquello que me rompería el cuadro tan bonito que me he construido este día, como soy feliz no tengo tiempo de atender a circunstancias que no estarían acompasadas con mi desborde risueño, etc... Y eso, todo eso, por la "obligación" que viene inferida por el calendario, coño!! es 25 del 12, a ser feliz a espuertas, a derrochar torrentes de joya sideral con todos los que me encuentre, y si puede ser cebándose sin mesura. Y resulta que hay estado que me parecen mucho más interesantes para ser deseados entre nosotros, supongo que la mirada oriental tiene mucho que ver con ello, la primera que viene a mi cabeza es la de equilibrio (supongo que desear Equilibrada Navidad!! no acabaría de entenderse y provocaría una mirada de sospecha en el interpelado), el equilibrio es ese estado en el que el ser humano es poseedor de aquello que le hace vivir en plenitud, afecto, seguridad, ilusión, añoranza, deseo, dolor, empatía, soledad. Con las dosis ajustadas a la esencia de cada uno se me antoja que es mucho más deseable que la felicidad, no quiero ser feliz ignorante, quiero ser un sonámbulo inconsciente, quiero tener de todo para sentirme vivo en el goce y en el esfuerzo, en la dádiva y en el compartir, eso es lo que yo deseo a los que les deseo estos días feliz navidad.</div>
<div style="text-align: justify;">
Lucidez. Una cualidad repartida con desigual mesura entre la especie humana y que desgraciadamente se asocia de forma demasiado rápida al existencialismo o movimientos filosóficos que no contienen el sello de la alegría en sus genes, en realidad nadie dijo que los filósofos, con alguna excepción como los epicúreos o algunas disciplinas orientales como el budismo Zen, tengan que ser alegres. Pero pienso que pocas cosas son más interesantes para ser deseadas que la lucidez, esa capacidad para ver el mundo con clave de entendimiento y requerimiento constante, otra vez me opongo al efecto adormecedor de la felicidad, siento que el saber y querer saber, el procesar la realidad con capacidad racional, es un don infinitamente mejor que la ignorancia agostada por la ignorancia, voluntaria o forzada. Entender es el mejor camino para gozar, disfrutar desde el estado que nos permite elegir hacerlo en vez del que se realiza por no "quedarnos" otra opción. Una vez más cuesta imaginarse a alguien alegrándose por ser recibido con una "Lúcida Navidad!!"</div>
<div style="text-align: justify;">
Consciencia. La hermana interior de la anterior (perdón por la cacofonía pero es que me puede), Aquí sí que se proclama sin reservas mi admiración por el sentido de la vida plena que aportan las filosofías orientales y en especial el Zen, el viaje interior como único y absoluto método de recorrer el camino vital de los seres humanos. Somos en cuanto tenemos la plenitud consciente de que somos, de lo que somos para nosotros y para los demás, y por supuesto, de lo que realmente necesitamos y lo que no (el Corte me pone una bomba como difunda demasiado esta idea, nos sobra tanto de todo que tendrían que cerrar en unas horas si lleváramos esta idea donde se merece). La consciencia no es ascetismo necesariamente, precisamente es todo lo contrario, la percepción acertada de uno mismo recorre muchos más montes de aceptación que valles de renuncia, si somos, si realmente somos nosotros mismos, somos mejores y hacemos mejores nuestras relaciones y nuestros actos. Y no era algo así el sentido del deseo?, hacer más "felices" a nuestros congéneres y celebrar mejores fiestas?. En ese caso, soltémoslo sin recato:</div>
<div style="text-align: justify;">
Equilibrada, lúcida y consciente Navidad!!!! Sé que sueno a ONG pero me gusta. Y en todo caso si tengo que elegir entre las convencionales me quedo cien veces con el catalán: "Bones festes o Bon Nadal", prefiero desear bondad (algo bobo pero menos dormido) que felicidad.</div>
<div style="text-align: justify;">
Y el adjetivo es el aperitivo del menú, el plato principal es ese nombre propio tan cacareado que conmemora el apropiamiento que hace el poder sobre la fiesta esperanzada que los pueblos celebraban de forma natural, la llegada de la noche más larga que anuncia el tiempo nuevo. La navidad, el nacimiento del tipo que nos va a solucionar todos nuestros desarreglos... Yo tengo pocas cosas contra las creencias de los demás, allá cada uno con sus capacidades y sus incapacidades (eso sí, les desearé siempre equilibrio, consciencia y lucidez) pero las tengo todas contra las instituciones religiosas del color que sean. Una empresa que lleva milenios asesinando (genocidios en las cruzadas y en la conquista de las Américas, por ejemplo), consolidando las desigualdades sociales (no hacen falta ejemplos), discriminado a la mujer con todas las degradaciones posibles (apartada del poder en la misma organización, segregada a las tareas de reproducción y domésticas de forma exclusiva, ..), cometiendo las barbaridades más horrendas de forma impune (pederastia sistemática y organizada por doquier, oposición feroz al avance científico...) y en general, dedicándose a dar por saco en todo aquello que le parece o piensa que le restaría algo de poder, una empresa así merece toda mi repulsa y, obviamente, la tiene. Por eso no me sumo a la fiesta, mejor celebrar el solsticio de invierno como hacían nuestros ancestros y reunirnos con la tribu, la actual ha quedado reducida a la familia, y festejar el hecho de estar juntos. La iglesia nos monta el aparetaje más potente que se puede imaginar alrededor de una idea de normalidad de su propia existencia, en este mundo de mierda en tantas cosas y tantas de ellas mantenidas por la propia iglesia, celebremos que hace dos mil años que estamos bajo su influjo y su poder, rindamos pleitesía al tirano entre sonrisas programadas y escenificaciones prefijadas. El que se mueve no sale en la foto y se nos permite protestar un poquito pero no salirnos del guión, aquel que evade su cuota de corresponsabilidad fiestera es un freakie (me lo pido), un amargado o un loco. Y no, no es esto, como decía el buen Llach "No és això companys", seamos nosotros en la fiesta y en la no fiesta, recuperemos nuestro protagonismo frente a los hijos de puta que nos tienen por idiotas, hagamos de nuestras vidas aquello que queramos que sean sin atender a tantas proclamas normalizadoras que nos hacen más ciegos, más tontos, más útiles y peores. Por eso, aunque mis hijos no lo entiendan y mi abuelo tampoco lo hubiera entendido, en mi casa nunca habrá un decorama con personajes de la tierra mesopotámica en formación con el nombre de pesebre, un gesto bobo que me hace peor que el padre de mi madre, con el que unas pocas navidades disfrutamos tanto en la construcción conjunta de uno, cada año mayor y más complejo. El "Pepitu" era mucho más lucido, equilibrado y consciente que yo, y desde su ateísmo tranquilo sabía que no se puede ser tan pejiguero como un servidor, pero las cosas son así.</div>
<div style="text-align: justify;">
Podría estar horas despotricando de todo ello pero es que se me acaba el tiempo, hoy celebramos la Navidad en casa y tengo que meterme en faena!!! En realidad yo celebraré desde mi incoherencia original el solsticio y todo lo demás. Uno es uno dentro de su familia y se debe antes que nada a ello.</div>
<div style="text-align: justify;">
No puedo cerrar sin declarar mi asco absoluto a la coletilla "próspero año nuevo"... Eso??? eso es lo que nos deseamos?, más dinero? más cosas? más de lo mismo desde este rincón privilegiado y que a los miserables que les den? Asco de expresión!!!</div>Hugo Enojohttp://www.blogger.com/profile/15712978877119647738noreply@blogger.com8Barcelona, España41.387917 2.169918741.292614 2.0119902 41.48322 2.3278472000000003tag:blogger.com,1999:blog-2459155305508967238.post-51912738056469305822011-12-20T03:03:00.000+01:002011-12-22T02:46:25.121+01:00La palabra es de ellas<div style="text-align: justify;">
En estos últimos días he tenido el inmenso placer de sumergirme de forma continuada en la lectura de tres novelas maravillosas, tres obras que guardan algunas conexiones entre ellas, algunas peculiares y otras menos, pero que sobre todo son tres libros espléndidos, que me han abducido con una intensidad similar y, sobre todo, de forma extrema. La primera circunstancia reseñable, y que se puede deducir del título del post, es bastante obvia, las tres autoras son mujeres. Afortunadamente para los lectores y para la humanidad en general, este hecho, que estadísticamente no es normal, no constituye una sorpresa excesiva, a pesar de los descerebrados que hablan de una literatura de mujeres, el arte no tiene sexo y no precisa de uno en concreto para ser gestado. La historia de la literatura está nutrida de suficientes escritoras como para descartar que el dato pueda resultar novedoso, por citar cifras relacionadas con su participación en la vida literaria, diremos que veinte de los ciento ocho ganadores del Nobel de Literatura, un premio que, como todos, junta basura con demasiada asiduidad, han sido mujeres. La cifra resulta bastante certera, nos habla de una presencia menor pero constante. Mi percepción particular, a pesar del título, es que hombres y mujeres tienen la misma capacidad narrativa y que el talento no tiene más condicionantes que el trabajo y la posibilidad de desarrollarlo.</div>
<div style="text-align: justify;">
Y porqué ese título entonces?, si no existen diferencias debería ser: la palabra es de todos, o alguna chorrada similar, pero no, resulta que las tres autoras son conyugues de tres autores, en los tres casos forman parte de un matrimonio de escritores y en dos de ellos, como sería de esperar en la sociedad machista en las que nos desenvolvemos, la fama de la familia se la lleva el varón. Huelga decir que la circunstancia es fortuita ya que la elección de la lectura se ha producido, en los tres casos, de forma casual y no relacionada entre sí. Es más, cuando estaba leyendo el segundo caí en la cuenta de que la autora también era esposa de escritor y al acabar la lectura del tercero, y con la tonta esperanza de que se produjera la misma circunstancia, me pongo a indagar datos biográficos de la novelista y me topo con otro marido literato, el título me viene rodado.</div>
<div style="text-align: justify;">
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-MJelftqJU1o/TvIe-suL_kI/AAAAAAAAAsE/vPw6GQAeAdY/s1600/todo-cuanto-ame.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="640" src="http://1.bp.blogspot.com/-MJelftqJU1o/TvIe-suL_kI/AAAAAAAAAsE/vPw6GQAeAdY/s640/todo-cuanto-ame.jpg" width="403" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Un primer paso en el trío, gran novela</td></tr>
</tbody></table>
Pero lo que vincula de forma importante los tres trabajos no es el sexo de sus creadoras, ni su vida privada, lo que convierte en extraordinaria la experiencia es el altísimo nivel literario de las tres y unas constantes temáticas que intentaré desarrollar en la medida de mis capacidades. No hay una homogeneidad formal de ningún tipo entre los tres escritos, aunque las tres son parcialmente contemporáneas, y han producido obras de extraordinario interés, si nos aplicáramos a la fútil tarea de etiquetar las novelas por estilos literarios podríamos decir que andamos con una exponente del mejor realismo mágico iberoamericano, una representante de la gran tradición narrativa estadounidense del siglo XX y con una excepcional creadora de novela costumbrista-psicológica, pero si obviamos nacionalidades las etiquetas serían intercambiables con bastante solvencia. Son tres novelas que hablan de la locura, la soledad y sobre todo, de la familia, de ese campo de minas emocional que proporciona la estructura básica que la civilización nos ha impuesto.<br />
Glosaremos las obras en el orden en que fueron leídas sin que ello signifique una jerarquía de ningún tipo, las tres obras se han incorporado al catálogo de libros que pertenecen a la categoría de los que han de ser leídos por todas las personas que me rodean, qué mejor herramienta que una entrada en el blog.<br />
<b><i>... la sensación de que incluso si llegáramos a rescatar hasta los últimos retazos de una vida y los amontonáramos en una inmensa pila y luego los cribáramos cuidadosamente en busca de todos sus posibles significados, seguirían sin sumar una existencia completa.</i></b><br />
Apenas estamos en los inicios de Todo cuanto amé (2003) y Siri Hustvedt ya nos ha capturado con su lento descubrir de la trama, el párrafo resaltado pertenece a los pensamientos del protagonista, otra coincidencia de los tres libros, que no es una mujer, es el historiador del arte judío, Leo Hertzberg. La novela arranca con el inicio de la amistad de Leo con Bill Wechsler, el pintor que es autor del cuadro que provoca estas reflexiones en la voz de Leo-Siri. El aviso es contundente, vamos a teorizar sobre lo abstracto con la ayuda del hilo, hilos, que la red de relaciones entre los protagonistas hará, harán, brotar. Vamos a sentir el goce y el dolor, el desarraigo y la complicidad, y sobre todo, la inmensa soledad que Siri propone como paradigma vital de la existencia, nos la muestra en el germen de la pareja y en su trayecto, en la preciosa amistad entre Leo y Bill, la escritora expone de forma muy lúcida su visión sobre el ser humano como ente social y no se deja engañar por los acontecimientos, somos seres solitarios que a veces tenemos la fortuna de conectar con otro ser igualmente solitario. Algún lector podría sospechar que la novela es un tocho arduo y farragoso a partir de esta presentación inicial, y nada más alejado de la realidad, la prosa de la Hustvedt es luminosa y ágil, contiene todas las virtudes que han hecho de la narrativa USA contemporánea una de las más excelentes del momento, hay más luz de Fitzgerald que de Faulkner (no todo podía ser perfecto), hay una gran historia que es mejorada por la calidad de la escritora. El subjetivismo narrativo nos permite sentir mejor el peso de la soledad citada y también nos hace estar mejor acompañados. La perplejidad ante la cualidad abstracta que se le antoja impercibible a Leo en el cuadro, y que le hace realizar la declaración consciente sobre la incapacidad última en conocer al otro, es uno de tantos momentos profundos que llenan el libro y en los que el lector se permite la pausa, aventura la reflexión y logra la excitación intelectual, no solo es un libro cuya historia te captura (que no es ni mucho menos poca cosa) es un viaje por el alma y sus lados sombríos.<br />
Soledad.... y locura.<br />
<b><i>... pero la demencia se mide en grados, y en la mayoría de nosotros, en algún momento de nuestras vidas, incurrimos en ella de un modo u otro, percibimos su insidiosa llamada y la atracción de su caída.</i></b><br />
La salud mental, sobre todo su falta, es una constante fiel en Siri. Ya comenté en una entrada anterior su rigurosa obra La mujer temblorosa o la historia de mis nervios (2009) y el rastro del interés que siente por ello tiene un peso considerable en la novela, el párrafo citado no proviene de un personaje enfermo, eso sería vulgar, el pensamiento lo desarrolla Leo ante los estragos que un comportamiento perturbado provoca en las vidas de algunos protagonistas. Lo realmente impactante de este aspecto del libro es el inmenso amor con el que es tratado el personaje que padece la enfermedad, que incrementa el descontrol en su desarrollo. La maestría narrativa de la novela nos permite convivir con la insanía con una intensidad muy potente y muy humana, no creo necesario aclarar que, como en todo texto de nivel, no hay buenos y malos, existen víctimas inocentes y víctimas detonantes pero nunca hay referencia a la maldad humana como fuente de las desdichas o avatares. Su limpieza moral, tan en la tradición de Hammett o Chandler, es lo más humano que se pueda concebir, el no recurrir a la demonización del personaje que hace que un protagonista se enfrente a sus demonios es uno de los valores más solidos sobre los que la novela se aposenta. La historia mantiene en todo momento un desarrollo perfecto, hay saltos necesarios para que no se entumezca la lectura y hay recreaciones pausadas de lapsos que se revelan imprescindibles para tomar aire y seguir viviendo con Leo, Erica, Violet, Bill o Mark, seguir su proceso vital y asistir al efecto disgregador que los días les provocan. Todo cuanto sucede es verosímil y existe un momento sísmico, inesperado, que amenaza con romperlo todo pero no es más que otro acontecimiento en la existencia de nuestros personajes leídos, porque de la misma manera que los sabios conocen y propugnan, el abismo es detenerse, la vida es moverse.<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-z3WzukUCmWs/TvIe94kELwI/AAAAAAAAAr8/s5SGirw6Cks/s1600/Siri-Hustvedt-ayer-en-Barcelon_54238951301_53389389549_600_396.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="263" src="http://1.bp.blogspot.com/-z3WzukUCmWs/TvIe94kELwI/AAAAAAAAAr8/s5SGirw6Cks/s400/Siri-Hustvedt-ayer-en-Barcelon_54238951301_53389389549_600_396.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">La mirada hermosa y profunda de una mujer excepcional, Siri</td></tr>
</tbody></table>
<i><b>... Sy Wechsler fue la encarnación del anhelo jamás alcanzado por su hijo. Era una de esas personas que nunca llegan a estar del todo presentes en los acontecimientos de su propia vida: había una parte de él que siempre faltaba, y era esa cualidad ausente en su padre lo que Bill nunca dejó de perseguir, incluso después de su muerte.</b></i><br />
Brutal. La pincelada que destaco sobre el tercer rasgo de la novela, la familia, es breve, pero desnuda con precisión de orfebre la terrible voracidad emocional que pueden provocar, y que normalmente provocan, las relaciones familiares. Todo cuanto amé es una aventura afectiva y el título ya lo muestra de forma rotunda, el amor de los personajes se extiende más allá de la familia, entendida con el patrón habitual de la misma, pero las minusvalías emocionales provienen todas ellas de las ausencias, de las incomprensiones, de los ritmos asincrónicos y de los desconciertos, que se han generado en los núcleos familiares de cada uno de los personajes. Para Siri la familia es el universo y a partir de él construye su realidad, tengo la impresión de que lo hace en su vida y por ello en sus obras no puede escaparse de recrear esta misma dinámica. Sus libros se pueblan de emigrantes de segunda o tercera generación que mantienen constantes referencias a abuelos, tíos y demás parientes, que construyen los retratos de sus relaciones a partir del puzzle que conforman todos ellos, sus personajes SON en cuanto pertenecen a un clan, la familia. Pero la visión sobre la misma no es edulcorada ni complaciente, recorre el texto un constante cuestionamiento sobre los lazos y las servidumbres que tanto mercadeo emocional provocan, la visión es crítica pero cautiva, saber no significa liberarse y a veces, incluso, el prisionero elige quedarse dentro porque ese es el entorno donde mejor modula sus opciones vitales, nada que la vida no nos muestre una y otra vez. La mirada de Bill sobre su padre es la de un sediento, la de Leo es la de desconcierto, otras miradas son de alternancia entre el dolor y el sorpasso. Es obvio que este blogero esforzadillo tan solo conseguirá que sus lectores se pregunten que significa todo ello, la respuesta es sencilla, se trata de leer esta preciosidad de vida que se llama Todo cuanto amé.<br />
Los días que siguieron a la finalización de la novela de Siri los dediqué, como lector, a una novelita desengrasante y a proseguir La mujer temblorosa (una obra transversal que ha cruzado por varias lecturas, la finalicé a mitad de la novela que sigue ahora). Quería dejar pasar un espacio de tiempo antes de sumergirme en la relectura que me atendía, como cuando uno acaba de probar un bocado exquisito y se toma un respiro en la ingesta antes de hacerlo desaparecer con el siguiente.<br />
<i><b>... Estoy y estuve en muchos ojos. Yo solo soy memoria y la memoria que de mí se tenga.</b></i><br />
En la primera página de Los recuerdos del porvenir (1963) la escritora mexicana Elena Garro nos apunta con el arma furibunda de su prosa arrebatada y no nos deja respirar hasta que la novela, cuando ya no queda más remedio, se acaba.<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-n9tz8oWURME/TvIe9F_xCkI/AAAAAAAAAr0/dIU4wdz_GJw/s1600/Los+recuerdos+del+porvenir.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="640" src="http://3.bp.blogspot.com/-n9tz8oWURME/TvIe9F_xCkI/AAAAAAAAAr0/dIU4wdz_GJw/s640/Los+recuerdos+del+porvenir.jpg" width="392" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Una de las mejores novelas que jamás he releído</td></tr>
</tbody></table>
No quiero dejar pasar la oportunidad de adjudicar la responsabilidad de esta fabulosa relectura, la primera vez que ley Los recuerdos yo contaba con 17 tontos años y no supe ver todo lo que contenía la obra, la leí, la disfruté, y la archivé en el catálogo de "boom latinoamericano", hace un par de meses la excelente blogera que es Paz publicó una entrada <a href="http://elfaro-paz.blogspot.com/2011/10/los-recuerdos-del-porvenir.html">http://elfaro-paz.blogspot.com/2011/10/los-recuerdos-del-porvenir.html</a> que me hizo desear volver a leer el libro, o sea que ya sabéis, si mis palabras no os convencen pinchad en el enlace que ella seguro que lo hará. Gracias Paz.<br />
El narrador de la novela es Ixtepec, un pueblo del sur de México, un espectador del tiempo en medio de las guerras cristeras que cabalgaron el país en la segunda mitad de los años veinte. Tampoco es una mujer la que da voz a las palabras.<br />
<i><b>.</b></i><i><b>..Los años han pasado y aquella inmensa noche en que velamos a la iglesia se aparece en mi memoria con la claridad de una luciérnaga; también como una luciérnaga se me escapa.</b></i><br />
Los recuerdos del porvenir es una historia repleta de soledades; como en el libro anterior, la extraordinaria perspicacia de la autora revela la soledad absoluta de todos los que tienen voz en el libro, Ixtepec es uno más, y vive la soledad a partir de que se sabe existente solo a través de la memoria, cuando esta se extinga, el olvido lo apagará. Elena entra en las almas de algunos de los habitantes de la historia y desnuda sus desnudeces, la angustia que les provoca la distancia que el exterior a sí mismos les provoca, Isabel, cuando la adolescencia se esfuma, se sabe despojada de las únicas complejidades que mantenía con sus hermanos y el mundo se le revela como un terreno plagado de señales incomprensibles donde sus realidades no encajan. La pasión total que sufre el General Rosas no es más que otro símbolo perpetuo de soledad, no existe dimensión mayor para ella que el amor no correspondido, la prisionera física que es carcelera emocional y tirana de una historia que no pretende vivir. La llegada del extraño, Felipe, <i><b>"Vino a por ella"</b></i>, a modo de coro griego esta frase recorre el pueblo, es el amante despojado que combate su soledad con la osadía del que no tiene nada que perder. La llegada de Felipe en medio del caos de violencia que asola Ixtepec, <i><b>"La noticia de la llegada del extranjero corrió por la mañana con la velocidad de la alegría"</b></i>, un acontecimiento que hace prever cierto ruptura con la soledad, pero ésta es tenaz y no ceja en su abrazo.<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://4.bp.blogspot.com/-eyXgMuzGCKs/TvIe69HXuAI/AAAAAAAAArg/LRNj7s4wKRA/s1600/Elena_Garro.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="http://4.bp.blogspot.com/-eyXgMuzGCKs/TvIe69HXuAI/AAAAAAAAArg/LRNj7s4wKRA/s400/Elena_Garro.jpg" width="293" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Tanta sensibilidad en esta gran escritora!!</td></tr>
</tbody></table>
<i><b>... En estos días era yo tan desdichado que mis horas se acumulaban informes y mi memoria se había convertido en sensaciones. La desdicha como el dolor físico iguala los minutos. Los días se convierten en el mismo día, los actos en el mismo acto y las personas en un solo personaje inútil. </b></i><br />
Hay tanta demencia en el Ixtepec narrado que uno llega a la conclusión de que la pobre etiqueta de ·realismo mágico" adjudicada a la obra, y por extensión a la autora, los recuerdos es su primera novela, se acuña ante la evidencia de que tanto desvarío circulando en tan poco terreno necesita de la magia para poder ofrecer algo de subsistencia vital, y todo es tan real, toda la novela se traza a partir de episodios históricos, que el sello que luego quedaría casi en propiedad de García Márquez, parece casi obligado.<br />
<i><b>... Luchaba entre varias memorias y la memoria de lo sucedido era la única irreal para él. </b></i><br />
Pero hay que dejarse de conceptos que encajonen un libro tan universal y libre como este. Elena halla locos en las locuras de sus personajes, en la mirada trágica, de la tragedia griega (con la que guarda poderosas similitudes), que utiliza para explicarnos a los personajes, y tal como afirmaba el personaje de Todo cuanto amé, todos hemos incurrido en mayor o menor grado en la demencia a lo largo de nuestras vidas. Su mirar profundo en las almas es el que destapa los desvaríos de los Moncada, del general, casi de todos excepto Julia, de la que poco de su interior se nos muestra, tal vez porque sea más detonante que personaje, tal vez porque Elena no quiere ahondar en un perfil demasiado próximo.<br />
<i><b>... oyó los rumores de la noche y se sintió asfixiada por el tiempo quieto que vigilaba las puertas y las ventanas de su casa. La voz de su hijo le llegó: Yo no quepo en este cuerpo<yo cuerpo="" en="" este="" no="" quepo="">.</yo></b></i><br />
La novela cuenta con un personaje reconocido como enfermo mental, Juan Cariño se cree el presidente y ama los diccionarios, el dibujo del tipo es preciso y como la mayoría de los habitantes de la novela, entra y sale de la misma sin acabar de irse ni estar del todo, el apellido con el que le crea la Garro define su forma de aproximarse a todos los locos de su libro. Ixtepec afirma <i><b>"De todos los locos que he tenido, Juan Cariño fue el mejor"</b></i>, amor por la humanidad y maestría absoluta de la escritora. Finalmente la locura sublime de Isabel, loca del amor por estar loca de amor y rota por dicha locura...<br />
<i><b> ... Desde niños estábamos bailando este día.</b></i><br />
La novela gravita alrededor de la familia Moncada, los niños Juan, Nicolas y la niña Isabel. Desde los recuerdos de sus horas infantiles y el peso del tiempo que va anudando los vínculos que ni la muerte acallarán. En esta visión de la familia hallamos las antípodas de la visión anterior, Elena sabe de la capacidad de generar catástrofes que la institución conlleva pero la presenta como el único vínculo permanente entre la soledad demente de los seres humanos y el exterior. La casa sitiada de los Moncada en una parte de la novela es un perfecto símbolo de esta concepción de refugio y prisión afectiva.<br />
<i><b>... Sin el tictac, la habitación y sus ocupantes entraron en un tiempo nuevo y melancólico donde los gestos y las voces se movían en el pasado. </b></i><br />
En las páginas de la novela nos encontramos más estructuras familiares, no sanguíneas pero también conchavadas en las fisuras de las relaciones familiares: La familia de las putas, la de las queridas, las familias que se dibujan con trazo preciso pero escaso en las cercanías de los Moncada. Ixtepec nos habla en la voz de las familias y en ellas se duele.<br />
Los recuerdos del porvenir se me asemeja como un fresco extraordinario donde uno debe reconocerse para poder liberarse de soledades y locuras, es un legado más que hermoso de una escritora que no debe arrinconarse entre literatos menores con los que le hacen compartir corriente y que no puede ser conocida como la esposa de su marido.<br />
<i><b>... Todos los niños se rieron: un murmullo de risitas y grititos, como una ola de verano al alzarse sobre los guijarros.</b></i><br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-l9x02vHLjy8/TvIe7RFmxGI/AAAAAAAAArk/GAchOO3sxaI/s1600/el-hombre-que-amaba-a-los-ninos-9788415297154.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="640" src="http://1.bp.blogspot.com/-l9x02vHLjy8/TvIe7RFmxGI/AAAAAAAAArk/GAchOO3sxaI/s640/el-hombre-que-amaba-a-los-ninos-9788415297154.jpg" width="412" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Una portada "mejorable" para una obra inmejorable</td></tr>
</tbody></table>
La familia Pollit habita en la turbadora tercera novela a glosar y el descubrimiento y lectura de la obra también tiene un causante que es preciso revelar. Felipe Benítez Reyes es un escritor, que me descubrió a su vez Aída, que tiene un magnífico blog cuyo enlace se encuentra en el apartado de blogs que me hacen blogear. El día anterior a mi cumpleaños publicó la entrada <a href="http://felipe-benitez-reyes.blogspot.com/2011/09/christina-stead.html">http://felipe-benitez-reyes.blogspot.com/2011/09/christina-stead.html</a> que recomendaba El hombre que amaba a los niños (1940) de la escritora australiana Christina Stead, yo no había oído hablar ni de la novela ni de la autora pero a partir del post de Felipe decidí autorregalarmela para mi cumpleaños y así lo hice, y la leí, mejor dicho devoré y disfruté de forma extraordinaria y por ello hablo de ella (como decía mi abuelo, cuando no tengas algo bueno para decir de alguien, mejor te callas). Felipe no solo recomienda el libro, además, lo prologa y he de reconocer que nuestras miradas sobre el texto son algo diferentes, él escribe un prólogo magnífico pero, evidentemente, no es el que yo hubiera escrito en algunos aspectos y son los que trataré de descifrar.<br />
<i><b>... Hay un extranjero aquí. El extranjero se llama odio.</b></i><br />
La familia Pollit es un conglomerado alrededor del matrimonio formado por Sam y Henny, lo componen ellos mismos, los siete hijos, y familiares sirvientes que conviven temporalmente con ellos. Los miembros del grupo, todos y cada uno de ellos, están trazados con las pinceladas de la demencia. Si los personajes de las tres novelas se midieran en grados de insanía mental diríamos que Stead barre por goleada, no sólo los protagonistas principales, es que cualquier personaje del universo Pollit es un loco, y también un ser humano que trasluce su dolor. Sam es un dictador caprichoso y puritano cuya locura infantil tiñe de juego la existencia y con el juego se va hundiendo hasta niveles de miseria extremas, pero su tintura pinta sonrisas en las caras de casi todos sus hijos y con ellas va avanzando, éstos a medida que van creciendo le abandonan el afecto y buscan aire "sano". Los análisis sesudos sobre la novela y la autora fijan el personaje como el eco de la figura paterna de Christina, tal vez por ello es el personaje que más presencia tiene y el que menos habla interiormente, siempre hay mucho ruido y muchas palabras en su cabeza y en su boca, pero cuando cerramos el libro sentimos que es con el que menos hemos convivido.<br />
<i><b>... porque el Destino siempre le brindaba una lección, igual que el libro que cae abierto por una página específica, igual que el recorte de papel de periódico embarrado que arrastra el viento e incluso igual que el rótulo de una tienda podía contener un mensaje para él, porque para él el Mundo era sagrado y, cualquiera que fuese el mensaje, él no era de los que volvían la cara, sino que le sonreía, ya que pensaba que el Destino estaba de su parte.</b></i><br />
Un loco, un charlatán hueco, una figura externa que se nos narra desde fuera y esto no sucede con Henny, la madre-madrastra. La perturbación de Henrietta, en eso coincido con Felipe, es terrible, es una mujer terriblemente arisca, con un odio hacia casi todo y casi todos, empezando por ella misma. Un ser que despelleja con sus comentarios a cualquiera que se ponga a tiro pero que cuenta con la adoración incondicional de los hijos. .<i><b>...siempre haciendo cosas que para ella tenían un sentido muy privado. Era una bruja encantadora y desaseada. La bruja familiar.</b></i> La autora sí que nos permite vivir en la mente, en la intimidad más absoluta de Henny y con ello nuestra empatía es tendente al máximo, sufrimos con ella en su incapacidad para ver, para percibir con lucidez que el dolor de la locura es el verdadero dolor que padece. Ella le achaca a Sam todas sus desventuras, y a los niños, y a veces a ella misma, pero su mal es la intensa perturbación mental que padece. <br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-m9JBw_ApR1k/TvIe767tG3I/AAAAAAAAArs/O6j4Q2raM1g/s1600/fig1402.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="http://2.bp.blogspot.com/-m9JBw_ApR1k/TvIe767tG3I/AAAAAAAAArs/O6j4Q2raM1g/s400/fig1402.jpg" width="297" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Lulu o Christine, en melancolía</td></tr>
</tbody></table>
<i><b>... Hay una enferma entre estas paredes,</b></i><br />
<i><b>sé que está loca por las canciones que canta....</b></i><br />
Louie, Lulu, Lulunena y unos cuantos nombres más creados por su padre Sam, es la hijastra de Henny, la preadolescente que Christine fue en parte y la verdadera protagonista de la novela, su demencia es fruto del desquerer de su madrastra, madre la llama ella y de la progresiva aversión que le produce el mundo paterno. Es un personaje tan maravillosamente dibujado, tan terriblemente desdichado pero con el que se viven de forma intensa las contadas alegrías que le suceden en la existencia narrada. Reconozco que gran parte del mérito de la obra se lo adjudico a esta autorecreación que la escritora construye con tanto amor, la niña escritora, gruesa y desgarbada que sueña con ser actriz, sueña con ser dramaturga, sueña con no ser ella misma y el sueño se troca en delirio haciendo aparición la insanía. Louie escribe en una obra de teatro que le regala-escupe a Sam: <i><b>"Mi pecado es la soledad. Mi alegría también. Aunque es extraño que me sienta culpable en tu compañía."</b></i><br />
Y de nuevo nos encontramos una historia repleta de seres aquejados de soledad. Los domicilios de los Pollit están abarrotados y las palabras de los mayores y los juegos y risas y riñas de los menores llenan las horas y los sitios, pero el trío protagonista es un trío de personas cuya vida transcurre en soledad permanente, casi nunca hollada. Sam parlotea y parlotea mientras ve como su discurso resbala sobre las mujeres de la casa, vence por autoridad machista pero no convence, se sabe solo en el empeño de creerse un gran hombre y muchas veces discursea para oírse y paliar su inmensa soledad.<br />
<i><b>... sus bromas y sus nombres cómicos salían de su boca con restos de herrumbre.</b></i><br />
Henny, la señorita de buena familia venida a menos, y luego muy a menos, deambula por el libro sin apenas contacto con casi nadie, sola en su habitación tomando té tras té, sentada en su butaca haciendo solitarios, haciéndose trampas en sus solitarios, qué magnífica historia la de los juegos de cartas de Henny, no lo desvelaré para no restar el placer a los lectores de la novela pero al final de ese momento de naipes hay una escena en la que Henny da una de sus intermitentes muestras de lucidez y es muy bello. En la soledad de Henny hay colaboraciones externas, su progresiva ruina le conmina a endeudarse con todos y eso la aisla, el devenir de la familia le aleja de sus parientes y eso la encierra más. Henny es la soledad creada por su locura y por su realidad, y tantas veces nos damos cuenta de que en soledad es cuando es mejor articuladora de su existencia. <i><b>... La suya era una amabilidad malhumorada, en pugna con sus peores sentimientos. </b></i>Cuesta no amar a esa arpía huraña y esquiva, cuesta mucho. El aislamiento de Louie proviene del rol que Sam le otorga, es mujer y ya está dejando de ser niña y tiene que hacer las faenas de la casa, es hija suya y la maltrata para que Henny "tenga" que mimarla, es profunda y por ello debe ser espiada y controlada. Pero Louie encuentra en sus ensoñaciones alivio a la realidad, ya se sabe que el ensueño es sinónimo de soledad, en ningún momento encuentra con quien compartir su mirada hacia el futuro, con su amiga Grace hay atisbos pero no cuajan, Grace es demasiado "normal", con su adorada señorita Aiden el exceso de pasión crea una ilusión que se revela ficticia. Sola, solos en su devenir <i><b>... entre ellos no existían palabras inteligibles ...</b></i> y uno de los mayores logros de la obra son los destellos de complicidad y comprensión entre ellos que suceden de forma escasa pero suceden.<br />
<i><b>...Incluso pensaba con ira en sus hijos: estaban devorando, ni más ni menos, su propia carne, igual que cuando los amamantaba.</b></i><br />
Es preciosa la inserción al inicio del pensamiento de ese "incluso", Henny ama a sus hijos a su pesar, pero le repele la prisión que le construyen. Todos los Pollit son personas con un sentido familiar muy profundo, es la unidad social que les confiere sentido y personalidad, las relaciones fuera de ella son muy escasas y no mantienen ni una pequeña parte de la intensidad de las familiares. Unos y otros respiran en familia y son conscientes del ahogo que les comporta, tal vez el menos familiar sea Sam puesto que su voluntad de llenar la casa de hijos tiene un sentido más sectario que familiar, pero también es nadie fuera de ese entorno. Lulu, mi tesoro, solo tiene una objeción a la familia, quisiera que fuera otra donde sentirse hija y no marciana, en las temporadas que pasa con familiares se descubre menos propensa a su retraimiento y crece deseosa de ser algo más que el estorbo útil en el la convierten. Una vez más en los tres libros el concepto familia es el más potente y es en esta novela donde se muestra de forma más rotunda el inmenso poder destructor de esta unidad social. La estrechez de los lazos deviene mimbres de la soga donde asfixiarse y tan solo la luminosa y cantarina presencia de los seis menores aporta un hálito positivo al grupo. Christina-Lulu tan solo quiere que exista la parte cómplice y armoniosa, ambas saben de la otra.<br />
Ha sido un viaje impresionante por tres libros muy diferentes y con los que yo he querido "jugar" con sus similitudes tan solo como excusa para hablar de ellos y recomendarlos de forma encarecida. <br />
Antes de cerrar unos datos pertinentes:<br />
Paul Auster es el marido afortunado de Siri Hustvetd, el gran Octavio Paz es el conyugue privilegiado de Elena Garro y el, para mí desconocido, y William J. Blake es el marido ennoblecido por Christina Stead. Tres literatos de distinto fuste y de reconcimiento dispar, pero los tres podían decir en sus casa que la palabra era de ellas, el único que lo ha dicho es Paul Auster (de ahí descubrí a Siri) y el reconocimiento es para él aunque sea para indicar lo evidente.<br />
Todo cuanto amé está editado por Anagrama y fantásticamente traducido por Gian Castelli.<br />
Recuerdos del porvenir está editado por 451 editores y obviamente no está traducido.<br />
El hombre que amaba a los niños está editado por Pre-Textos, prologado por Felipe Benítez Reyes y impecablemente traducido por Silvia Barbero.<br />
Los tres se encuentran sin excesiva dificultad en las librerías ya que son ediciones recientes.<br />
Gracias Paul, Paz y Felipe</div>Hugo Enojohttp://www.blogger.com/profile/15712978877119647738noreply@blogger.com6Barcelona, España41.387917 2.169918741.292614 2.0119902 41.48322 2.3278472000000003tag:blogger.com,1999:blog-2459155305508967238.post-2865345830747929162011-12-15T01:01:00.000+01:002011-12-21T22:16:11.600+01:00Hijas de los intocables<div style="text-align: justify;">
Hace más de quinientos años aparecieron por los Pirineos unos exilados que eran descendientes de algunos de los habitantes expulsados, generaciones atrás, del Punjab y el Sinth. El colectivo pertenecía al pueblo Romà, que corresponde a la denominación culta de los gitanos, y se "integraban" en la casta inferior en el sistema hinduista, lo que es lo mismo que decir que estaban fueran del sistema de castas. Su "etiqueta" es la de intocables y no debe confundirnos la acepción occidental del término, los parias en el Indostán se pueden tocar sin ninguna dificultad, lo que pasa es que no debe hacerse porque son impuros, muestra de ello es que una de las actividades exclusivas y destinadas a ellos era la de encargarse de los excrementos de personas y animales con las manos desnudas.<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-PLCYSoMEl7g/TuuEZsdo2KI/AAAAAAAAApk/yEH-BW6U8Ng/s1600/musicians-of-the-romanes-006.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="240" src="http://2.bp.blogspot.com/-PLCYSoMEl7g/TuuEZsdo2KI/AAAAAAAAApk/yEH-BW6U8Ng/s400/musicians-of-the-romanes-006.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Cuerda y metal desde siempre, vagabundos desde hace unos tiempos</td></tr>
</tbody></table>
Las invasiones de los ejércitos del Islam en el siglo IX, y sobre todo la ocupación que realizan los ejercitos mogoles en el XII, los echan de forma casi definitiva de sus hogares en el actual Pakistán, y con ese éxodo se inicia el mito del gitano errante, ya que a pesar de su modo de vida inicial está dotado de una cultura doméstica sedentaria, los años en el camino los convierte en nómadas, y esta nueva circunstancia acaba convierténdose en un signo de identidad. Los sucesivos intentos de aposentarse en diferentes regiones del planeta fueron abortados y nuestros protagonistas finalizaron su periplo en Andalucía, estableciéndose allí de forma permanente. La historia de unos perdedores como estos no sería muy novedosa ni original, si no se diera la circunstancia de esa héjira indostaní formó una de las corrientes musicales más relevantes de la tierra. Este grupo de personas pusieron la semilla con sus cantos primigenios en el Flamenco, el arte de Camarón, Chacón o Mairena, por citar tres gargantas privilegiadas. Esto es lo que sostiene Anoushka Shankar y en la contraportada de su último disco Traveller (2011) nos da unas pinceladas sobre ello.<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://4.bp.blogspot.com/-eV4ApIakChY/TuuEsgMVR6I/AAAAAAAAAps/NSsME0HnL50/s1600/AS.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="http://4.bp.blogspot.com/-eV4ApIakChY/TuuEsgMVR6I/AAAAAAAAAps/NSsME0HnL50/s640/AS.jpg" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">La hermosura hecha sonido, cuerpo, tiempo, mensaje</td></tr>
</tbody></table>
Siempre he sentido que la música oriental, y en este caso, la india me
conectaba de forma muy precisa al planeta, no sé si será la diferencia
en la estructura tonal que es modal o a la antigüedad que avala sus
sones, pero lo cierto es que la afinidad personal con la música que emana el sitar fue instantánea, desde que
escuché el On the corner (1972) del maestro Davis con el sonido del
sitar eléctrico (en aquella época todo Miles era eléctrico) me quedé
enganchado para siempre, la primera noticia del sitar llegó de forma
masiva a occidente de la mano de George Harrison, en el 65 incluyó algúnos sonidos tocados por él en Norwegian wood, y con la figura de Ravi
como estandarte pero a mí esa procedencia me resultó sospechosa hasta
que supe desvincularla del guitarrista.<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://4.bp.blogspot.com/-8pr2JidCPNk/TuuFV7-LogI/AAAAAAAAAp0/P9W5X5ziQws/s1600/Miles+Davis%252C+On+the+corner.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="http://4.bp.blogspot.com/-8pr2JidCPNk/TuuFV7-LogI/AAAAAAAAAp0/P9W5X5ziQws/s320/Miles+Davis%252C+On+the+corner.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Bajo esta portada tan poco prometedora se encuentra mi primer sitar</td></tr>
</tbody></table>
El estallido de la música modal que llegaría con el Kind of blue (1959) ya había educado los oídos occidentales a esta "nueva" estructura musical de improvisación a partir de las escalas y con el acontecimiento que representó el concierto por Bangla Desh del donde participó el Pandit, ya había tocado en el Monterrey pop festival en el 67 y en Woodstock en el 69, en poco tiempo la música india y el sitar se convirtieron en presencias habituales, aunque nunca masivas, de los mercados occidentales.<br />
La querencia por la fusión es una constante en la trayectoria de la espléndida sitarista, formada por su padre, el mito del sitar por antonomasia, desde muy niña. Lleva la mitad de su vida (tiene 30 años) como músico profesional y el trabajo de este año es el sexto de su discografía, yo ya lo había incorporado hace un par de meses pero no lo había podido oir ni una vez, la sobrecarga de novedades, las escuchas para las entradas del blog y el azar lo habían impedido y cuando compramos las entradas para su concierto decidí dejar la primera escucha para después, con la intención de acudir a la presentación del álbum con los oídos "vírgenes" y así dejar que el directo me impactara sobre un lienzo sin ecos anteriores.<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-MokO9dJ2iGw/TuuFtJVlX_I/AAAAAAAAAp8/0i3vej9JzLQ/s1600/IMAG0103.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="238" src="http://1.bp.blogspot.com/-MokO9dJ2iGw/TuuFtJVlX_I/AAAAAAAAAp8/0i3vej9JzLQ/s400/IMAG0103.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">La entrada de la Pau Casals, dentro espera el estallido</td></tr>
</tbody></table>
Como decía la fusión musical forma parte del bagaje habitual que esta extraordinaria instyrumentista mantiene, tan solo en su primer trabajo, Anoushka (1998) y algo menos en el segundo Anourag (2000) se muestra como una música clásica india de corriente carnática. Esta impronta es deudora de la inmensa admiración que siente por su padre (el titulo de la biografía que escrive de Ravi es Bapi: The love of my life) y la constatación de que los largos años de adiestramiento han dado sus frutos, una muestras más de su saber hacer, antes de lanzarse a la heterodoxia se debe dar muestras de dominio de la ortodoxia más exigente. El camino de la fusión es constante pero tranquilo, los discos siguientes van incorporándola, en Rise (2005) se incorpora una solea y algún tema más occidentalizado, el Breathing under water (2007), quizás su disco menos excitante en su conjunto pero con algunos detalles fantásticos, el principal es el dueto de sitars con Ravi en Oceanic, partes una y dos, un tema precioso cantado por su hermana Norah Jones y la constatación definitiva de que un disco de Anoushka ya no va a ser nunca una muestra de música clásica india. Y llegamos al Traveller, una joya absoluta del "falso" mestizaje y el disco que presentó el día 13 en el Auditori.<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-fu-66HGYpK4/TuuF7tacC9I/AAAAAAAAAqE/GvgOtYDS2k0/s1600/IMAG0105.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="380" src="http://2.bp.blogspot.com/-fu-66HGYpK4/TuuF7tacC9I/AAAAAAAAAqE/GvgOtYDS2k0/s640/IMAG0105.jpg" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">No podían hacerse fotos, las prisas en la despedida no dan para más</td></tr>
</tbody></table>
El concierto constituyó una asombrada y feliz experiencia para MiMaría y para mí, de principio a fin se produjo de nuevo aquello que pasa en los grandes conciertos, la alegría de hacer música se desbordó del escenario y en las sonrientes caras del público se palpaba el goce. Para empezar estaba anunciada una actuación de una telonera, Sandra Carrasco, que presentaba su disco homónimo de reciente lanzamiento, y con una puntualidad perfecta salieron al escenario Melón Jiménez (guitarra) y el Piraña (cajón) para preceder a la cantaora.<br />
Sandra se presenta como un grupo que va a ofrecer una muestra de su disco y como ¡miembros del grupo de Anoushka!, Uau... La cosa promete y más cuando comprobamos la solvencia de los tres instrumentos, Sandra posee una voz profunda, con la amplitud de registro que exige el género y con el duende imprescindible, Israel, el Piraña, ama su cajón y es correspondido (qué imposible es hacer sonar este instrumento enlatado, en directo es un dios y en las grabaciones apenas se disfruta!) y Melón tiene los dedos prestos para el flamenco andalusí que nos ofrecen, tres canciones hermosas que se pasan en un suspiro, la felicidad en el rostro de mi pareja es el sello garante del éxito, aún no ha empezado lo que hemos venido a vivir y ya vivimos.<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-eroLNgZWHp4/TuuGPWYChXI/AAAAAAAAAqM/0IxrmHngeFY/s1600/IMAG0104.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="191" src="http://3.bp.blogspot.com/-eroLNgZWHp4/TuuGPWYChXI/AAAAAAAAAqM/0IxrmHngeFY/s320/IMAG0104.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">La luz sobre Anoushka</td></tr>
</tbody></table>
Apenas veinte minutos más tarde de la salida de los Carrasco, se ilumina el escenario y contemplamos los sitios dispuestos, en el centro el bellísimo insturmento protagonista, el sitar de Anoushka, a su derecha los isntrumentos de percusión que manejará Pirashanna Thevarajah y al otro lado los de viento y cuerda de Sanjeev Shankar con el shehnai destacando (a pesar de haber tocado también con Ravi no me consta que sean familia), también se observan un micro, el cajón y un espacio para el guitarra. Aparecen Pira y Sanjeev segundos antes que Anoushka. Entre el mitigar de los aplausos ésta se presenta y anuncia que va a interpretar dos ragas clásicas como inicio del recital.<br />
Suenan las dos piezas encadenadas y la magia se instala en la sala para no dejarla hasta el final, las ragas han sido muy dulces, casi intimistas, apenas algo de tabla (Mridangam)<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-SQA2neWu2gQ/TuuGoSN3FhI/AAAAAAAAAqU/w4EO8P-zbVc/s1600/mrigandam.JPG" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="158" src="http://3.bp.blogspot.com/-SQA2neWu2gQ/TuuGoSN3FhI/AAAAAAAAAqU/w4EO8P-zbVc/s320/mrigandam.JPG" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">El mridangam</td></tr>
</tbody></table>
y el dulce fondo de la tambura para acompañar el suave punteo de Anoushka. y a partir de ese momento se suceden las entradas y salidas de los músicos sobre el escenario, el recital inicia la parte de presentación del Traveller y se incorpora el trío de Sandra, los seis están un par de canciones en los que la voz de la Carrasco vuela sobre el sitar, Sanjeev nos alumbra con el maravilloso sonido del shehnai (la traducción del nombre de este característico instrumento es el de "flauta de los reyes" o "rey de la flauta", con eso ya queda dicho todo), el Piraña y Pira se calientan los dedos en el golpeo y Melón juega con Anoushka a los punteos y contrapunteos, el diálogo musical es muy fluido, no hay dos tipos de música, solo hay la belleza de los sonidos en armonía.<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-C4JlRoWTVxE/TuuG4nAxMGI/AAAAAAAAAqc/1xFAlOCjtmQ/s1600/shehnai_f.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="225" src="http://2.bp.blogspot.com/-C4JlRoWTVxE/TuuG4nAxMGI/AAAAAAAAAqc/1xFAlOCjtmQ/s400/shehnai_f.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Shehnai y tablas</td></tr>
</tbody></table>
Se van a descansar los indios y queda el sitar con el trío nacional, los sonidos se aflamencan y la Shankar demuestra que el punteo no es un tesoro exclusivo patrio, sus dedos surcan los trastes y la guitarra le responde con el rasgar alegre, música hermosa que brota de la tierra y que nos eleva, una y otra vez, vuelve Pira y nos ofrece unos pasajes de kanjira acompañadas del cajón y algún chasquido de platos. Cambios y más cambios, tan solo Anoushka permanece todo el tiempo sentada en el centro del escenario mientras se van produciendo casi todas las variaciones posibles, la guitarra suena oriental y el sitar flamenco, la voz de Sandra recita en salmodia de raga entre el metal de Sanjeev hace el contrapunto mediteráneo.<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://4.bp.blogspot.com/-wVgjlwCIxxc/TuuHmNS99VI/AAAAAAAAAqk/07LBeGgJvkI/s1600/kanjira%255B1%255D.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="240" src="http://4.bp.blogspot.com/-wVgjlwCIxxc/TuuHmNS99VI/AAAAAAAAAqk/07LBeGgJvkI/s320/kanjira%255B1%255D.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">La kanjira, hermana de nuestra pandereta</td></tr>
</tbody></table>
Un concierto con un breve intermedio para que descanse la hermosa india y que se evapora en un suspiro, hace nada que nos acomodábamos y ya está. Ya está?, el público se planta y exige un bis a pesar de que la actitud de la banda no hacía presagiar que lo hubiera, el recital tiene la forma conceptual alrededor del disco y ya había sido interpretado, pero Anoushka surge de nuevo para sonreirnos y soltar un gracioso: Uff Barselona!!! (que se podría taraducir por: "vaya energía que tenéis") y entonces nos dice que va a interpretar una de las ragas favoritas de su padre, pero, ¿quién sabe quién es mi padre? (risas de los que la entendemos y corteses aplausos de los que no), el cierre es impecable, una melancólica raga que nos deja en la noche, más felices y reconciliados con la vida.<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-4NaydGwiQ1M/TuuINJ2bL6I/AAAAAAAAAqs/rf7nfbdfdb0/s1600/NewNepal_scan_crop.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="http://2.bp.blogspot.com/-4NaydGwiQ1M/TuuINJ2bL6I/AAAAAAAAAqs/rf7nfbdfdb0/s1600/NewNepal_scan_crop.jpg" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Moorsings, con moneda para captar el tamaño</td></tr>
</tbody></table>
Llego a casa y me pongo a escribir la entrada mientras escucho por primera vez el Traveller, de entrada los créditos apabullan, el productor y uno de los guitarristas es Javier Limón (para indicar el nivel del muchacho es el que se encargó también del Lágrimas negras junto a Trueba), el otro guitarra en el Habichuela (lujazo), al piano y cocomponiendo la muy especial Bulería con Ricardo, Pedro Ricardo Miño, con las voces de Duquende y Concha Buika en otros cortes. La escucha me produce un efecto curioso, debido a las horas el volumen ha de ser tenue y el contraste con la música que tengo en la cabeza me hace posponer el recorrido por todo el disco para poder saborearlo en condiciones (de ahí el retraso de la entrada ya que quería colgarla la misma noche). La ocasión para ello llega al día siguiente y entonces puedo disfrutar sin limitaciones de la excepcional obra que firma Shankar.<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-5pDqhcBHRb8/TuwPF7H0BEI/AAAAAAAAArU/LE7Csbp76cY/s1600/ghatamsouthindian.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="200" src="http://3.bp.blogspot.com/-5pDqhcBHRb8/TuwPF7H0BEI/AAAAAAAAArU/LE7Csbp76cY/s200/ghatamsouthindian.jpg" width="188" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">El gatham, un sonido especial</td></tr>
</tbody></table>
Todo el disco es excelente, muy bueno y hay algunas piezas que son aún mejores, la ya mencionada Bulería con unos diálogos tremendamente vitales entre las cuerdas del piano y de la cítara (el sitar no es "otra" cosa que una cítara india) que no dan tregua al alma ni a los sentidos, el sentir que las palmas dan todo el conjunto es extaordinario. Antes de ese segundo track la rumbita indostaní Inside me que nos canta Sandra ya nos ha puesto en vereda, las cuerdas del sitar parecen de guitarra española y me hace recrear el elegante y veloz juego de dedos que disfruté la noche anterior, las manos de Anoushka jamás descansan, cuando no está recorriendo el mástil las ondula marcando los tiempos y en todo momento son un elemento más de la hermosura que ofrece.<br />
Sigue Krishna que presenta la vocalista Shubha Mudgal en el disco y al flautista Ajay Prasanna, ambos, sobre todo ella, reputadísimos instrumentistas en la India, la flauta de Ajay nos emboba mientras Shubha nos lleva a oriente, al oriente mítico y eterno, el tema está escrito por Ravi y musicado por su hija, los Shankar en la creación nos regalan un instante mágico.<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-44Sbeg94adw/TuuJKM_rIpI/AAAAAAAAAq0/13QaaSC6nNI/s1600/Anoushka+Shankar.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="640" src="http://3.bp.blogspot.com/-44Sbeg94adw/TuuJKM_rIpI/AAAAAAAAAq0/13QaaSC6nNI/s640/Anoushka+Shankar.jpg" width="632" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">esa mirada tan bella nos lleva de viaje</td></tr>
</tbody></table>
Pero el álbum no descansa ni decae, un poema de Amir Khusrau del siglo XIII, musicado por Javier y Anoushka nos permite disfrutar de la aportación de una voz de oro de todos los tiempos, Duquende, el apadrinado por Camarón y cantaor que Paco de Lucía se lleva a sus giras, el tema lo bordó Sandra en el Auditori pero Duquende nos hiere con esa letanía Farsi: Si no puedo verla, no puedo verla pensarla y soy feliz... La tempura de Kenji Ota acuna el melancólico y nervioso sitar, una joya brutal que se incrusta en la piel con desmesura. Dancin in the madness es un tema instrumental, sitar, mridangam, percusión del Pira y taconeo de Farruco con la danzarina de Bahrata Natyam Mythili Prakash, Anoushka percute las cuerdas y el cuerpo te pide perderse en un baile.<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-u0J7pinu2uc/TuuKXpt9B-I/AAAAAAAAAq8/8E1DGPAtDms/s1600/Shankar_A_2010_9362.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="213" src="http://2.bp.blogspot.com/-u0J7pinu2uc/TuuKXpt9B-I/AAAAAAAAAq8/8E1DGPAtDms/s320/Shankar_A_2010_9362.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Anoushka, Javier, Pepe (Copyright Bernardo Doral)</td></tr>
</tbody></table>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-DcSjtE3nN-o/TuuLqr8sMJI/AAAAAAAAArI/tvKEZ64TZ8g/s1600/Javier-Limon-apadrina-Sandra-Carrasco_TINIMA20111030_0227_5.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="179" src="http://1.bp.blogspot.com/-DcSjtE3nN-o/TuuLqr8sMJI/AAAAAAAAArI/tvKEZ64TZ8g/s320/Javier-Limon-apadrina-Sandra-Carrasco_TINIMA20111030_0227_5.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Otra mirada que nos lleva, Sandra nos embruja</td></tr>
</tbody></table>
Y aún estamos en el corte quinto!!! La calma llega con la belleza de un diálogo soñado, guitarra y sitar en el Boy meets girl, Habichuela encuentra a Anoushka, o se cita con ella, mejor dicho. Melón brilló en directo y el Habichuela deslumbra enlatado, uno respira y se estremece con la fiereza calma de las cuerdas en charla, el tema esta coescrito por ambos y es sencillamente perfecto. Me atrevería a decir que es donde más se logra la captura del espíritu de los intocables que fueron expulsados de las tierras, el sonido hiela la sangre por la perfección conseguida, casi se oye respirar a los intérpretes. La voz de Sandra nos arranca de nuevo en un tiempo medio: Yo no tengo una puerta donde llamar, yo no tengo... es Kanya y en ella brota el espléndido sonido del gatham, qué bien sonó en directo y que potente nos acompaña ahora. La pieza que da título al disco es otro instrumental rítmico donde al sitar le habla esa curiosa herramienta musical que en la India se conoce por moorsing y que yo siempre he asociado al Country. Ritmo para preceder a más ritmo, Sanjeev Chimalgi compone la música, junto a Javier y Anoushka Ishq, y canta un poema Farsi del siglo XV que nos vuelve a indostanizar entre tanpura y sitar. Un poema de la sitarista es la siguietne pieza, traducida por Javier le pone un regalo a la voz de otra experta en el mestizaje, Concha Buika, susurra y nos mece, la percusión de Pira, kanjira y gatham y la guitarra de Javier completan el grupo de compañeros del sitar. Bellísimo. Y llegamos a las dos piezas finales, una intensa raga, Bhairavi, con el trío básico: sitar, tabla y tanpura, ese escenario donde Shankar es emperatriz absoluta, pero se le nota el viaje hasta aquí y hay duende en los punteos, hay un cerrar el círculo, la mirada se ha enriquecido, el cielo está más cercano.<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-H0fLNHlMMxU/TuuLp-HdlRI/AAAAAAAAArE/3o87GGHpiU4/s1600/anoushkashankar_post.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="220" src="http://3.bp.blogspot.com/-H0fLNHlMMxU/TuuLp-HdlRI/AAAAAAAAArE/3o87GGHpiU4/s320/anoushkashankar_post.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Gracias hija de los intocables</td></tr>
</tbody></table>
La despedida es una enésima muestra de gusto exquisito. Lola's lullaby, una nana para poder dormir y seguir soñando en vivir en el mundo que Anoushka Shankar nos regala.<br />
<br />
Ayer las hijas de los intocables nos tocaron el alma desde los escenarios, hoy la hija del maestro nos cura.<br />
<br /></div>Hugo Enojohttp://www.blogger.com/profile/15712978877119647738noreply@blogger.com11Bengala, India21.1933075 -101.658076521.163698 -101.69755850000001 21.222917 -101.6185945tag:blogger.com,1999:blog-2459155305508967238.post-33455222098110056682011-12-09T23:25:00.000+01:002011-12-20T18:49:49.991+01:00El reggae en yídish<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-0jt5gZ9UFsw/TuOj-F9IjvI/AAAAAAAAApI/ymhiDDGQxFo/s1600/vs2z9c.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="http://3.bp.blogspot.com/-0jt5gZ9UFsw/TuOj-F9IjvI/AAAAAAAAApI/ymhiDDGQxFo/s400/vs2z9c.jpg" width="277" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Leni en sus fotos "antropológicas"</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
La música es la representación artística más transversal que yo pueda imaginar, su capacidad para conectar seres humanos de étnias, culturas, razas, países o edades diferentes, incluso antagónicas, está más que demostrada por numerosísmos ejemplos y casos. Hoy traigo uno de ellos, no muy grande ni muy espectacular pero sí muy personal.</div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://4.bp.blogspot.com/-WUC5lHxfMQ4/TuOj7ZBrIuI/AAAAAAAAAo0/fQX3z4VIpGI/s1600/leni+8.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="http://4.bp.blogspot.com/-WUC5lHxfMQ4/TuOj7ZBrIuI/AAAAAAAAAo0/fQX3z4VIpGI/s320/leni+8.jpg" width="217" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">La mirada de Leni</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
Mi aversión primaria a cualquier movimiento religioso es constante y muy conocida por mi círculo de habituales, desde hace décadas siento que el ordenamiento personal de la vida en base a unos preceptos impositivos y arbitrarios es absurdo, y que serían risibles en la mayoría de los casos, tanto las prohibiciones, si uno se fija se da cuenta al instante que una religión se distingue sobre todo por la cantidad de cosas que prohibe, como las obligaciones, que no deja de ser lo mismo, si no fuera porque existen miles de millones de seres humanos en todo el planeta que están sojuzgados, adocenados, limitados y perseguidos (algunos una de esas cosas, otros dos o tres o todas) a partir de estructuras sociales y políticas que se rigen por los catálogos de normas que emanan de religiones, y no estoy hablando sólamente de estados confesionales, que esos, siendo los peores nominalmente, no son más que unas muestras del poder de la religión en las vidas de los habitantes del planeta. </div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://4.bp.blogspot.com/-8Nt-Krg7hfY/TuOj6hLYAsI/AAAAAAAAAoo/ge7SxOPLskY/s1600/images.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="http://4.bp.blogspot.com/-8Nt-Krg7hfY/TuOj6hLYAsI/AAAAAAAAAoo/ge7SxOPLskY/s1600/images.jpg" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">belleza pura</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
Todo ello sirva de prólogo para dimensionar la tremenda paradoja que significa que hoy venga a contar acerca de un integrista religioso y a glosar sus logros musicales, sin importarme su adscripción ideológica. Un aforismo poco afortunado que he usado alguans veces en medio de algún debate sobre arte y artistas (y lo frecuente que es mezclar ambos conceptos a la hora de enjuiciar el valor de una obra) es que a mí nunca me importará si un artista le pega a su perro o desatiende a su familia, la frase es poco afortunada porque lo cierto es que me importa que cualquier persona lo haga, siempre me resulta criticable que un ser humano sea cruel o poco responsable con sus obligaciones, pero el sentido de la frase se refiere al nulo valor que aporta la biografía de un creador para el disfrute que su creación me pueda generar, o no. Un ejemplo paradigmático es el de Leni Rietfenstahl, la extraordinara directora que el nazismo usó para glorificar el fascismo alemán, en este caso ya no hablamos tan solo de vida privada (que tampoco debía ser muy edificante al estar rodeada de los jerifaltes del gobierno nazi) sino además del uso que su obra artística perseguía (y conseguía). Uno que es muy afortunado por muchas cosas ha tenido la suerte de poder ver algún trabajo cinematográfico de Leni y a partir de esa estimulante experiencia defiendo la independencia del arte frente al mensaje ideológico que emita o que provenga de su creador. Con ello no estoy asumiendo el "todo vale" y me negaré siemrpe a convivir con apologías, en cualquier forma artística, de la violencia o el terror, pero no es este el caso, la obra de la directora glorificaba una manera de concebir la cultura, no encumbraba el horror del exterminio. Sirva el ejemplo como límite y separación de conceptos.</div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://4.bp.blogspot.com/-zA6_-0AmHic/TuOj8JA8wCI/AAAAAAAAAo8/7gB6iwkdKh8/s1600/Matisyahu.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="206" src="http://4.bp.blogspot.com/-zA6_-0AmHic/TuOj8JA8wCI/AAAAAAAAAo8/7gB6iwkdKh8/s400/Matisyahu.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">A mi la imagen me da algo de miedo, es la verdad</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
Bien, Matthew Paul Miller no me consta que ejerza actividades censurables pero su fanatización religiosa me irrita profundamente, el cantante protagonista de esta entrada se cambió el nombre a su versión en hebreo y es conocido musicalmente como Matisyahu. El estadounidense proviene de una familia judía y no es de extrañar que siga la senda familiar, lo que sorprende un poco es el radicalismo con que lo ha hecho ya que antes de los veinte años, cuando cambia su nombre, se enrola en las filas del judaísmo jasídico que es una variante muy ortodoxa del mismo, en ese momento abandona una adolescencia algo alborotada y en brazos de la religiosidad aposenta su ritmo vital y profundiza en su conocimiento sobre el judaísmo. Seguramente esta entrada no existiría si la elección musical de Matisyahu hubiera sido otra y si no fuera tan bueno en ella, pero es que el chico es un gran músico y está dotado de algunas virtudes que trataré de describir.</div>
<div style="text-align: justify;">
Mi percepción sobre las corrientes musicales modernas sitúan a dos como las únicas con verdadera influencia en la historia de la música en el final del siglo XX, un siglo que ve como el Jazz y el Blues sientan las bases musicales de todos los demás estilos que van surgiendo y que en muchos casos son variantes menores de sus hermanos mayores, ¿Qué es el Rock and Roll si no un Blues agitado por el ritmo?. Pero tenemos que convenir en que el Reggae bebe de las mismas fuentes africanas que los dos estilos citados y no se emparenta con ellos desde los ancestros comunes. Cuando Clapton da a conocer al mundo a Bob Marley no es consciente de que está aportando una frescura fantástica al escenario musical de occidente, es obvio que a los jamaicanos no les descubre nada, ellos llevaban mucho tiempo disfrutando de ese tipo de música (de las pocas cosas de las que puede disfrutar la gente de esa depauperada y convulsa isla), sé que muchos estudiosos negarán el parangón que establezco porque ni su falta de complejidad, comparado con el Jazz, ni su aparente falta de hondura, comparado con el Blues, permiten situarlos en planos similares. No es mi postura, y estoy convencido de que la influencia del Reggae no dejará de crecer, ya tuvo sus estimulantes hijos en el Ska y el Dub y tendrá más, cuando el tiempo sitúe a las cosas en su medida se comprobará, tal vez en estos primeros años ha habido demasiados músicos devorados por la inmensa imagen del máximo divulgador, Marley y el mismo responsable de su crecimiento sea un elemento de freno para su expansión.</div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-PDyc4Vp80x0/TuOlhISicJI/AAAAAAAAApc/DIC-XNNah5c/s1600/The_Notorious_BIG.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="http://2.bp.blogspot.com/-PDyc4Vp80x0/TuOlhISicJI/AAAAAAAAApc/DIC-XNNah5c/s400/The_Notorious_BIG.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">La portada que contiene a Marley</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
La segunda explosión musical de finales de siglo ha sido otra bomba sónica de dimensiones planetarias, al tener procedencia USA ha gozado de un crecimiento mayor, hablo del Hip Hop. Desde que en 1986 Run MC regrabara con Aerosmith esa maravilla que es Walk this way y el planeta entero se encendiera con esa joya, el mercado del Rap no ha dejado de crecer, en estos tiempos encontramos rapeados en los discos más inesperados y no hay moderno que se precie que no incluya algún tema recitado en sus trabajos. La lista de megavendedores del género es interminable y de sobras conocida, cuando surge Eminem y demuestra que se puede ser blanco y tan auténtico como 2pac o 50 Cent la marea hiphopera ya es imparable. Los mercados nacionales más o menos marginales se abarrotan de MC indígenas que le gritan a todo lo que se mueve y convocan a legiones de adolescentes a sus recitales. Aunque podemos considerar que es un género sin las raíces profundas del Reggae tiene un sustrato cultural muy urbano que compensa esa ligereza histórica con un arraigo muy extendido, el cemento rapea como ninguna otra música de la segunda mitad del siglo XX.</div>
<div style="text-align: justify;">
Y desde que el gran Notorious B.I.G. sampleara a Marley en su escalofriante Hold ya head (con fragmentos de Johnny was) el producto estaba listo para que un rastafari lo explotara, Reggae rapero!, y por aquellas cosas de la vida, Matisyahu, que no es caribeño ni un habitante de la perfiferia urbana, se postula y lo logra. Seguro que hay miles de músicos que conjuntan los dos estilos pero el que lo populariza es él y ese es uno de sus méritos. El reggae que propone Matisyahu bebe de fuentes preMarley, surge el eco de las fuentes del género y suena muy auténtico, las bases son potentes y la enérgica voz del cantante nos arrastra una y otra vez por la senda de la cadencia caribeña. Y en el territorio del Hip hop abunda con cierta frecuencia, sobre los ritmos isleños, se arranca con mucha maestría con el fraseo rapero que le permite desgranar su mensaje místico y de fraternidad humana.</div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://2.bp.blogspot.com/-DpR3PqOdmvM/TuOj6C1lbUI/AAAAAAAAAok/r00fTqsIejI/s1600/arise.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="343" src="http://2.bp.blogspot.com/-DpR3PqOdmvM/TuOj6C1lbUI/AAAAAAAAAok/r00fTqsIejI/s400/arise.jpg" width="400" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
La carrera de Matisyahu arranca en 2004 con el sorprendente Shake Off the Dust... Arise y el mensaje explícito del álbum se ha mantenido hasta la fecha en toda su carrera, se escucha el disco y si no se tienen datos previos uno se sumerge en un torrente de ritmos jamaicanos negroides hasta la médula, se inicia con el soberbio Chop'em down, con ritmo casi Ska, y en la siguiente pista surge el ramalazo Yidish, una preciosa melodía mesopotámica que ningún integrista puede arrogarse como exclusiva, Tzama L Chol Nafshi (Psalm 63:2-3), el salmo explota nuestras venas más profundas hasta que, sin solución de continuidad el reggae se recobra en la tercera pista, fraseos raperos en su salsa y la alegría de los metales se instalan en nuestra cuerpo inquieto. No sé si había comentado ya la excelsa voz de Matthew, es un prodigio de cantante, tiene un amplio registro que le permite recorrer géneros diversos sin esfuerzo y, como es lógico, la preponderancia del mensaje habilita el potencial para contarnos sus cosas que pretende que sean las de todos. El hit del álbum es King without a crown y tan solo por el título uno se puede hacer una idea de lo que cuenta en él, no importa, nos aferramos a su ritmo diabólico (no creo que él aprobara el epíteto) y a su recitar perfecto, el disco sigue su camino y nosotros tan solo somos las víctimas propicias de su veneno. Un debut prodigioso de un músico muy peculiar. Ni que decir que los textos están llenos de amor universal hacia ese ser supremo que tanto confort le </div>
<div style="text-align: justify;">
posibilita: </div>
<div style="text-align: justify;">
So What's this feeling? My love could rip a hole through the ceiling </div>
<div style="text-align: justify;">
I give myself to you from the essence of my being </div>
<div style="text-align: justify;">
And I Sing to my god these songs of love and healing</div>
<div style="text-align: justify;">
I Want Mashiach now so it's time we start revealing</div>
<div style="text-align: justify;">
Ignoro quién es el tal Mashiach pero no me quita le sueño, música con un hálito religioso poderoso indudable que consigue que la carne se soliviante. ¿?</div>
<div style="text-align: justify;">
La carrera del chico sigue su ritmo solvente, afianza si ideología y exprime su talento en un gran, enorme disco, el título es coherente con sus 27 años y se llama Youth (2006). No podría decir que este segundo trabajo "oficial" (el músico tiene afición por los remixes y los directos y los va lanzando sin demasiada mesura) en estudio sea superior al primero, se podría decir que es la confirmación de la muestras de talento que rebosaban el Arise, la formación de su cuarteto base se mantiene y el sello musical que Matisyahu creó en 2004 se mantiene en todo su vigor, incluso se encuentra un punto elevado en cuanto a la energía desplegada, la base rítmica de los poderosos David y Werner están omnipresentes, como en todo trabajo de Reggae que merezca llamarse así, y pujantes. La voz es prodigiosa y los matices enriquecen cada rincón del disco. La fórmula ya no sorprende pero sigue enamorando sin medida, como mandan los cánones el disco arranca con un tema poderoso donde los haya Fire Of Heaven/Altar Of Earth, un reggae de tiempo medio con un diálogo espléndido y que sirve de preludio al riff destroyer que inicia una de sus canciones más famosas, el homónimo Youth con ese estribillo sedicioso: </div>
<div style="text-align: justify;">
Young man, control in your hand</div>
<div style="text-align: justify;">
Slam your fist on the table and make your demand</div>
<div style="text-align: justify;">
Take a stand</div>
<div style="text-align: justify;">
Fan a fire for the flame of the youth</div>
<div style="text-align: justify;">
Got the freedom to choose</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://1.bp.blogspot.com/-npzUi-e2dTw/TuOj-tYmgpI/AAAAAAAAApU/6Q6a_KZx09I/s1600/youth_cd.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="397" src="http://1.bp.blogspot.com/-npzUi-e2dTw/TuOj-tYmgpI/AAAAAAAAApU/6Q6a_KZx09I/s400/youth_cd.jpg" width="400" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
You better make the right move</div>
<div style="text-align: justify;">
Young man, the power's in your hand</div>
<div style="text-align: justify;">
Slam your fist on the table and make your demand</div>
<div style="text-align: justify;">
You gotta make the right move</div>
<div style="text-align: justify;">
... la letra sigue con Tienes la libertad en la mano, mejor tomas la decisión correcta!!! anda que no son terribles los ayatolahs!!!, te oyes a ti mismo hablando con tu hijo adolescente y una incipiente arcada te invade, no son las palabras, no es el sentido, es el determinismo que las impulsa lo que me asquea (quisiera saber menos inglés del poco que sé para no saber qué dice el iluminado este). Sea como sea el tema es una gozada y concita todos los ritmos que merodea Matthew. El diablo se viste de seductor o tal vez es su piel verdadera...</div>
<div style="text-align: justify;">
Las perlas en el álbum proliferan como granos en el racimo y hacen del Youth una experiencia imprescindible para cualquier amante de la música que merezca llamarse así, si el futuro no es global, que tiene todos los mimbres para que lo sea, trabajos así, lo reivindican. En él encontramos Dubs incendiarios (Dispatch the troops), Raps mesopotámicos (Indestructible, por favor, qué bases!!), instrumentales meditarráneos que podrían firmar cien pueblos distintos (Shalom/saalam), y baladas de un tipo que ha mamado del No woman no cry sin mesura (Unique is my dove).</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-WdymuC5DE1s/TuOj9NHwyiI/AAAAAAAAApE/EW3XpWliLp8/s1600/Matisyahu+LIGHT.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="http://3.bp.blogspot.com/-WdymuC5DE1s/TuOj9NHwyiI/AAAAAAAAApE/EW3XpWliLp8/s400/Matisyahu+LIGHT.jpg" width="400" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
La edición de este disco marca un punto de cierto cambio en la hoja de ruta del músico y esto de plasma en su, hasta la fecha, último trabajo de estudio, Light (2009). Hay renovación en la composición de la banda, hay incorporación de elementos más occidentales en los arreglos y mi percepción personal es que es el disco de madurez, si uno se fija en los títulos de los discos queda muy expresiva la trayectoria personal: Shake of the dust... Arise (el despertar), Youth (la conciencia), Light (la revelación). Es imposible desgajar el mensaje de la música que ofrece el de Pennsylvania, y por ello es baldío el pretender liberar su música del crecimiento musical del artista. Youth es otro disco excepcional que reparte goce a chorros, alguien puede añorar la pureza de su proclama juvenil pero no puede dejar de apreciar la soberbia ejecución del disco. La mano en la producción de Sly and Robbie se dejan notar y los que fueropn el bajo y batería de los Wailers tiene mucho que decir en cualquier disco y más si tiene en el Reggae su alcoba más amplia. Sin desmerecer el buen tema que es el primer single, One day, mis preferencias van hacia Escape, Darkness into the light, Silence, o a la estratosférica I will be light que hubiera firmado el mismo Marley. Si el trabajo hubiera inciporporado alguna de sus maravillosas incursiones en el mundo mesopotámico o mediterráneo sería perfecto, pero ese es un pensamiento que reside en el análisis y que en el fragor de la escucha no tiene cabida. Light.</div>
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A principio de este año se publicó su último disco, es un directo que retoma el Stubb, un local de Texas donde ya grabó un live en 2005 y que ahora ve su segunda parte. Las noticias son buenas, el tipo sigue vivo y amando sus nuevas con energía, esperaremos con el ánimo sereno, sabiendo que estamos eligiendo música, no delirios mesiánicos.</div>
<div style="text-align: justify;">
Releo la entrada y la encuentro aquejada de cierta dispersión inicial y afecta de más entusiasmo por el músico que quería dar a conocer, no queda otra que escucharlo para saber si he convencido. (la profusión de imágenes de Leni Rietfenstahl se debe a mi admiración por su obra).</div>Hugo Enojohttp://www.blogger.com/profile/15712978877119647738noreply@blogger.com16West Chester, Pensilvania, EEUU39.9606643 -75.605488239.948493299999996 -75.625229199999993 39.9728353 -75.5857472tag:blogger.com,1999:blog-2459155305508967238.post-78867484927763624272011-12-02T23:50:00.000+01:002011-12-05T13:51:01.149+01:00My Way<div style="text-align: justify;">
Llega diciembre, y es un mes muy lleno de tradiciones: las luces ornamentales en las calles, las compras navideñas, los menús para las fiestas en familia o de las que se disfrutan, las aglomeraciones de cabalgatas y demás fastos.... y las listas de resumen en prensa y, desde hace unos años, en los blogs. Alguien podría pensar distraidamente que no soy amante de las tradiciones, algunas me repelen profundamente pero otras no, si hay alguna cosa que me guste hacer o percibir no me importa que se auna tradición, y en el caso contrario tampoco. Y la tradición de las listas que glosan esa arraigada convención a la que llamamos año me parece muy divertida, como se nos acaba algo, que aún no sé exactamente que es, que tiene un número, en este caso 2011, resulta que tenemos que hacer un resumen con lo mejor, lo peor, lo más frekie o lo que sea. Si alguien se pone a navegar por blogs en un par de semanas se hartará de estas relaciones ponderadas, tal es así que hace un tiempo que en diciembre no se editan muchos discos para poder estar presentes en estas listas.</div>
<div style="text-align: justify;">
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-HnTUsnW4U-o/Tty1WsSH3dI/AAAAAAAAAnw/oejrt_2gRmg/s1600/muro+de+sonido.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="250" src="http://1.bp.blogspot.com/-HnTUsnW4U-o/Tty1WsSH3dI/AAAAAAAAAnw/oejrt_2gRmg/s400/muro+de+sonido.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">El origen de la idea de entrada</td></tr>
</tbody></table>
Mi lista es atemporal, no se ve encorsetada por ninguna cifra, y contiene un grupo de canciones que en USA son llamadas covers, o sea, versiones. Para estar catalogada como Cover tiene que ser que la interprete un artista o grupo que tenga canciones propias, escritas por ellos o escritas para ellos y que sea un tema de otro autor, preferiblemente conocido y reconocido. La idea de hacer una entrada de este tipo no es nada original, es más, la tuve al leer una bastante buena ( <a href="http://blogs.elpais.com/muro-de-sonido/2011/09/la-version-como-propuesta.html">http://blogs.elpais.com/muro-de-sonido/2011/09/la-version-como-propuesta.html</a> ) de uno de los blogs que sigo habitualmente, pero ya había visto unas cuantas con este guión. La historia de la música es coincidente y consustancial a la de las versiones, si hilamos fino podemos considerar que el mismo autor realiza una cuando interpreta una canción que ha compuesto en el pasado, reciente o lejano, no es el mismo tipo que la compuso, la vida le ha aportado elementos que lo hacen un ser humano diferente y en la recreación de la obra existe un componente de versión indudable, los "artistas" que calcan sus actuaciones en directo con clones de sus obras enlatadas son los peores y por tanto no los tendremos en cuenta para afirmar que cualquier actuación en directo es una sucesión de covers. Vamos ya con la lista.</div>
<div style="text-align: justify;">
<b>MY WAY</b>. Sid Vicious (1978) le toma el pelo a Frank Sinatra y versionea una versión. La elección de esta pieza en primer lugar era bastante fácil, tiene todos los elementos para ello. Es la canción más versionada de la historia (si non é vero é ben trovato), en una fuente que no puede calificarse de rigurosa pero sí de contrastada como es la Wikipedia, se referencian cien músicos que la han grabado, para curiosos dirigirse a la página porque algunso integrantes de la lista son bastante graciosos, seguro que existen algunos más pero con esa cifra ya nos basta.<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-_BkNbAMYuI4/Tty1araYMuI/AAAAAAAAAoU/7UVfiIP_xuk/s1600/sid.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="240" src="http://2.bp.blogspot.com/-_BkNbAMYuI4/Tty1araYMuI/AAAAAAAAAoU/7UVfiIP_xuk/s400/sid.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Sid y Frank, dos jóvenes que cantan "a su manera"</td></tr>
</tbody></table>
Por si ello no fuera poco la versión es una versión de una versión de una canción francesa de la que toma la melodía. Paul Anka usó la música de Comme d'habitude, de Claude François y Jacques Revaux, para musicar una letra propia, Sinatra la grabó antes que Anka y por eso se le adjudica normalmente a La Voz, pero ya estaba haciendo un cover. Nueve años más tarde el travieso Vicious le realiza un espléndido homenaje en forma de arma de destrucción masiva, el video con una supuesta interpretación en vivo del tema se hizo muy famoso, sobre todo después de la muerte de Sid, y marcó con estruendo el estallido de la burbuja del Punk, ese movimiento tan simpático que recuperó la energía para la música Rock. Ambas versiones, la de Frank y la de Sid son extraordinarias, contrapuestas como pocas interpretaciones de una misma música. La exhibición vocal y musical que hace Sinatra, algo engolada en arreglos la primera versión corre por ahí alguna más jazzera muy interesante, frente a el Kalashnikov de Vicious armado de gritos y ruido. Ya se sabe, una canción que se llama "my way", ¿cómo se va a cantar?, pues a la manera de cada uno.</div>
<div style="text-align: justify;">
<b>AUTUMN LEAVES</b>. Miles Davis enmienda la plana a todos los que le niegan su clasicismo. Esta es otra pieza que procede de una versión del original. Les feuilles mortes (1945) es una canción de Joseph Kosma con letra de Jacques Prevert y que Johnny Mercer convierte en 1947 en una pieza que se incorporaría al catálogo de estándares del Jazz. La lista de todos los que la han interpretado es también muy extensa, destacan Duke Ellington, Nat King Cole, Edith Piaf, Yves Montand (original francesa), Chick Corea, Cassandra Wilson, Frank Sinatra, Keith Jarret y un largo etcétera que llega hasta la "milagrosa" Susan Boyle en 2011.<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-4OQXpfbfTfY/Tty1VvIsznI/AAAAAAAAAno/4wVfH4KAiLA/s1600/Miles_Davis__John_Coltrane_500x500.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="http://1.bp.blogspot.com/-4OQXpfbfTfY/Tty1VvIsznI/AAAAAAAAAno/4wVfH4KAiLA/s400/Miles_Davis__John_Coltrane_500x500.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Trane y Davis sonando otoñales</td></tr>
</tbody></table>
Todos ellos muy aplicados y extrayendo de la hermosa e intensa melancolía de la balada grandes momentos musicales. Pero es el dios de la trompeta, el maestro Miles el que la ha hecho una canción grandiosa, desde que la grabó en la década de los 50 en la época Blue Note, con Canonball o Trane, la incorporó a su repertorio habitual tocándola hasta el final de su carrera. No puedo elegir "la mejor" entre las veinte versiones que tengo, y por ello recomiendo cualquiera de las que Miles grabó, la que está en el Somethin' Else con Adderley es una buena muestra porque ambos metales están a una altura magnífica y como ejemplo del Davis más Cool es insuperable. Cuando la trompeta suena en este tema nos econtramos el sonido de viento más Davis que pueda imaginarse en su vertiente más ortodoxa, sentida y luminosa, con la luz del otoño que nos deja.</div>
<div style="text-align: justify;">
<b>HALLELUJAH</b>. El poeta canadiense es respondido desde varios flancos. Leonard Cohen escribió en 1984 esta obra maestra del lirismo interior, una críptica salmodia que ha cautivado a cantantes de todo el planeta y que el propio Cohen ha retocado a lo largo de los años (versiones del mismo autor), mi predilecta es la que está en el directo Live in London (2010), disco rerecomendable por todas sus canciones, en la que la voz cazallosa y vivida de Leonard nos hechiza sin remedio. Lo mismo deben pensar Jeff Buckley (Grace 1994), Jonn Cale (BBC sessions 2003), Nick Cave (No more shall we part 2001), K.D. Lang (Hymns of the 49th parallel) o Allison Crowe (Tidings 2003) y unos cuantos más.<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-RQ452aVVrZ4/Tty1Pb7qEWI/AAAAAAAAAnM/1uU8ClyO6sI/s1600/12714NickCave.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="179" src="http://3.bp.blogspot.com/-RQ452aVVrZ4/Tty1Pb7qEWI/AAAAAAAAAnM/1uU8ClyO6sI/s640/12714NickCave.jpg" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Nick, John, Jeff, Allison. Un ángel con tres diablos, cuatro voces en homenaje, un tema único</td></tr>
</tbody></table>
Lo curioso de este cover es que el altísimo nivel de las versiones la equipara al original, las voces y sensibilidades de Buckley, Cale, Cave o Lang convierten la escucha de cualquiera de ellas en un pensamiento automático de que esa es la mejor... hasta escuchar cualquiera de las otras, Cohen incluido. Buckley es desgarrado desde esa bellísima voz que tenía, Cale es el hombre culto que habla con un dios desconocido y dota al tema de una trascendencia hermosa, Cave es el ogro amable que con la voz grave, el tono profundo, nos traslada a un mundo personal de belleza sombría. Y Lang es tan buena cantante que convierte en joyas todo lo que toca, sin salirse del esquema de la canción de Cohen consigue femineizarla y trocarla en presente delicado. Frente a todos ellos Leonard nos desgrana su poema y su historia, sus conflictos religiosos y personales en un aleluya desesperanzado. Una gran canción para unos grandes cantantes.</div>
<div style="text-align: justify;">
<b>EVERYBODY'S TALKIN</b>'. John Schelsinger le da a Harry Nilsson el mayor éxito de su carrera, a costa de un tema de Fred Neil. La historia de esta canción también es algo curiosa, doy por supuesto que es la más conocida de las citadas hasta ahora, el director de Midnight Cowboy (1969) estaba buscando un tema central para la banda sonora de la película, Nilsson era un artista emergente después de las buenas críticas de su disco anterior y cuando lanzó el Aerial Ballet (1968) fue fichado por Schlesinger para ser el intérprete del tema. La canción que sería elegida había tenido un éxito relativo en USA pero Schlesinger, un director con bastante buen gusto, la eligió en detrimento de la propuesta del mismo Nilsson, el tema de su estupendo Harry (1969) I Guess the Lord Must Be in New York City, y la pieza se convirtió inmediatamente en un éxito mundial. Hoy en día cualquiera que la oiga dice inmediatamente, el tema de Midnight Cowboy con una expresión de añoranza risueña.<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-Cnj271WMsts/Tty1U1A9X1I/AAAAAAAAAnk/mE7aXfYf7Tg/s1600/Midnight_Cowboy__1969_.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="235" src="http://3.bp.blogspot.com/-Cnj271WMsts/Tty1U1A9X1I/AAAAAAAAAnk/mE7aXfYf7Tg/s400/Midnight_Cowboy__1969_.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">El tema de Midnight Cowboy, el sentir de Nilsson en versión</td></tr>
</tbody></table>
Es otro cover multiinterpretado por más de cien artistas de todos los estilos, para muestra cito unos cuantos que también son recomendables: Louis Armstrong, Chet Atkins, The Beach Boys, Tony Bennett , Jimmy Buffett, Crosby, Stills & Nash, Neil Diamond,
Arlo Guthrie, Percy Faith, The Four Tops, Emmylou Harris , Lena Horne , Engelbert Humperdinck, Liza Minnelli, Jesse Malin, Willie Nelson, Zucchero, Madeleine
Peyroux, Bobby Womack,
Stevie Wonder, Crowded House, y Van Morrison. Nilsson es uno de los fijos en la música Pachanga, este tema y su Without you, que es otro cover famosísimo (Badfinger), pertenecen sin duda al género y son éxitos garantizados en cualquier fiesta.<br />
<b>BILLIE JEAN</b>. Los riffs funky de Michael Jackson se convierten en una balada poderosa de Chris Cornell. En 1982 el cantante exnegro lanza el disco record Thriller, un álbum que es el único que ha conseguido hacer de todos sus singles (7) un número uno en ventas y que es el disco más vendido de la historia, no sería yo mismo si compartiera esta entusiasta valoración que el público del planeta le ha dado al disco, pienso que es un disco menor de un artista menor y, además, un trabajo bastante inferior que su precedente Off the wall (1979), no obstante este tema me enganchó desde su salida al mercado y cuando supe que Cornell lo había versioneado me entraron serias dudas, oírla y esfumarse éstas fue una sola cosa, la propuesta del cantante es maravillosa y captura rotundamente el sentido que tiene el hacer una versión, la reinventa, extrae de ella los elementos con los que se identifica y crea un tema nuevo.<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-yvEhwswrTMs/Tty1R6ZD8DI/AAAAAAAAAnU/8CnlFKN-4XY/s1600/Chris%252BCornell.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="228" src="http://3.bp.blogspot.com/-yvEhwswrTMs/Tty1R6ZD8DI/AAAAAAAAAnU/8CnlFKN-4XY/s400/Chris%252BCornell.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Uno de los dos es como más natural... ¿no?</td></tr>
</tbody></table>
La maravillosa voz del ex de Soundgarden y actual líder de Audioslave se pasea por Billie Jean con la solvencia de un propietario, nos seduce desde el desgarro y se permite el lujo de estar, como mínimo, a la altura del original. Mi relación con Cornell es de simpatía absoluta, es el tipo, junto con el Pearl Jam Eddie Vedder, que personifican el talento del Grunge, muy por encima de los sobrevalorados Nirvana con Cobain al frente, cuando surge el movimiento en Seattle y los dos participan el el fantástico Temple of the dog (1991) me quedo rendido a ellos para siempre, el tiempo ha consolidado la relación y siempre están en mis escuchas necesitadas de voces roncas. En Billie Jean Chris lo borda y por ello está aquí. Otra pieza que cuenta con versiones varias que van desde Caetano Veloso al Hiphoper LL Cool, cada cual que elija la suya, la mía ya está muy clara: CC forever.</div>
<div style="text-align: justify;">
<b>RESPECT</b>. La niña Aretha se sube a las barbas del maestro Otis Redding. Estamos en 1967 y la poderosa cantante negra está harta de ser una niña prodigio del Jazz, la voz de Aretha es una muestra de su carácter y decide tomar con fuerza las riendas de su carrera, ella se siente una cantante Soul, ese género que los grandes músicos negros han regalado a nuestros aparatos locomotores, y graba I never loved a man the way I loved you, un álbum mítico donde los haya. El disco se abre con la locomotora a todo trapo que es Respect, "What do you want" nos escupe la Franklin en la cara y a partir de ahí nada vuelve a ser igual, el cuerpo toma vida propia y no nos permite un respiro, la canción es buenísima en un álbum perfecto, como no podía ser de otra manera es un éxito instantáneo y la industria le "permite" a la cantante ser la dama del Soul sin más reparos.<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-Pt3p2U53Ejc/Tty1Xjp392I/AAAAAAAAAn8/9mrOJXbB2dY/s1600/Otis_Redding.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="268" src="http://3.bp.blogspot.com/-Pt3p2U53Ejc/Tty1Xjp392I/AAAAAAAAAn8/9mrOJXbB2dY/s400/Otis_Redding.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Que te estoy preguntando ¿Qué quieres??? Dos grandes</td></tr>
</tbody></table>
Una de mis carencias sin resolver en esta vida es el no haber podido ver a esa Aretha en directo, su personalidad arrolladora y profunda expresada con esa voz, debía ser un espectáculo único y maravilloso. Otis había escrito la canción un par de años antes y la convirtió en un moderado éxito, muy lejos de su famosísimo Sittin' on the dock off the bay y a pesar de mi admiración por el prematuramente fallecido cantante, la chica le gana la partida y en parte por la muerte de Redding en el mismo año en que Aretha lanza su cover, pero sobre todo por la mayor fuerza de la versión frente al Folksoul del creador, el tema ha "quedado" con una de las grandes canciones de Aretha Franklin, demos a cada cual lo suyo y respetemos la autoría de quien la tiene. Otro Pachanga triunfal que lleva fiesteros a la pista como domingueros al merendero en un día de verano. Un clásico del Soul como este no puede dejar de oírse en las voces de: Ike and Tina, Mamma Cass, Janis Joplin o los Dexis Midnight Runners.</div>
<div style="text-align: justify;">
<b>WITH A LITTLE HELP FROM MY FRIENDS</b>. Una vez más el aguardiente noquea al caramelo. Sabido es por los lectores de este blog y por mi círculo de conocidos y amigos que no simpatizo excesivamente con los multisobrevalorados Beatles, los chicos de Liverpool eran unos magníficos compositores, sobre todo Lennon y unos "moñas" de cuidado como intérpretes y arreglistas (esas cuerdas babosas de Yesterday por favor!!!), su Pop blandengue siempre me ha repetido en la digestión y la admiración que despiertan en amplios sectores de la población mundial me crispa casi como la que le profesan a Steve Jobs, pero como comentaba, me parecen muy buenas algunas sus composiciones, no buenas, muy buenas y tiene que llegar los músicos de verdad, los que llevan la música cosida en la piel con las agujas de mucha calle, para revelar el tesoro que las piezas contienen.<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-yD2ATna9dZs/Tty1Tn4vL5I/AAAAAAAAAnc/j0tHwVcvpbQ/s1600/joe_cocker_en_woodstock1288889147.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="240" src="http://2.bp.blogspot.com/-yD2ATna9dZs/Tty1Tn4vL5I/AAAAAAAAAnc/j0tHwVcvpbQ/s640/joe_cocker_en_woodstock1288889147.jpg" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Joe en Woodstock y los otros (que yo haya acabado colgando una foto suya.... tiene delito)</td></tr>
</tbody></table>
Una de las canciones que representan con más fuerza esta idea es la que Joe Cocker llora con tanta fuerza y que el mundo descubre en Woodstock. With a little help from my friends en manos de Cocker es una desgarrada balada en la que nos riega el alma de sentimiento como unos pocos saben, si además se lleva de guitarra solista al monstruo Jimmy Page, cuyo poderoso punteo abre la versión, la ecuación sale perfecta, la comparación de ambas versiones es sonrojante para las cucarachas, allá donde Lennon pone arreglitos que suenan tan feos como una mesita camilla de fórmica, el de Sheffield nos ofrece Soul intenso y potente, el Hammond en el fondo, los coros y las guitarras quemando, un KO desde el primer segundo en la no batalla. Lo peor que se puede extraer de todo ello es que el bueno de Cocker se quedó colgado del disco homónimo de 1969, durante el resto de su carrera solo ha hecho que repetir la fórmula original, pero queriendo ser lo mismo ya no ha sido nunca lo mismo, sus versiones en ese disco del Bye Bye Blackbird, los Dylan Just like a woman y I shall be released o Don't let me be missunderstood son irrepetibles y me quedo para siempre con ese Joe, pletórico y vibrante, triste y feroz. Hablar de versiones de una canción de los Beatles es ocioso, cada uno de sus éxitos ha sido, es y será cantado por multitud de músicos, muchos por chupar del tirón comercial que aún tienen y algunos por saber ver el valor de las canciones, pero ESTA es la versión que quería comentar.<br />
<b>STARWAY TO HEAVEN</b>. Algún lector pensará que me he chalado de repente, poner una versión de un tema de los dioses "zepelinos" como remarcable!!! Y lo cierto es que es la única que merece la pena y de manos de un héroe personal que jamás he podido compartir en las diferentes casas en las que he vivido. Frank Zappa es el culpable de todo ello y uno de los pocos capaces de acometer una herejía semejante. Led Zeppelin es una de las mejores bandas de Rock de todos los tiempos y tienen el respeto de todo el mundo y la admiración de millones y millones de amantes de la música de múltiples extracciones culturales, son una referencia artística de las dos décadas finales del siglo XX y cuando de habla de ellos uno está tentado de ponerse de pie. Son muy grandes y con sus canciones no se juega (a pesar de algunos insensatos que lo han hecho con un resultado desastroso). Pero Frank Vincent Zappa no es un artista cualquiera, estoy hablando de un músico excepcional con un extraordinario talento como compositor, que fue un brillantísimo guitarrista y con un desmesurado sentido del humor.<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-jXI9Sgjl6G0/Tty1Y2tdHrI/AAAAAAAAAoE/3jxv9xf1P10/s1600/plant-page.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="230" src="http://2.bp.blogspot.com/-jXI9Sgjl6G0/Tty1Y2tdHrI/AAAAAAAAAoE/3jxv9xf1P10/s640/plant-page.jpg" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">La pareja de monstruos del Rock y el chico simpático que se ríe de todo. Musica de músicos</td></tr>
</tbody></table>
La combinación de esas tres cualidades generó una prolífica carrera con más de ochenta discos muy buenos durante algo más de treinta años, en mi discografía los tengo etiquetados en el género Rock pero es imposible encuadrar a ese genio desde ningún punto de vista, el Rock, el Jazz, Contemporánea, Blues y Clásica se encuentran con mayor o menor profusión en sus discos, en el doble en directo que contiene este fantástico cover, el The best band you never heard in your life (1991) nos podemos encontrar a Clapton (Sunshine of your love), a Nino Rota (Godfather II) o el tema de Bonanza por poner tres ejemplos. Irreverente, ocurrente e independiente, el músico que durante muchos años se presentó como candidato a la presidencia de los USA es alguien al que amas o detestas, pero jamás te será indiferente. Su versión es típica de su visión de la vida y de la música, a ratos chistosa, a ratos potente, a ratos descarada y en todo momento un pedazo de pieza que fascina, consigue que te olvides del sonido de la guitarra de Page para que disfrutes de la suya y eso es lo que le da méritos para encontrarse aquí. Siempre tengo la sensación de que no escucho a Zappa todo lo que debería pero MiMaría lo considera casposo y cada vez que suena me mira asombrada de que pueda gustarme algo así, y como tengo la sana costumbre de llevarme bien con ella no suena casi nunca en casa, no obstante algún día habrá en este blog una entrada exclusiva de Frank, le pese a quien le pese.<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://4.bp.blogspot.com/-29RzlGiGoKs/TtxFgfVpJyI/AAAAAAAAAm0/EtUDhv8gToA/s1600/RS_StickyF-Esp71.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="http://4.bp.blogspot.com/-29RzlGiGoKs/TtxFgfVpJyI/AAAAAAAAAm0/EtUDhv8gToA/s320/RS_StickyF-Esp71.jpg" width="318" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">La portada española</td></tr>
</tbody></table>
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-84_LS2UeuVI/Tty1ZmgwuEI/AAAAAAAAAoI/2vJvr7dFBAk/s1600/RyanAdamsACL.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="320" src="http://3.bp.blogspot.com/-84_LS2UeuVI/Tty1ZmgwuEI/AAAAAAAAAoI/2vJvr7dFBAk/s320/RyanAdamsACL.jpg" width="209" /></a><b>BROWN SUGAR</b>. ¿Por qué me gustarán tanto las conversiones en balada de temas poderosos?. Cuando hablamos de esta canción estamos visitando uno de los mejores discos de una banda mítica donde las haya, si el Rock tiene unos iconos universales no son otros que los Stones, la banda de Keith Richards, donde canta un tal Jagger, personifica como ninguna otra la esencia del sex, and drugs and rock and roll, la rebeldía permanente y el descontrol. It's only rock and roll but I liked. El tema abre el Sticky fingers (1971) y lo sitúa en un nivel que no decae en todo el disco, su versión del Delta blues de McDowell y Davis, You gotta move es estremecedora y Sister morphine (censuarada en la edición española del franquismo, igual que la portada de Warhol) soberbia, un disco referencial que se abre con esa obra maestra que nos habla de la perturbadora atracción que provoca una belleza negra sureña y que Jagger canta de manera tan viciosa como sabe.<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-f0H8RQRcr3A/Tty8dLBcu1I/AAAAAAAAAoc/z65HSsapv_c/s1600/sticky-fingers1.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="http://2.bp.blogspot.com/-f0H8RQRcr3A/Tty8dLBcu1I/AAAAAAAAAoc/z65HSsapv_c/s320/sticky-fingers1.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">El "paquete" pringoso que se censuró</td></tr>
</tbody></table>
Pero estamos en una entrada que glosa versiones que amo y la de esta canción está en el catálogo del soberbio Ryan Adams (por favor, no es Brian, ese es un baboso baladista, que solo cabe como recurso Pachanga en momentos no inspirados), el cantante ya ha aparecido alguna vez en este blog porque le tengo mucha consideración y podría salir más en breve si cumpliera con el ritual blogero, que no voy a cumplir, de hacer una entrada con los mejores discos del año, su Ashes and fire (2011) es uno de los mejores discos que he escuchado este año. El cantautor no es muy aficionado a versionar, es un gran escritor de canciones y de ellas se nutre, pero el tema de los Stones le tienta y lo interpreta en directo, yo lo conozco del bootleg Live in Amsterdam (2002) donde se despacha con una sentida y quejumbrosa recreación del amor imposible por la chica. la voz de Ryan es perfecta para ello y nos destripa sin solución. Una combinación preciosa, los gamberros cantados por el perdido Adams.<br />
El post podría acabar aquí, ya he comentado los covers que me apetecía, huelga decir que la lista de los que tengo en la cabeza que también podrían haber entrado cuatriplica sin esfuerzo el numero de reseñados. Pero no puedo cerrar sin destacar que el Cover se ha convertido desde hace mucho en un género de discos en forma de homenaje, cojo las canciones de un famoso, llamo a los artistas de mi discográfica, les monto unas sesioncitas de estudio y tengo un disco barato que seguro que vende.<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://4.bp.blogspot.com/-1CJ_DliNPpo/Tty1NhUsahI/AAAAAAAAAm8/OA5BzTh742c/s1600/6a00d83451f25369e201156f596e25970c-800wi.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="301" src="http://4.bp.blogspot.com/-1CJ_DliNPpo/Tty1NhUsahI/AAAAAAAAAm8/OA5BzTh742c/s400/6a00d83451f25369e201156f596e25970c-800wi.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">El poeta dando aleluyas, el resto de artistas disfrutando</td></tr>
</tbody></table>
La lista de artistas que tiene uno es eterna, desde los Beatles a Sabina están casi todos, la mayoría son trabajos hechos sin el mínimo de atención que merece el autor versioneado y es ocioso glosarlos.<br />
Me limitaré a destacar el caso del cantautor Cohen porque tiene cuatro diferentes y todos muy buenos, donde la admiración de los músicos que participan por el autor se palpa en cada track, ya he comentado en el párrafo de Hallellujah la admiración que el canadiense despierta entre sus compañeros de profesión. Cohen covered (2007), I'm your fan (1991), Tower of song (1995) y Tribute - I'm your man (2006), en ellos más de sesenta músicos destilando respeto y oficio, cantando temas que aman y que en muchos casos interpretan en directo de forma habitual. Una maravilla de pack.<br />
Finalmente traigo una aportación de Antonio, que ya "nos" descubrió las Lullabies, no hace mucho me recomendó Playing for change. Esta denominación corresponde a un proyecto de otro productor (como Erik) que quiere financiar el proyecto solidario de su fundación, para la construcción de escuelas en países subdesarrollados y que se basa en salir a la calle y grabar las versiones de temas famosos de anónimos viandantes.<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-ZIWF2zOXpos/Tty1OFXwEoI/AAAAAAAAAnA/5k5XtkUvu0M/s1600/500px-Playing_For_Change_logo.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="240" src="http://1.bp.blogspot.com/-ZIWF2zOXpos/Tty1OFXwEoI/AAAAAAAAAnA/5k5XtkUvu0M/s320/500px-Playing_For_Change_logo.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">El logo de Playing for change</td></tr>
</tbody></table>
O sea, un disco puro de covers y dos, ya van por el segundo, maravillas de frescura y afinidad con la pieza interpretada. El repertorio incluye el estándar Stand by me, temas de Marley, Peter Gabriel, Dylan o Lennon, y el nivel de lo grabado es excelente. Sorprende la enorme calidad de algunos vocalistas Existen versiones en disco y en DVD y lo recomiendo doblemente, por el impulso que los inspira y por la calidad del trabajo.<br />
Diciembre prosigue su marcha y ya me he quitado de encima la "obligación de hacer una lista resumen". Lo he hecho en el convencimiento de que cada vez que un tema pasa de una garganta a otra existe la posibilidad de que surja la magia, he intentado recoger algunas de estas ocasiones en las que sucede.</div>Hugo Enojohttp://www.blogger.com/profile/15712978877119647738noreply@blogger.com4Barcelona, España41.387917 2.169918741.292614 2.0119902 41.48322 2.3278472000000003tag:blogger.com,1999:blog-2459155305508967238.post-36100833405432274602011-11-29T13:03:00.001+01:002011-11-30T10:16:37.190+01:00El puño como ofrenda<div style="text-align: justify;">
Este es un blog bastante lúdico, muy hedonista y pretende ser amable, como mínimo por la parte que represento, de la otra aún no tenemos noticias pero no hay que desesperar, algún día las habrá. Y por ello mis entradas son sobre el placer, creo que se podría etiquetar así si tuviéramos que hacerlo, el placer de la música, de la literatura, de los viajes, del cine, etc... Y me gusta que sea así, existen fuentes mucho más cultas y claras para nutrirse de lecturas sobre los innumerables aspectos de nuestra realidad, la de la especie humana, que son denunciables, degradantes o injustos, o las tres cosas a la vez. Esta ventana que internet me proporciona tan eficientemente pretende ser un refrescante oasis donde los lectores incorporan nuevos intereses o refrescan antiguos y el autor descarga su cabeza exponiendo conceptos en textos estructurados, creo que es un buen "negocio" para todos y las más de cinco mil visitas hasta la fecha así parecen avalarlo.</div>
<div>
<div style="text-align: justify;">
Pero hay conceptos que no pertenecen al goce artístico y que habitan mis paradigmas con la misma antigüedad y profundidad que, por ejemplo, la pasión por las disciplinas artísticas antes detalladas, uno de ellos es mi repulsa absoluta hacia la violencia en cualquiera de sus variedades y muy especialmente a esa tan extendida en la que podría parecer que la mitad del planeta ejerce sobre la otra mitad.</div>
<div style="text-align: justify;">
La resolución de las frustraciones mediante el uso de la violencia es la manifestación de impotencia mayor que puede exhibir un ser humano, con el agravante de que la violencia machista (el eufemismo de violencia de género para poder incluir al ínfimo porcentaje de violencia ejercida por la mujer me resulta grotesco) se ejerce de forma universal desde hace milenios y es entendida como una consecuencia natural de los roles de cada miembro de la pareja en muchas, por no decir casi todas, culturas. Expresiones zafias del tipo: La pega porque la quiere, Algo habrá hecho o Eres mía..., dichos como aquel provieniente de la cultura árabe: El marido al volver a casa debe pegar a su esposa, si no ha hecho algo para merecerlo, ya lo hará, o Si no sabes porque ella sí. Conviven con nosotros multitud de coartadas hacia ese odioso ejercicio de poder, innumerables disculpas "bienpensantes", demasiadas matizaciones para algo que no lo admite en ningún caso, y lo más terrible de todo es que el drama ya es infinito aunque lo sufra una sola mujer, entendámonos, no es la cantidad apabullante y continuada lo que lo hace monstruoso, es el hecho en sí mismo, el que esté tan brutalmente generalizado lo dimensiona a la sinrazón planetaria.</div>
<div style="text-align: justify;">
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-HTe0QlvoNMY/TtV13CZeZjI/AAAAAAAAAmM/IKYcOshqzFU/s1600/Asia_Tyborox_Polonia.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="640" src="http://2.bp.blogspot.com/-HTe0QlvoNMY/TtV13CZeZjI/AAAAAAAAAmM/IKYcOshqzFU/s640/Asia_Tyborox_Polonia.jpg" width="425" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><a href="http://www.elpais.com/articulo/sociedad/2700/ideas/violencia/machista/elpepusoc/20111124elpepusoc_2/Tes" target="_blank">Carteles contra la violencia contra mujeres</a></td></tr>
</tbody></table>
El informe mundial sobre violencia y salud de la OMS (2010) en su capítulo 4 La violencia en la pareja da algunos datos muy ilustrativos acerca de esta pandemia relacional.</div>
<div style="text-align: justify;">
El primero habla de la <b>profusión del fenómeno</b>, pero también de la dispersión cuantitativa por países, dice que entre el 10% y el 69% de las mujeres mencionan haber sido agredidas físicamente por su pareja en algún momento de sus vidas. Un 10% tiene que hacerte considerar que estás en un país "amable"!!!, una de cada diez mujeres que lo manifiesten, como es sabido que es un drama con mucho más silencio que voz, si se aplica una más que prudente conversión estaríamos hablando de una horquilla posible entre un 20-40%, ni pensar en la realidad de las mujeres en los países que tienen más de un 50% de violencia manifestada. La conclusión evidente es que el fenómeno es terriblemente habitual, que ser mujer en el mundo es comprar demasiados boletos de la lotería de los trompazos, vejaciones, violaciones y otras agresiones.</div>
<div style="text-align: justify;">
Un segundo dato ilustrativo es el de los "motivos" que generan este maltrato, esta tortura, este homicidio en vida. El informe habla de los desencadenantes de la violencia:</div>
<ul>
<li style="text-align: justify;">No obedecer al hombre</li>
<li style="text-align: justify;">Contestarle mal</li>
<li style="text-align: justify;">No tener la comida preparada a tiempo</li>
<li style="text-align: justify;">No atender adecuadamente a los hijos o al hogar</li>
<li style="text-align: justify;">Preguntarle al hombre por cuestiones de dinero o de sus enamoradas</li>
<li style="text-align: justify;">Salir sin el permiso del hombre</li>
<li style="text-align: justify;">Negarse a mantener relaciones sexuales con el hombre</li>
<li style="text-align: justify;">Sospechas, por parte del hombre, de infidelidad de la mujer</li>
</ul>
<div style="text-align: justify;">
Queda claro que el agresor es un energúmeno que considera que el compromiso de su relación incorpora una chica multiusos: Sumisa, Dócil, Cocinera eficiente, Asistenta del hogar y cuidadora de niños, Idiota, Agorafóbica, Puta y Casta. Pero todo ello es una falacia, el agresor golpea porque la realidad le ha situado en una situación de ventaja física, económica, cultural y social, él es un despojo que encima no es ni original.</div>
<div style="text-align: justify;">
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://4.bp.blogspot.com/-WinwJz8LpPE/TtV13pxv8FI/AAAAAAAAAmQ/4-1A9N6oggI/s1600/Joao_Geada_Portugal.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="640" src="http://4.bp.blogspot.com/-WinwJz8LpPE/TtV13pxv8FI/AAAAAAAAAmQ/4-1A9N6oggI/s640/Joao_Geada_Portugal.jpg" width="426" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><a href="http://www.elpais.com/articulo/sociedad/2700/ideas/violencia/machista/elpepusoc/20111124elpepusoc_2/Tes" target="_blank">Carteles contra la violencia contra mujeres</a></td></tr>
</tbody></table>
El análisis dibuja el <b>triángulo del horror</b> como tercer elemento reseñable, está compuesto por los abusos físicos, psíquicos y sexuales. El estudio reconoce la extrema dificultad de homologar los datos desde las diferentes fuentes y zonas del planeta pero los resultados indican que las versiones de la violencia ejercida se solapan en muchas ocasiones. Primero las insultan y a veces eso les calma, si no las zurran y luego de postre las violan, uno y otra vez, una semana después de la otra, a veces encerradas, otras disimulando los signos frente a su entorno, algunas convencidas de que esa es la realidad normal, otras sumergidas en una pesadilla de la que no se despierta. Millones de mujeres que en este momento en que escribo y en este momento en que el texto es leido, están siendo torturadas por aquellas personas con las que confiaron establecer un compromiso de vida. Ninguneadas, apaleadas, usadas como objeto.</div>
<div style="text-align: justify;">
Cuarto punto. El <b>secuestro social</b> de la razón. El informe estudia las respuestas y motivos justificadores de la violencia, explica que muchas sociedades manejan niveles admisibles e inadmisibles de violencia, distinguen con precisión entre causas justas e injustas para las agresiones. Resulta nauseabundo leer los conceptos que se encuadran en las causas justas: desatención de obligaciones domésticas o sexuales, falta de respeto a los familiares del hombre o la infidelidad. Soprende que los datos no provienen exclusivamente de los países subdesarrollados o de estados confesionales, en un lugar desarrollado como mi querida Nueva Zelanda se produjo un 5% de justificación a la violencia si el hombre sorprendía a su pareja en la cama con otro hombre, así sin inmutarse. El informe cita a varias mujeres que justifican la violencia, sus palabras nos dan la profundidad con la que está instaurada esta práctica aberrante: “Pienso que si la esposa tiene la culpa, el esposo tiene el derecho de pegarle. […] Si yo hice algo mal […], nadie debe defenderme” (México), “Si se trata de una falta grave, el esposo tiene razón en pegarle a la esposa. ¿Por qué no? Una vaca no obedece si no es a golpes” (Tamil Nadu). Dos ejemplos escalofriantes, dos eslabones de la cadena que condena a la mitad de la población a ser candidata al puñetazo, eso sí, en algunos casos con jurisprudencia. Qué asco.</div>
<div style="text-align: justify;">
Una quinta aportación al horror, el <b>círculo del silencio</b>. Y sigue el informe desgranando aspectos de la abyección. Nos habla y nos documenta sobre la campana de cristal que envuelve este drama de forma habitual, el maltrato no se comenta, ni dentro ni fuera de casa, pertenece a un espacio de grotesca intimidad en la relación conyugal. Los datos son como era de esperar muy variados en las diferentes muestras estudiadas, oscilan entre un 68% y un 18% de mujeres que nunca dijo nada, si contamos de nuevo que las que hablaron para los encuestadores no son ni mucho menos todas, el desánimo nos aturde. En este aspecto precisamente es en el que podemos considerar de gran consistencia la idea de que existe una importante cantidad de mujeres que no aparecen en los números, deducir que entre las mujeres apalizadas, que nunca hablaron con nadie, habría una importante fracción que tampoco abrirán sus confidencias a un entrevistador no es una entelequia, es un dato sin fisuras. No obstante se debe desterrar la dualidad que asocia subdesarrollo con violencia doméstica de forma automática, muchos datos lo desmienten y en este punto, por ejemplo, se cifra en un 38% el porcentaje de mujeres de Gran Bretaña que jamás dijeron nada de las agresiones, una cifra escalofriante que manifiesta toda la extensión del silencio castrador.</div>
<div style="text-align: justify;">
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-V6h40pjLtwE/TtV14j7RAvI/AAAAAAAAAmc/OwOaNRSUFc4/s1600/violencia_genero.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="265" src="http://2.bp.blogspot.com/-V6h40pjLtwE/TtV14j7RAvI/AAAAAAAAAmc/OwOaNRSUFc4/s400/violencia_genero.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Todos los días, en tantos hogares</td></tr>
</tbody></table>
El texto de la OMS prosigue de forma implacable sumergiéndonos en el mundo del terror, nos habla de desencadenantes del golpe, de situaciones de riesgo, de perfiles... pero hay un dato que estremece de forma rotunda, asocia de forma contundente el maltrato en la pareja a la <b>pobreza extrema</b>, a los versos de Baudelaire que rezan: Gracias dios mío por no haberme hecho mujer, ni negro, ni judío... debería añadirse !ni pobre!, las estadísticas del informe muestran un empeoramiento cuantitativo cuando se estudia esta aberración en zonas carentes de los recursos básicos. Y la imagen ya estalla en toda su intolerabilidad, ¿Qué especie de animales somos?, millones de mujeres en continua lucha por la supervivencia de sus hijos, en un constante terror por el devenir, inmersas en la rutina de la catástrofe permanente y para alcanzar el dolor absoluto, sabiéndose objeto de tortura periódica sin escape. Atadas al verdugo que las fertiliza y las borra de la realidad, las mata en vida.</div>
<div style="text-align: justify;">
El capítulo cuatro del informe, el referido a este infierno concluye con el siguiente texto:</div>
<div style="text-align: justify;">
"Conclusiones </div>
<div style="text-align: justify;">
La violencia en la pareja es un problema importante de salud pública. Para resolverlo se necesita la participación de muchos sectores que colaboren en los ámbitos comunitario, nacional e internacional. En cada ámbito, las respuestas deben incluir la potenciación de las mujeres y las niñas, los servicios de extensión a los hombres, la atención de las necesidades de las víctimas y el aumento de las sanciones para los agresores. Es vital que en las respuestas se involucre a los niños y jóvenes, y que la atención se centre en cambiar las normas comunitarias y sociales. Los adelantos logrados en cada una de estas áreas serán la clave para lograr reducciones de la violencia en la pareja en todo el mundo."</div>
<div style="text-align: justify;">
Y a uno se le queda el alma encogida y la sospecha de que en un mundo dominado por el sexo masculino la atención a este aspecto de la violencia es más formal que real, las conclusiones no dicen nada que pueda tildarse de falso o equivocado, pero tampoco dicen gran cosa, no traslucen todo el horror que los datos que las han generado transmiten. Creo que tanto trabajo de investigación merecería mayores y mejores conclusiones.<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-O51hJ4G-fdw/TtV14MElFVI/AAAAAAAAAmY/3zCA3eV7L_I/s1600/Nicola_Romano_Italia.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="426" src="http://2.bp.blogspot.com/-O51hJ4G-fdw/TtV14MElFVI/AAAAAAAAAmY/3zCA3eV7L_I/s640/Nicola_Romano_Italia.jpg" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><a href="http://www.elpais.com/articulo/sociedad/2700/ideas/violencia/machista/elpepusoc/20111124elpepusoc_2/Tes" target="_blank">Carteles contra la violencia contra mujeres</a></td></tr>
</tbody></table>
Y en la lectura del estudio dejo de poner la mirada hacia el conjunto, suspendo el análisis de la globalidad y intento focalizar en el microcosmos que es mi propia vida. Yo he estado con unas cuantas mujeres y he convivido con algunas, en ninguna de estas relaciones he percibido más idea del horror que el de la distancia, el de no vivir en complicidad, en ilusión, en el temor a no compartir el transcurso de los sucesivos "ahoras" de los que se compone la convivencia. Nunca se ha generado ni el asomo del conato de que algún conflicto haya derivado en violencia, nunca ha estado presente en ninguna de sus formas y no me había considero una aberración estadística, y por ello concluyo en que los que sintamos que todo esto es una horrorosa aberración debemos posicionarnos de forma muy rotunda frente a la misma, no podemos permitirnos ser cómplices por omisión, por distracción, por ceguera.<br />
Tan solo pretendo mantener iluminado este aspecto tan sombrío de la humanidad, y que mi dolor sea el vuestro y que mi indignación también lo sea.</div>
</div>Hugo Enojohttp://www.blogger.com/profile/15712978877119647738noreply@blogger.com10Planeta Tierra21.3893829 -103.121983121.387534900000002 -103.12445059999999 21.3912309 -103.1195156tag:blogger.com,1999:blog-2459155305508967238.post-77106173903568486982011-11-27T13:53:00.000+01:002011-11-28T15:21:33.042+01:00Del salvajismo de las cuerdas<div style="font-family: inherit; text-align: justify;">
Para un diletante "casi profesional" como yo, esta entrada supone un goce añadido, además de resultar una agradable excusa para contar sobre cosas que me gustan, fascinan, incluso arrebatan, esta entrada me posibilita no encajonarme en un estilo, interprete o movimiento concreto. Y la libertad que la transversalidad de la entrada posibilita aumenta el aliciente en la creación del texto.</div>
<div style="font-family: inherit; text-align: justify;">
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><span style="font-size: small;"><a href="http://4.bp.blogspot.com/-JSS4uIGZ-Gk/TtLzkhsX8EI/AAAAAAAAAko/n_c7ShYmnSc/s1600/best-acoustic-guitar-strings-02.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="265" src="http://4.bp.blogspot.com/-JSS4uIGZ-Gk/TtLzkhsX8EI/AAAAAAAAAko/n_c7ShYmnSc/s400/best-acoustic-guitar-strings-02.jpg" width="400" /></a></span></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-size: small;">Aparecen las cuerdas, se abre la veda</span></td></tr>
</tbody></table>
El "leit motiv" está definido en el título, esta crónica glosará a interpretes de instrumentos de cuerda que apelan directamente a las vísceras del lenguaje musical, no es hora de amables arpas ni banjos camperos, es tiempo de gozar con el percutir de las cuerdas en el estómago. Podría parecer que la transversalidad indicada antes no parece posible, el calificativo de salvaje queda encasillado, si uno realiza una aproximación superficial, a los guitar heroes más llamativos, y obviamente alguno habrá, pero no estarán solos ni en género ni en instrumento.<span style="font-size: small;"> La agreste dulzura de Viktoria Mullova es la responsable de este viaje por la música, por este recorrido en el primitivismo expresivo de mi discografía. Si convenimos en que el primer apero con el que el ser humano emitió sonidos musicales pertenecía a la percusión, podemos aseverar que este fuego primigenio se aposentó firmemente en las cuerdas para extenderse hasta todas las familias de instrumentos, por ejemplo el metal, si la trompeta de Dizzy Gillespie no quema no sé que puede decirse que sea caliente y salvaje, y hay innumerables ejemplos que no detallaré para irme centrando en el glosar de los músicos que habitarán este texto. El 3 de marzo de este año asistí, con MM y unos amigos, a un espléndido recital en el Petit palau, y en los vapores del trance que representó vivir una de sus piezas se formó este concepto del salvajismo cordil, más allá de estilos y formas preconcebidas.</span></div>
<div style="font-family: inherit; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;"><b>VIKTORIA MULLOVA</b>. Justo es que sea ella la que inicie la lista, la violinista rusa es una excelente intérprete que se crece de forma magnífica allá donde los músicos son dioses, en el directo. El descubrimiento de Viktoria se produjo a raíz de este recital y comportó, de inmediato, el rastreo de grabaciones suyas. Lo encontrado reveló varias cosas, por un lado, un gusto exquisito en la selección de piezas (Bach, Beethoven, Brahms, Bártok, Shostakovich... se diría que es otra alma gemela que tengo), por otro un formalismo, muy ruso, riguroso en su ejecución, pero, ay, un tanto alejado del volcán en el que ardimos en la Chiacona que nos regaló durante un intenso, brutal y fogoso cuarto de hora.</span><br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><span style="font-size: small;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-g_C_wAt8UiI/TtL0ecj-QZI/AAAAAAAAAl0/pL4D1M9YIAQ/s1600/mullova-2.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="223" src="http://1.bp.blogspot.com/-g_C_wAt8UiI/TtL0ecj-QZI/AAAAAAAAAl0/pL4D1M9YIAQ/s320/mullova-2.jpg" width="320" /></a></span></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-size: small;">La Mullova en pleno fragor</span></td></tr>
</tbody></table>
<span style="font-size: small;"> La ex de Abbado tiene argumentos para seducir a cualquiera, su belleza y maestría son una combinación irresisitible, en el Palau se hizo acompañar del efebo Dantone y quedaban los dos la mar de estéticos, y se comprende que el director italiano le hiciese, cuando eran pareja, uno de los regalos de amor más bellos que uno pueda imaginar: le montó el Concierto de violín en Re mayor, opus 71, de Brahms con la Filarmónica de Berlín para que la chiquilla se luciese, pero el regalo no termina ahí, que ya sería precioso, la guinda es que Abbado apagó el sonido y el brillo de la orquesta para que su chica luciera, algo a lo que no nos tiene nada acostumbrados el fino italiano puesto que sus manos dirigen siempre formaciones muy brillantes y lucidas. Esta chica se vino a Barcelona para ofrecernos unas cuantas piezas acompañada por Dantone a la clave, Bah, Haendel, Bach, Bach... y BACH, el final del concierto, un repertorio bien elegido, aunque yo jamás pondría a Haendel en medio de dos obras de Bach, pero eso es otra historia, y magníficamente interpretado, un crescendo sostenido hasta llegar hasta la mencionada Chiacona, la última parte de la Partita</span><span style="font-size: small;"> para violín solo n.º 2, BWV 1004 del maestro Bach.</span><br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><span style="font-size: small;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-VP1Cr2A9NSs/TtLznYrunTI/AAAAAAAAAlE/CrJJ_-fmTFo/s1600/IMAG0192.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="238" src="http://2.bp.blogspot.com/-VP1Cr2A9NSs/TtLznYrunTI/AAAAAAAAAlE/CrJJ_-fmTFo/s400/IMAG0192.jpg" width="400" /></a></span></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-size: small;">El programa firmado por la pareja</span></td></tr>
</tbody></table>
<span style="font-size: small;">Todo recital se ejecuta frente a una amplia variedad de opiniones, el público es un grupo heterogéneo en el que siempre hay elementos que no se dejan seducir por la música ofrecida, y este axioma se cumplió sobradamente en toda la parte anterior del concierto de la Mullova, pero puedo asegurar que nadie de los que estuvimos allí se salió ni un segundo de la hoguera emocional que el final del concierto nos ofreció. Sirva esta extraordinaria experiencia personal para iniciar el camino por el lado más salvaje de los instrumentos de cuerda (parafraseando a Lou: take a walk on the wild side).</span><br />
<span style="font-size: small;"><b>JIMI HENDRIX. </b>De igual manera que la violinista, como madre de la idea, debía ser la primera en la lista, no podía ser de otra manera que el indómito Hendrix le siguiera a continuación. Johnny Allen Hendrix es el nombre que consta en la partida de nacimiento de este efímero monstruo de la música, un tipo con una carrera de apenas tres discos y que es un referente mundial como músico, como personaje y como guitarrista. El icono perfecto de los sesenta y la imagen que ha vestido millones de paredes en habitaciones de adolescentes de todo el mundo, sus pósters trufados de colores psicodélicos han simbolizado la rebeldía adolescente sin descanso desde poco antes de la turbia muerte del más grande guitarrista de Rock (según las listas de los medios). </span><br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><span style="font-size: small;"><a href="http://4.bp.blogspot.com/-g8_BXjBYoAE/TtLzoEz0AYI/AAAAAAAAAlI/CTQRZ6D3yqM/s1600/jimi-hendrix-woodstock.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="http://4.bp.blogspot.com/-g8_BXjBYoAE/TtLzoEz0AYI/AAAAAAAAAlI/CTQRZ6D3yqM/s400/jimi-hendrix-woodstock.jpg" width="280" /></a></span></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-size: small;">La guitarra enardecida</span></td></tr>
</tbody></table>
<span style="font-size: small;">Tanta imagen desparramada es en muchas ocasiones un impedimento para descifrar sus claves musicales y lo que es más importante, disfrutarlas. Su música sigue vigente hoy en día porque el arte es atemporal a pesar de las corrientes de la moda y las veleidades del mercado, cualquiera de sus tres discos contiene demasiadas joyas como para archivarlas en el olvido que impulsa el marketing de la industria. No es el único pero yo diría que es el muerto cuya proporción de discos vendidos desde el cementerio sobre los vendidos en vida es más descompensada, se han editado decenas de grabaciones descartadas en vida, conciertos inaudibles y pistas recuperadas de aquí y de allí, cualquier cosa que se asocie con Hendrix ha sido exprimida hasta la saciedad y nada emborrona su valía. El músico fue un compositor más que notable y algunos de los temas que firmó son himnos de toda una generación: Purple haze, The wind cries Mary, Fire, Little wing, Bold as love, Voodoo child o Gypsy eyes son unos cuantos. Desaparecido en una fase de clarísimo ascenso creativo y musical el pensar donde nos hubiera llevado este genio da vértigo, pero nos dejó suficiente como para tenerlo con nosotros de forma permanente, desde siempre mi tema favorito ha sido una versión, de las pocas que realizó de forma "oficial" ya que en directo las tocaba con frecuencia, está en el mejor grabado de sus tres discos, el Electric Ladyland (1968) y es la soberbia recreación de un gran, gran tema de Dylan, All along the watchtower, el desgarro de la voz, Hendrix era un gran cantante que no ha sido valorado jamas en esta faceta, en los versos del poeta Dylan es estremecedor y las ráfagas de cuchillas que lanza su Stratocaster son un festival para los sentidos y cuentan por ahí que el mismo Dylan comentaba que la versión de Jimi era superior a cualquiera que pudiera grabar él (el chico no hace alardes de modestia frecuentemente y esta vez fue sincero simplemente), lo cierto es que ambos temas se publicaron casi simultáneamente y en directo Dylan "adopta" el formato Hendrix. Pero la presencia del monstruo en esta entrada, presencia que bastaría para dar sentido </span><span style="font-size: small;">en exclusiva </span><span style="font-size: small;">al título, es la áspera y muy emocionante protesta que Hendrix escupe contra la guerra de Vietnam tocando el himno USA en Woodstock, en la parte final de su Star spangled banner la guitarra entona un grito desgarrado con las notas del himno, las imágenes de la película del festival nos muestran al guitarrista enfueguecido y al público, esta vez también de forma absoluta, transido en el éxtasis de un momento unico, el rugido que vierte sobre los cientos de miles de oyentes es una de las cumbres de toda la historia de la música, una vez más las cuerdas de un instrumento generan la esencia misma de la ferocidad.</span><br />
<span style="font-size: small;"><b>ROBERT FRIPP. </b>Aquellos que me conocen ya se estaban preguntando cuando aparecería el inglés, y los lectores exhaustivos de este blog también. A ver, listas de expertos aparte y demás zarandajas, Fripp es el más grande guitarrista de todos los tiempos con diferencia y sobre eso admito discusiones, porque es muy divertido discutir, pero solamente porque sé que puedo convencer a cualquiera, es el mejor, el más creativo, el más virtuoso, el más imaginativo, el más bonito y el más salvaje, ah claro, si no fuera así no podría ponerlo aquí. </span><br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><span style="font-size: small;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-uUt2a_WHVVE/TtLzrvbTrwI/AAAAAAAAAlo/CQ1EzA5k9og/s1600/robert_fripp_g3_2004_02.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="297" src="http://1.bp.blogspot.com/-uUt2a_WHVVE/TtLzrvbTrwI/AAAAAAAAAlo/CQ1EzA5k9og/s400/robert_fripp_g3_2004_02.jpg" width="400" /></a></span></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-size: small;">Quiet man, fire maker</span></td></tr>
</tbody></table>
<span style="font-size: small;">Pero es que lo es, cuando Robert calcina el fragor desde su postura sediente habitual, el sonido se encabrita y fricciona sin piedad nuestros más primitivos instintos sonoros, troca el paisaje y nos sumerge en el grito ancestral que alza al ser humano desde el simio, lo salvaje desalvaja a través de la electrónica aplicada a las cuerdas de su Gibson. Por lo descrito hasta aquí queda bastante claro que el sonido de Robert es bastante especial, no es una música amable, de la que se puede gozar mientras se está dedicado a la lectura o a la contemplación pacífica, este es un post fiero en el sentido más hondo del término, habla de música que genera dispersión neuronal y recorrido visceral y en ese ámbito él es único. Habiéndolo visto en varios conciertos y teniendo en la memoria varios momentos válidos para representar este espíritu me quedaré con uno que está al alcance de cualquiera porque se halla registrado en un disco, para mi más guiño hacia el real pero no apareciente cobloguero (MiCarlos) está en el B'BOOM: Live in Argentina (1995), la versión de Larks' Tongues in Aspic (Part II) (tema ya mencionado en este blog, en la entrada http://ferranblasco.blogspot.com/2011/08/recomendar-un-disco-no-escuchado.html) no difiere demasiado de la que le disfruté cuando la tocó en BCN, la pieza está creada a partir del desarrollo de un riff obsesivo que desde el cerebro de Robert, va a sus dedos y germina en el estómago hasta el clímax final, recuerdo que escuchándolo me fascinaba la imagen del guitarrista sentado, con casi todo el cuerpo inmóvil, mientras atronaba el recinto con su guitarra desnuda y nos iba despojando, capa a capa, de los barnices de la civilización. </span><br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><span style="font-size: small;"><a href="http://4.bp.blogspot.com/-bls944gcK-Q/TtLzqrK5dhI/AAAAAAAAAlk/pASo7uSl2PE/s1600/Robert_Fripp.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="280" src="http://4.bp.blogspot.com/-bls944gcK-Q/TtLzqrK5dhI/AAAAAAAAAlk/pASo7uSl2PE/s400/Robert_Fripp.jpg" width="400" /></a></span></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-size: small;">Contando la leyenda del marino</span></td></tr>
</tbody></table>
<span style="font-size: small;">Como soy consciente de que mi predilección por Fripp no es universalmente compartida agregaré otro momento salvaje en otro tema más accesible pero igualmente bárbaro. Dentro de su reprecioso disco Islands (1971), creado desde las Baleares y en su honor, está un tema, Sailor's tale que me ha hechizado desde siempre, a pesar de ser una grabación de estudio el estartosférico solo de guitarra que cierra la pieza se incribe sin ningún lugar a dudas en esta categoría de cuerdas asilvestradas que estoy presentando. El tema se inicia con unos dulces diálogos entre el saxo de Mel Collins y la preciosa voz de la soprano de Paulina Lucas y recorre un crescendo en el que las cuerdas de Fripp impulsan la energía creciente hasta que en lo alto del fragor se congela el tema y una marcada y tranquila base rítmica dan pie a los rasgueos del solo.... calor, llama, incendio... hasta que las cuerdas rascadas en solitario nos dejan el reaprador silencio. Una música única en un mundo en el que la originalidad va tan cara...</span><br />
<span style="font-size: small;"><b>GLENN GOULD</b>. Un canadiense (país con escasos "héroes" pero muy significados) con un síndrome de Asperger diagnosticado tardíamente y con una vida llena de ingredientes susceptibles de convertirse en anécdotas más que curiosas. </span><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><span style="font-size: small;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-Pm2pRtBPJGY/TtLzlO34faI/AAAAAAAAAkw/OhEvnskPdN4/s1600/glenn+gould2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="276" src="http://3.bp.blogspot.com/-Pm2pRtBPJGY/TtLzlO34faI/AAAAAAAAAkw/OhEvnskPdN4/s640/glenn+gould2.jpg" width="640" /></a></span></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-size: small;">Gould tocando de forma característica, a un palmo del teclado</span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: small;">Un tipo imprescindible para entender la cultura occidental del siglo XX, y sobre todo un músico excepcional. No hay sorpresas respecto a la obra que lo trae por aquí, sus Variaciones Goldberg </span><span class="Apple-style-span" style="color: #222222; font-size: small; line-height: 16px;"><span class="Apple-style-span">BWV 988 </span></span><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;">(1955 y 1981) son míticas y no conozco a ningún aficionado a la música que no las conozca y por ende, las idolatre. Gould nos visita en este ámbito porque el piano es un instrumento de cuerda, me atrevería a decir que el más desarrollado, un artilugio que destaca por su plasticidad como objeto, hermoso y muy versatil en sus formas. El sonido del piano tiene un uso múltiple, como base rítmica en muchas formaciones jazzeras y rockeras, como brillante solista al frente de enormes orquestas, como complemento intimista con voces sensuales, como símbolo perfecto del Swing... </span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
</div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><span style="font-size: small;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-OXAosVLuyPo/TtL2Vtb7c4I/AAAAAAAAAl8/sDsmFGAKuCo/s1600/Bach-goldberg-aria.png" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="94" src="http://1.bp.blogspot.com/-OXAosVLuyPo/TtL2Vtb7c4I/AAAAAAAAAl8/sDsmFGAKuCo/s640/Bach-goldberg-aria.png" width="640" /></a></span></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-size: small;">El aria</span></td></tr>
</tbody></table>
<span class="Apple-style-span" style="font-size: small;">Hoy viene a nosotros como solista absoluto, voz única en un extraordinario encuentro entre una obra magna y una interpretación/ones sensacional/es, las Goldberg las he percibido desde la primera vez que las escuché, precisamente en la versión del 55 que está siendo glosada, como un divertimento del matemático Bach, el organista recibe el encargo de un conde insomne que quiere contar con una partitura para que su clavicordista le lo acune (la habitación del solicitante tenía que ser grandecita!) en un día más que inspirado crea la magnífica aria de la que luego hará las 30 variaciones mágicas, juega con las notas y las recrea, las coloca y las persuade para que se coloreen, concibe las variaciones como un elemento más de sus ejercicios para teclado y es bien recompensado por el encargo, mi duda al respecto es acerca del uso que le daría el conde a la obra ¿Realmente la usaría para adormecerse? ¿Se puede ser tan oreja de corcho?, pero dejemos eso y vayamos al disco y a la feroz combinación que logra Gould en él. Partiendo de un libreto cuyo origen es el deseo de dormir, o sea que posee un alma tranquila (ahora mismo mientras escribo Jarrett las interpreta y su majestuosa recreación es muy relajada, muy hermosa, nada que ver con lo que Gould consigue) y aunque permite, como toda partitura, visiones muy alejadas entre sí, la esencia de una música muy cerebral, muy armoniosa, nada que pueda calificarse de salvaje. </span><br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><span style="font-size: small;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-5-lOFlpVgj0/TtLzpiVz0zI/AAAAAAAAAlY/1umke1MJ3cs/s1600/parks-gordon-pianist-glenn-gould-listening-intensely-to-performance-of-bach-s-goldberg-variations-played-back.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="300" src="http://3.bp.blogspot.com/-5-lOFlpVgj0/TtLzpiVz0zI/AAAAAAAAAlY/1umke1MJ3cs/s400/parks-gordon-pianist-glenn-gould-listening-intensely-to-performance-of-bach-s-goldberg-variations-played-back.jpg" width="400" /></a></span></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-size: small;">Escuchando la grabación de "sus" Goldberg</span></td></tr>
</tbody></table>
<span class="Apple-style-span" style="font-size: small;">Y GG las empieza muy tranquilo, es más, en la versión del 55 el aria suena muy bajita, casi intimista, y es a partir de la primera variación que los dedos se soliviantan y se prepara el estallido musical, las variaciones se van sucediendo, pinceladas especiales que van componiendo el conjunto y al paso por la 16, ecuador de la travesía y en cierta manera reinicio de la misma, es la que marca la vuelta hacia el cierre con la repetición del aria al final, ya se barrunta la tormenta, nos avisó en la séptima y de nuevo se eleva el estremecimiento, el grito primitivo que estremece, las cerdas encabritándose, y sigue; se arremansa el viaje de nuevo pero esta vez ya no es desde la paz primigenia, el paisaje ha cambiado, el horizonte anuncia tormenta, la 21.. la 26..., la piel se empapa de fiereza, en el estómago anidan revoloteos, Gould troca números en aullidos y en la variación veintinueve Bach y Gould nos impactan de forma definitiva con un estallido soberbio de música feroz, me atrevería a llamarla puramente animal, la cuerda asilvestrada de nuevo, en otro momento cumbre de la música. </span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-size: small;"><b>REGGIE LUCAS/PETE COSEY. (+ Mac)</b>. La lista de cordadas salvajes prosigue con una pareja que jamás ha brillado en sus carreras en solitario, cuyo nombre es desconocido por la gran mayoría de melómanos y que para mí son mitos. Reggie fue guitarrista del grupo de Miles Davis entre 1972 y 1976, procedía de un poco conocido grupo liderado por el batería Norman Connors y se fue sin ruido, acabó siendo músico de estudio y productor afamado. Pete era un emergente solista al que comparaban con Jimi Hendrix cuando fue fichado por Miles, él declara en la autobiografía que estaba buscando el nuevo sonido de las guitarras eléctricas y al no poder contar con Hendrix o BB, se hizo con los servicios de Cosey. La relación duró hasta el 75 y fue suficiente para que ambos participaran en mi directo preferido del genio, algo que ya he comentado y que seguiré comentando, el Agharta (1976) que recogía parte del recital que dio Miles en Osaka en febrero de 1975. </span><br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><span style="font-size: small;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-MvL7XzpqAws/TtLzonupp1I/AAAAAAAAAlQ/EPM1u_60LUo/s1600/miles_montreux_73.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="258" src="http://1.bp.blogspot.com/-MvL7XzpqAws/TtLzonupp1I/AAAAAAAAAlQ/EPM1u_60LUo/s400/miles_montreux_73.jpg" width="400" /></a></span></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-size: small;">La banda de Osaka</span></td></tr>
</tbody></table>
<span class="Apple-style-span" style="font-size: small;">Para contrastar un poco con mi entusiasmo por el rol que tuvieron la pareja de guitarristas en este concierto citaré a Ian Carr, crítico, músico y escritor de la biografía de Miles: "El 1 de febrero se registraron los conciertos de la tarde y de la noche y más tarde la filial japonesa de la CBS los editó con los títulos respectivos de Agharta y Panagea. En los dos álbumes hay extensos pasajes de ritmos poderosos, mucha trompeta y algunas excelentes intervenciones de Sonny Fortune en el saxo. Pero son difusos y habrían mejorado con una edición rigurosa. Además, Agharta en particular sufre de una monotonía de sonido causada en especial por las perpetuas <alucinaciones> de los guitarristas principales, Pete Cosey y Reggie Lucas". Y se queda tan ancho. Yo pienso que Carr no se entera y si es suficientemente hábil para destacar los protagonistas del disco no es tan talentoso como para apreciarlos. Es cierto que en aquella época Davis no tenía lo que buscaba, desde que incorporó la guitarra eléctrica como otro instrumento solista de su combo, había contado con figuras como George Benson o el bueno de McLaughlin, al que luego me referiré, y el nivel de la pareja de Osaka no era el mismo, y eso habla una vez más de la genialidad del trompeta, convirtió a dos músicos pasables en estandartes de una de las páginas más brillantes de las cuerdas feroces. Desde el primer segundo del doble disco, en el tema Prelude, suena un guagua aguerrido que tutea y dialoga con los zarpazos de Miles al Hammond y las "alucinaciones" de los sintetizadores. El viaje empieza al galope y no va a descansar, la trompeta, espoleada por el ritmo eléctrico suena soberbia y toma el mando. El rasgar de la rítmica encabrita el camino, dedos fieros, chispas sin freno, es justo reconocer el enorme trabajo de la sección rímica, Michael Henderson comanda un bajo espectacular mientras Al Foster y Mtume percuten de forma endiablada. le doy la razón a Carr en lo afortunado de la intervención de Sonny y sin darnos cuenta han pasado doce minutos (el primer tema dura más de media hora) y los coletazos del saxo dan pie a Cosey para que soliviante de forma brutal las cuerdas de su guitarra, dialogan ambos guitarristas, arde el escenario y la travesía no ha hecho más que comenzar, estoy más que convencido de que Hendrix hubiera adorado este disco, su alma Cherokee se hubiera encontrado en perfecta armonía con los tomahawks que las guitarras disparan. </alucinaciones></span><br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><span style="font-size: small;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-HF1XgSMnwNo/TtL3sLV4taI/AAAAAAAAAmE/WFHHpbMQI2Y/s1600/miles-davis-agharta-2.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="267" src="http://1.bp.blogspot.com/-HF1XgSMnwNo/TtL3sLV4taI/AAAAAAAAAmE/WFHHpbMQI2Y/s400/miles-davis-agharta-2.jpg" width="400" /></a></span></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-size: small;">La obra</span></td></tr>
</tbody></table>
<span class="Apple-style-span" style="font-size: small;">El Prelude (en la edición europea del álbum se divide en parte uno y parte dos, en la mía, que es la japonesa está tal como fue tocada, de un tirón) es un trago fuerte que tiene que ser reverenciado desde el vértigo que genera, no es una canción, es una declaración de abertura de hostilidades. No prisoners my friend!! Finaliza Prelude y entra Maiysha, un bombón envenenado, una percusión suave y Sonny se embarca en la dulce flauta que te hechiza, hasta que Miles da la señal con el Hammond y vuelven a estar ahí los jinetes guitarreros aullando a la noche, más ferocidad desatada, más y más. El segundo disco del doble álbum tiene una sóla pieza, que fue fragmentada en tiempos del vinilo pero que recupera su formato genuino con el CD, el Interlude/Theme from Jack Johnson (me suena ese disco) y Right Off conforman el viaje de regreso de unos sesenta minutos, se inicia con un obsesivo riff de bajo y guitarra y con la percusión enchufada.... el recital está en su apogeo y no es el ruido el indicativo de ello, es la atmósfera perfecta que Miles ha edificado y todos los músicos se han hecho dioses, pero las cuerdas de las guitarras son las que a mí me electrizan las vísceras. Es de nuevo un recorrido por el lado más salvaje de la música.</span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-size: small;">No quería dejar pasar la ocasión de reflejar una vez mi admiración por Mac, John McLaughlin, predecesor en la banda de estos dos guitarristas y indicar que su brutal desempeño no es más que el desarrollo en directo del trabajo de Mac en discos como el genial Bitches Brew (1970), en ese disco el guitarrista abre una senda a la guitarra eléctrica en el Jazz que muchos han tomado luego. Salve Mac, duende silvestre e ígneo.</span><br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><span style="font-size: small;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-cDs7orjiBAo/TtLzjhzFMRI/AAAAAAAAAkg/-prp2c9cxsQ/s1600/BB.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="225" src="http://2.bp.blogspot.com/-cDs7orjiBAo/TtLzjhzFMRI/AAAAAAAAAkg/-prp2c9cxsQ/s400/BB.jpg" width="400" /></a></span></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-size: small;">La fiebre de Lucille</span></td></tr>
</tbody></table>
<span class="Apple-style-span" style="font-size: small;">Esta entrada no estaría completa ni tendría sentido si obviara la ingente aportación al salvajismo cordil por parte del Blues, no he incluido ningún Bluesman en la relación porque citar uno sería como decir que el resto de músicos de Blues no llevan la fiereza en su música, pero olvidar que las cuerdas vocales (que también la voz es un instrumento de cuerda) y las de Lucille en el maravilloso Live at the Regal (1965) de BB King, con esa negrísima balada de John Lee Hooker que es It's my own fault o la brutal You Done Lost Your Good Thing Now, no son más que una muestra perfecta del salvajismo que puede convocar el Blues no es la intención de este post. Este género es el no-genero del impacto visceral, el eco del grito primitivo y de liberación en su esencia y todos aquellos que lo practican participan de la agrestez congénita del mismo, solo hay que seguirlo o dejarse herir por él.</span><br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><span style="font-size: small;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-rudcf7jk3lI/TtLzl8iABOI/AAAAAAAAAk4/KCubDh4VH10/s1600/guitar-strings.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="300" src="http://1.bp.blogspot.com/-rudcf7jk3lI/TtLzl8iABOI/AAAAAAAAAk4/KCubDh4VH10/s400/guitar-strings.jpg" width="400" /></a></span></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-size: small;">Las cuerdas desbocadas</span></td></tr>
</tbody></table>
<span class="Apple-style-span" style="font-size: small;">Y la entrada, dura en su escritura, lenta y áspera por los paisajes personales que recorre y la dificultad de intentar narrarlos en su esencia, llega a su fin. Los adjetivos: salvaje, fiero, asilvestrado, agreste, encabritado y otros se han acumulado por los párrafos en un intento de este mal escritor por hacer llegar a sus lectores la percepción que recibe en algunos pasajes musicales, como decía en el inicio, una sensación que no se encasilla en géneros ni en instrumentos y que lleva marcada en su piel de melómano rendido. Cuando suenan las músicas glosadas mi estómago se estremece ante el impacto que produce el sonido de unas cuerdas rasgadas, golpeadas o pellizcadas, el sonido de las cuerdas salvajes.</span></div>Hugo Enojohttp://www.blogger.com/profile/15712978877119647738noreply@blogger.com6Barcelona, España41.387917 2.169918741.292614 2.0119902 41.48322 2.3278472000000003tag:blogger.com,1999:blog-2459155305508967238.post-38968895601605971432011-11-15T02:30:00.000+01:002011-11-21T18:22:52.038+01:00Sigo sin resistirme<div style="text-align: justify;">
Hace unos meses llegó un momento en el que el blog había agotado su función primigenia que no era otra que el intento de anular la distancia que un viaje representaba, una vez narrado y documentado todo el periplo donostiarra publiqué una "última" entrada con la foto de Mimaría para que fuera lo primero que encontrara al abrirlo. El blog ha seguido un nuevo rumbo y aquella entrada ha quedado archivada entre la anterior y la posterior, y sigo sin resistirme a no encontrar su foto en este ámbito. Por ello pongo otra y lo hago colgando un "texto" que pertenece a mi producción literaria juvenil, lo encontré hace unas semanas archivado en una cuenta antigua y creo que el mejor homenaje que puedo hacerle a la mujer que amo es la constatación de que nuestra relación no produce el dolor que engendra poemas ni desgarros literarios como el que sigue a continuación, la felicidad es una musa esquiva y poco complaciente, y me congratulo por ello, sea esta entrada constancia de todo ello.</div>
<div style="text-align: justify;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div class="MsoNormal" style="font-family: Times,"Times New Roman",serif;">
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-uUcReLuVzyE/TsTN_KRGLHI/AAAAAAAAAkQ/l9BZDUYEDUY/s1600/Imagen099.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="240" src="http://1.bp.blogspot.com/-uUcReLuVzyE/TsTN_KRGLHI/AAAAAAAAAkQ/l9BZDUYEDUY/s320/Imagen099.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">MM @ I</td></tr>
</tbody></table>
<span style="font-size: small;"><span style="line-height: 115%;">Veinte</span></span></div>
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: Times,'Times New Roman',serif;">
</span></span><br />
<div class="MsoNormal" style="font-family: Times,"Times New Roman",serif;">
<span style="font-size: small;"><span style="line-height: 115%;">Veinte veces acaricio tu recuerdo, veinte o veinticinco en las horas de
luz, luego la oscuridad se funde en tu contacto.</span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="font-family: Times,"Times New Roman",serif;">
<span style="font-size: small;"><span style="line-height: 115%;">Veinte veces destapo tu
esencia entre mis dedos y juego al saberte en ese instante, tantas ocasiones
acosando el entorno que te viste. </span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="font-family: Times,"Times New Roman",serif;">
<span style="font-size: small;"><span style="line-height: 115%;">Siquiera un par de decenas de destellos del
todo que eres, cada día, en el día.</span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="font-family: Times,"Times New Roman",serif;">
<span style="font-size: small;"><span style="line-height: 115%;">Cacofonía entre el número y el deseo,
veinte, vente, regresa a la tierra primigenia que es nosotros. </span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="font-family: Times,"Times New Roman",serif;">
<span style="font-size: small;"><span style="line-height: 115%;">Otras tantas
ansias de extirparte, conseguir que el aliento recobre la fluidez de antes,
afán demente hacia el equilibrio que mora en el vacío; unos cuantos trances
para sentir tu aliento cálido entre mi euforia y nuestro llanto. </span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="font-family: Times,"Times New Roman",serif;">
<span style="font-size: small;"><span style="line-height: 115%;">Regocijo
íntimo, pleno y consciente al saberme entregado, al sentir las veinte ocasiones
en las que recupero un esbozo de mi sitio en el desatino, son veinte o
veinticinco claves que descifran el paisaje, sus habitantes, los signos que
emplean e incluso la sangre que les riega. </span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="font-family: Times,"Times New Roman",serif;">
<span style="font-size: small;"><span style="line-height: 115%;">Destino y luz, amor y coraje de los
días en que aún no contaba los actos en que te tocaba, ráfaga clarividente en
el brotar del tu y yo para siempre, cuando las horas hacinaban en rincones
pequeños los momentos que no compartíamos. </span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="font-family: Times,"Times New Roman",serif;">
<span style="font-size: small;"><span style="line-height: 115%;">Aullido nuestro para sofocar las
grietas que la ausencia abre en el tacto, en la complicidad, en las caricias
apresuradas, en el mirarte y que me mires y que el abismo se abra en tus ojos
marrones; quejido superior para poner soporte a tamaño desgarro, y, a pesar de
ello...</span></span></div>
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: Times,'Times New Roman',serif;">
</span></span><br />
<div class="MsoNormal" style="font-family: Times,"Times New Roman",serif;">
<span style="font-size: small;"><span style="line-height: 115%;">Veinte veces al día soy capaz de pasearme en tu invocación, esos instantes
que quiebran lo disperso, sin matices y sin remedio, ofertan sentido y
dirección al tiempo, y esas tantas veces al sol, afronto la cantidad exacta del
todo que representas, que eres y que prometes.</span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="font-family: Times,"Times New Roman",serif;">
<span style="font-size: small;"><span style="line-height: 115%;">Los momentos, veinte o
veinticinco, que el anhelo de la amnesia acata la debacle y el destierro ante
la plenitud, el regocijo, el éxtasis y la sensatez, y es que estás, eres en todos
los demás tiempos. Pero acostumbro a tocarte con regularidad cartesiana, unas
veinte veces.</span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="font-family: Times,"Times New Roman",serif;">
<span style="font-size: small;"><span style="line-height: 115%;">Y las yemas abren el recorrido eléctrico para que mi cuerpo
redescubra, una vez mas, cada vez, el pálpito amable y brutal de haber abrigado mi desnudez con tu piel en las horas ocultas.</span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="font-family: Times,"Times New Roman",serif;">
<span style="font-size: small;"><span style="line-height: 115%;">Las puntas de los dedos se visten
de puerta de entrada del huracán que es tu cuerpo enamorado, ansioso y perdido
en ofrecer. </span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="font-family: Times,"Times New Roman",serif;">
<span style="font-size: small;"><span style="line-height: 115%;">Y esos instantes, que dotan el ritmo de los días, perecen, agotan en
si mismos el fuego que no puede ser devorado.</span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="font-family: Times,"Times New Roman",serif;">
<span style="font-size: small;"><span style="line-height: 115%;">La explosión constante cede para
que pueda sobrevivir a la evocación cegadora, luz, visión, presencia,
ofuscación, catarsis, y la calma. </span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="font-family: Times,"Times New Roman",serif;">
<span style="font-size: small;"><span style="line-height: 115%;">Algunas de las veinte veces retengo el
contacto, la mirada atraviesa el roce, se instala una sonrisa ceñida, y mis
ojos husmean en lo remoto, y te encuentran. </span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="font-family: Times,"Times New Roman",serif;">
<span style="font-size: small;"><span style="line-height: 115%;">Halcones sin asomo de duda, con picado
certero, recto y vertiginoso, el azul alado en rapaz hunde sus garras en la
sombra de tu sombra.</span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="font-family: Times,"Times New Roman",serif;">
<span style="font-size: small;"><span style="line-height: 115%;">Algunas de las veinte veces, no todas, porque...</span></span></div>
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: Times,'Times New Roman',serif;">
</span></span><br />
<div class="MsoNormal" style="font-family: Times,"Times New Roman",serif;">
<span style="font-size: small;"><span style="line-height: 115%;">Veinte, o veinticinco, o mas veces al día, estoy muerto de
distancia.</span></span></div>
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: Times,'Times New Roman',serif;">
</span></span><br />
<div class="MsoNormal" style="font-family: Times,"Times New Roman",serif;">
<span style="font-size: small;"><span style="line-height: 115%;">Vuelve.</span></span></div>
<span style="font-size: small;"><span style="font-family: Times,'Times New Roman',serif;">
</span></span><br />
<pre></pre>
</div>
<div style="text-align: justify;">
</div>Hugo Enojohttp://www.blogger.com/profile/15712978877119647738noreply@blogger.com6Barcelona, España41.387917 2.169918741.292614 2.0119902 41.48322 2.3278472000000003tag:blogger.com,1999:blog-2459155305508967238.post-13776999089126710152011-11-12T03:21:00.000+01:002011-12-20T18:50:19.374+01:00El circulo perfecto<div style="text-align: justify;">
Erik Hillestad es un activista de los derechos humanos que oficia como productor discográfico, y es el fundador y dueño del sello musical noruego Kirkelig Kulturverksted. Esta editora se dedicaba a trabajar en un principio con músicos escandinavos de estilos atmosféricos y suaves y fue ampliando su abanico de producciones hacia músicas del mundo como parte coherente de las labores de concienciación y ayuda que mueven a Hillestad. En cuestión de unas semanas escasas un tipo que me era totalmente desconocido se ha convertido en uno de mis idolos más respetados, no es que pertenezca a una profesión que se haga respetar demasiado, los propietarios de las discográficas y los amantes de la música merodeamos lo mismo pero desde fascias contrapuestas, pero en el caso de Erik mi admiración la produce un gesto tan espectacular, tan hermoso y tan inteligente que no podía por menos que glosarlo en el blog.</div>
<div style="text-align: justify;">
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-wZJtiUNXpsw/Tr99e8j4VRI/AAAAAAAAAi0/BDjpeapJBsI/s1600/hillestadErik.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="300" src="http://1.bp.blogspot.com/-wZJtiUNXpsw/Tr99e8j4VRI/AAAAAAAAAi0/BDjpeapJBsI/s400/hillestadErik.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Erik, un heroe real</td></tr>
</tbody></table>
Los orígenes de su "hazaña" se remontan casi una década atrás. En enero de 2002 los USA estaban empezando a descommocionarse del impacto que el 11-S les provocó y en las cocinas de la presidencia, cocinas cuyo aroma sólo es comparable a los purines en fase creciente, se gestaba un discurso para le estado de la nación que pretendía recolocar el liderazgo que los atentados habían socavado. Como los tipos son expertos políticos y aprendieron pronto que las crisis son siempre oportunidades, decidieron acuñar una idea-fuerza muy potente que les permitiese la barbarie que protagonizarían años después y el títere, que no nombraré porque este blog pretende ser limpio y hay nombres que ensucian allá donde van, declamó un texto que, entre varias perlas insignes, contenía las ya famosas palabras que dicen así:</div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="line-height: 17px;"><span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-family: Times,'Times New Roman',serif;">[Our goal] is to prevent regimes that sponsor terror from threatening America or our friends and allies with weapons of mass destruction. Some of these regimes have been pretty quiet since September the 11th. <b>But we know their true nature</b>. North Korea is a regime arming with missiles and weapons of mass destruction, while starving its citizens. .....</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="line-height: 17px;"><span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-family: Times,'Times New Roman',serif;"><b>States like these</b>, and their terrorist allies, constitute an <b>axis of evil</b>, arming to threaten the peace of the world. (Váya descaro!!)</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-GNeXcqIeT7E/Tr99iT8wEyI/AAAAAAAAAjc/zArrxs1ElLQ/s1600/quimera.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="300" src="http://3.bp.blogspot.com/-GNeXcqIeT7E/Tr99iT8wEyI/AAAAAAAAAjc/zArrxs1ElLQ/s400/quimera.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Los monstruos generan las quimeras</td></tr>
</tbody></table>
El discurso está aquejado de una perversión básica sobre la que se asientan los nacionalismos de cualquier tipo, el ellos y el nosotros. Es fundamental para cualquier exaltación nacionalista contar con un enemigo exterior bien definido, ya que nada agrupa tanto a las personas como el hecho de sentirse amenazados de forma grupal. A partir de esta división entre colectivos de seres humanos, el ardor nacionalista aporta la adjudicación de valores a ambos, el nosotros es la personificación del bien, de la fuerza justa, del pueblo ungido de la razón y de los criterios superiores, por ende, ellos, son malos, injustos y carentes de la consideración mínima, son el enemigo por la única razón de que no son de los nuestros y podemos adjudicarles todas las malezas que queramos. Es muy grosera, cuesta creer que las personas de nivel medio puedan tragarse semejante sapo, la frase: "Pero nosotros conocemos su verdadera naturaleza" es de un iluminado fanático, casi está por decir que les ha visto las orejas y el rabo de diablos. La historia ya nos cuenta las actuaciones que derivaron de este atroz discurso y no vale la pena glosarlas y menos desde la visión de los españoles que nos hicieron tragar con todo aquello de las Azores...</div>
<div style="text-align: justify;">
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-DBXEl7UkE-Y/Tr99gK_3LYI/AAAAAAAAAjA/QXWEHwUQ8l4/s1600/lftaoe.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="385" src="http://1.bp.blogspot.com/-DBXEl7UkE-Y/Tr99gK_3LYI/AAAAAAAAAjA/QXWEHwUQ8l4/s400/lftaoe.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">La preciosa herramienta contra los fanáticos</td></tr>
</tbody></table>
Erik, como yo y unos cuantos millones de personas en el planeta, no se dejó convencer en lo más mínimo por esta burda soflama y la diferencia con la mayoría de indignados disidentes es que él tuvo una reacción prodigiosa. Decidió que la mejor manera para desnudar la falacia propuesta por el discurso, era romper con el paradigma que la sustentaba, o sea, el "ellos" y el "nosotros". Recurre a situar la esencia misma del "bien" en los escenarios donde supuestamente las personas maquinan todo el día contra las naciones buenas y comen azufre entre orgías satánicas, edita un disco que se llama Lullabies from the axis of evil (2004). Un trabajo que recoge catorce canciones de cuna procedentes de Irán, Iraq, Corea, Palestina, Siria, Afganistán y Cuba, catorce cantos de arrullo interpretados por mujeres de esos países y de otros en este ejercicio de hermosísima reivindicación. Y con ello consigue agregar a los habitantes de eses países malignos en el único colectivo de "nosotros" posible, la especie humana. Al humanizar las referencias geográficas hurta a los pueblos de las naciones "satanizadas" de cualquier simbolismo artificial, desciende el foco hasta las personas que realizan un acto absolutamente universal. y que no admite equívocos, y ya no hay "ellos", es siempre "nosotros" y desmonta todo el castillo de naipes belicoso que habían armado las mentes pensantes del imperio. Una mirada luminosa sobre una visión sesgada y torticera.</div>
<div style="text-align: justify;">
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://lolaescribeysiente.blogspot.com/2010/10/cantame-una-nana.html" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="266" src="http://2.bp.blogspot.com/-BlFILK5GG3k/Tr99hbO_KLI/AAAAAAAAAjQ/wjPUISHpIGw/s400/MADRECITA.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">una madre y su bebé, el mundo</td></tr>
</tbody></table>
Cuando una madre susurra una nana a su bebé está representando el momento más potente que uno pueda imaginar acerca de la universalidad, el acto más hondo, el que más conecta las sensibilidades de todos los habitantes del planeta, en él no hay fisuras culturales que nos puedan alejar, y por tanto, dividir. Existen otras actuaciones presentes en las culturas que se escenifican de formas muy diferentes, las maneras de sublimar el dolor de los muertos se escenifican de formas tan variadas que hace difícil otorgarles esta identificación colectiva, los rituales de apareamiento presentan una variabilidad similar, y, en general, las formas de los diferentes pueblos alrededor de los momentos básicos de su convivencia, esos que gravitan alrededor de la vida y la muerte, sufren de un armazón ceremonial que abunda en las diferencias y que es pasto fértil para los voceros de la xenofobia y la separación.</div>
<div style="text-align: justify;">
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-u5Eh7rncX4c/Tr99gcxIUII/AAAAAAAAAjI/djQYxfzeFkA/s1600/madre-e-hijo-klint.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="http://3.bp.blogspot.com/-u5Eh7rncX4c/Tr99gcxIUII/AAAAAAAAAjI/djQYxfzeFkA/s400/madre-e-hijo-klint.jpg" width="316" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Klint nos enseña el círculo</td></tr>
</tbody></table>
Pero Erik da en el clavo, apela a la única imagen que no admite etiquetas discriminatorias, sea cual sea el decorado, el clima, el nivel social, el momento histórico o las condiciones externas, cuando uno evoca la imagen de la madre arrullando al hijo con un canto, se identifica de forma absoluta. La escena contiene dos elementos tan profundos y elementales que trascienden sin esfuerzo cualquier veleidad diferenciadora, por un lado es una bella representación del instinto de conservación de la especie, común a todos los animales y homogéneo de forma perfecta en su presencia en todos ellos, la madre protege a su cría durante todo el tiempo en el que ésta está necesitada y dentro de esa misión, el acunarla es de las más dulces. Por otro lado el acto posee un sesgo totalmente cultural, las nanas son creaciones artísticas que perduran, que se transmiten de forma civilizada y este aspecto es el que humaniza y hace transversal la imagen, nos identifica como especie pensante y creadora. No es una hembra animal siguiendo únicamente su instinto, es una mujer ejerciendo de estandarte de los mejores valores de la especie humana, el amor y la música.</div>
<div style="text-align: justify;">
No me gusta manejar conceptos en clave de maldad o bondad porque son ideas que reflejan parquedad de argumentos y poca hondura intelectual, les dejaremos ese ámbito de lenguaje a quienes no tengan más bagaje.<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-d1x_Ht_-lo8/Tr99d0ueg7I/AAAAAAAAAig/IMyxWUks_1o/s1600/daf.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="265" src="http://1.bp.blogspot.com/-d1x_Ht_-lo8/Tr99d0ueg7I/AAAAAAAAAig/IMyxWUks_1o/s400/daf.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">El círculo del daf no podía ser mejor símbolo del vínculo que se gesta en las nanas</td></tr>
</tbody></table>
Por todo ello el título de esta entrada es el círculo perfecto, frente al maniqueísmo zafio, gloso la respuesta inteligente y luminosa que nos ofrece el editor noruego y la represento como una figura circular que contiene la esencia de todo aquello que merece ser transmitido. Se trata de desmontar la maldad sin agresividad, sin llevar la respuesta a una nueva confrontación que no haría más que cargar los argumentos del pregonero.</div>
<div style="text-align: justify;">
Y una vez apuntados todos los componentes ideológicos que convierten a Erik en uno de mis héroes, toca ya hablar de la obra en sus aspectos musicales, no se puede olvidar que el formato de su respuesta es un álbum de canciones. </div>
<div style="text-align: justify;">
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-4BtxZ9Nggl8/Tr99iDZXn2I/AAAAAAAAAjY/NZw5fxtK0-c/s1600/Mahsa-Vahdat1.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="240" src="http://3.bp.blogspot.com/-4BtxZ9Nggl8/Tr99iDZXn2I/AAAAAAAAAjY/NZw5fxtK0-c/s320/Mahsa-Vahdat1.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Mahsa con su daf</td></tr>
</tbody></table>
La obra se abre con Sad sol en la impresionante voz de Mahsa Vahdat de Irán, acompañada de la cantante inglesa Sarah Jane Morris (que yo conocía por su aparición en el himno gay Don't leave me this way de los Communards con el agudo Jimmy Somerville, un inolvidable dueto), y aupados por la bella sonoridad de un setar iraní que toca Mahsa, el disco ya apunta un viaje maravilloso. o sea repleto de maravillas.</div>
<div style="text-align: justify;">
El sendero musical nos lleva a continuación a la vecina Iraq (la "genial" ocurrencia de juntar a dos enemigos recalcitrantes como Irán e Iraq en un supuesto eje tiene bemoles) de la mano de Halla Bassam y la canción Dilelol, el oud de su compañero de duo folklórico Amel Kthyer sustenta este nuevo de tesoro de canto maternal.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://4.bp.blogspot.com/-vT8m2OYP-8I/Tr-DZnOyeGI/AAAAAAAAAjw/JmCCKn_0CNw/s1600/axis2_row2.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="89" src="http://4.bp.blogspot.com/-vT8m2OYP-8I/Tr-DZnOyeGI/AAAAAAAAAjw/JmCCKn_0CNw/s320/axis2_row2.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Algunas no pueden cantar en público en sus países</td></tr>
</tbody></table>
Afganistan, Palestina, Siria... Seguimos un itinerario por los pueblos que cuentan su historia por milenios, la música ya nos ha atrapado sin remisión y las voces de Kuilsom Syed Ghulam (con la mexicana Lila Downs), la especialísima Rim Banna (con Kari Brennes, de la factoría Kirkelig Kulturverksted) y Mayada Killisly Baghdadi (con la también mexicana Mimí) nos arrullan con piezas de sus respectivos países. Cada una de ellas desde la intimidad que confiere el canto, desde la universalidad que otorga el acune.</div>
<div style="text-align: justify;">
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-6HDqn-s_-0Y/Tr-DZOlp_cI/AAAAAAAAAjs/IeV3juw8ffg/s1600/axis2_row1.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="98" src="http://3.bp.blogspot.com/-6HDqn-s_-0Y/Tr-DZOlp_cI/AAAAAAAAAjs/IeV3juw8ffg/s320/axis2_row1.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Mujeres, madres, gestoras de nanas</td></tr>
</tbody></table>
La lista de países "perversos" la completan Cuba y Corea del norte (la del sur es "la buena"), desde el Caribe Martha Lorenzo, con la ochentera Nina Hagen, pinta un Arurú precioso que nos suena muy conocido y el Pacífico se asoma con la voz de la cantante coreana Dom Ju Lee en compañía de la vocalista de los Fairground Attraction, la escocesa Eddi Reader.</div>
<div style="text-align: justify;">
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-Kh6YafxpnFA/Tr-DZ5gSQ8I/AAAAAAAAAj0/jo6zhpO_D1w/s1600/axis2_row3.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="123" src="http://2.bp.blogspot.com/-Kh6YafxpnFA/Tr-DZ5gSQ8I/AAAAAAAAAj0/jo6zhpO_D1w/s320/axis2_row3.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Ellas son las voces de la belleza</td></tr>
</tbody></table>
Las siete canciones restantes repiten casi todas la procedencia, con otras vocalistas, todas excelentes, todas implicadas en el canto común que Erik diseña. No quiero inflar de más nombres la entrada porque la idea es que el disco se incorpore a las discografías de los lectores de este blog y en sus créditos se halla toda la información del mismo.</div>
<div style="text-align: justify;">
La grabación de la obra constituyó una experiencia personal trascendente para Erik, como no podía ser de otra manera, dada la extrema dificultad de llevar a cabo las grabaciones y os dejo el enlace el que nos la cuenta con detalle (<a href="http://www.hrmusic.com/artists/axis.html">http://www.hrmusic.com/artists/axis.html</a>), tal es así que en la portada de la web de su discográfica tiene colgado el siguiente texto:</div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Times,'Times New Roman',serif;"><span class="bold" style="color: black; font-weight: bold; text-decoration: none;">Lullabies from the Axis of Evil</span><br />Having been involved in 300 record-productions, most of them as a producer, I would like to give you the following message:<br />I have very seldom taken part in projects of which I truly can say that they changed me as a person. It might have happened four or five times before. Now it has happened again.<br />The album contains 14 lullabies from Iran, Iraq, North Korea, Palestine, Syria, Afghanistan and Cuba. Every lullaby is presented in its original form sung by women from these countries, and then a western version with interpretations in English sung by singers like <b>Nina Hagen</b> (Germany), <b>Eddi Reader</b>(Scotland – Fairground Attraction), <b>Sarah Jane Morris</b> (England), <b>Lila Downs</b> (USA/Mexico) and <b>Mimi</b>(USA) is attached to it, within a musical landscape composed by <b>Knut Reiersrud</b>. Thus the record forms 14 small musical bridges between east and west.<br />In the world of today, there is a need of the power of lullabies. They are more reliable than most of the hits we find on the charts these days. They will remain when most of the digital dust from the porous music business has fallen to the ground. They are the point where the cultures and civilisations of the earth meet each other, or rather the common starting-point from which they grow into diversity.</span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Times,'Times New Roman',serif;">In the world of today the lullabies are more sustain than the weapons of Bush and Al-Qaida.</span><br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-86o7yux32rk/Tr99drDau3I/AAAAAAAAAic/qGC_CXoJSpg/s1600/axis1.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="177" src="http://3.bp.blogspot.com/-86o7yux32rk/Tr99drDau3I/AAAAAAAAAic/qGC_CXoJSpg/s200/axis1.jpg" width="200" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Las colaboradoras de las cantantes</td></tr>
</tbody></table>
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Times,'Times New Roman',serif;">But it is not a given fact that all people hear them. It is not a given fact that the mothers’ voices are heard at all. Most of what the media brings us is the language of power, generally spoken by men.<br />Good music has a great value! It has the ability of changing people’s attitudes and minds. People who bring about and sell music do an important job in the world today! You know your audience, and how to reach them. This is a work of peace.</span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Times,'Times New Roman',serif;"><b>Erik Hillestad</b></span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Times,'Times New Roman',serif;"><b>Producer </b></span></div>
<div style="text-align: justify;">
Poco se puede añadir a un texto tan perfecto, tan sólo me resta agradecer a Antonio, un compañero de trabajo, haberme indicado y recomendado este disco, que proyecta ante mí un recorrido tan generoso, ya que estoy en fase de investigación de las obras de todas las cantantes que intervienen en el álbum y ello augura una entrada futura con la herencia del Lullabies from the axis of evil.</div>
<div style="text-align: justify;">
Dedicado a todas las madres y a sus bebés, es decir a la humanidad entera.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>Hugo Enojohttp://www.blogger.com/profile/15712978877119647738noreply@blogger.com12Oslo, Noruega59.9138688 10.752245459.7865108 10.4363884 60.041226800000004 11.068102399999999tag:blogger.com,1999:blog-2459155305508967238.post-27389541564524685852011-11-06T16:56:00.000+01:002011-12-16T10:24:47.498+01:00La fiesta de la música<div style="text-align: justify;">
La presencia de la música en las vidas de las personas es un tema recurrente para este blogero, el sentido adicional que le confiere a algunas personas y la aparente vacuidad que les aporta a algunas otras. Podríamos extender esta perspectiva hacia el resto de artes existentes, gente que piensa, y opina, que lo que hace Miró lo puede hacer un niño (yo quiero ser ese niño!!!) o que los lienzos de Pollock son fruto de una conspiración de algunos para tomar el pelo a los otros, frente a otros que sentimos que la respiración se nos corta cuando nos presentamos frente a algunos cuadros (tengo preparado el respirador para la visita a la Escalera de la evasión en la Fundació Miró). No quiero dar la sensación de creer ser un espectador privilegiado y perteneciente a una casta superior que domina las claves para entender lo que le está negado a la mayoría de los mortales. </div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-LX2aOryBpN8/TraUzn4oOWI/AAAAAAAAAhE/2WmUIBUmbhg/s1600/miro.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="425" src="http://2.bp.blogspot.com/-LX2aOryBpN8/TraUzn4oOWI/AAAAAAAAAhE/2WmUIBUmbhg/s640/miro.jpg" style="cursor: move;" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">La obra que un niño pudo hacer, el éxtasis hecho lienzo</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
Tengo fascinación enfermiza por la literatura y la música, adoro la pintura, la escultura y el cine, me estremezco en la ópera y en los recitales de música en directo, pero me aburre soberanamente el teatro (la mayor parte de las veces), nunca he entendido la plástica del ballet o mucho menos la danza contemporánea, quiero decir, y me resulta de una obviedad plúmbea que sea una superioridad el disfrute de una manifestación artística, ni que hay un arte mejor que otro, en todo caso es una suerte poder tener acceso y gozar de alguna de ellas, creo que la humanidad es mejor en cuanto progresan sus manifestaciones artísticas, que los habitantes de este planeta somos más un grupo inofensivo y amable cuando disfrutamos de la creación o de la degustación del arte (presente en todas las culturas desde que el mono se yergue y empieza a caminar) que cuando fijamos nuestra atención sobre lindes ajenos o aspectos, digamos, más prosaicos de nuestras vidas.</div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-4efMzS6cCYY/TraoDS4oNgI/AAAAAAAAAhc/HUnCPxR-VqQ/s1600/jpg_musica.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="229" src="http://2.bp.blogspot.com/-4efMzS6cCYY/TraoDS4oNgI/AAAAAAAAAhc/HUnCPxR-VqQ/s320/jpg_musica.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">La música sale de las partituras y nos envuelve</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
El tema es de una claridad meridiana para mí y está constituido de forma sólida en el territorio de los paradigmas personales desde hace ya unas décadas, cada uno de nosotros debe buscar su rinconcito al sol para poder tener motivos para sonreír el máximo número de horas del máximo número de días, gozar sin perjudicar, ser felices sin crear dolor. Y para ello el arte es una de las mejores herramientas que yo pueda imaginar, su merodeo y disfrute se puede hacer solo, en pareja, en familia, en grupo o en horda, no hay límites temporales ni espaciales, se puede hacer en la calle, en casa, donde sea.</div>
<div style="text-align: justify;">
La entrada de hoy pretende fijar la atención en uno de los usos más universales del arte por los seres humanos. La música en las fiestas, en las celebraciones, en las reuniones lúdicas de cualquier tipo es una constante que no se puede obviar, es un arte aplicado y ejerciendo el sentido primigenio, transmitir sensaciones entre los seres humanos. Aún aquellas personas que no tienen discos en sus casas, o que mantienen una percepción personal de no tener nada que ver con esa manifestación artística, encontrarán natural y adecuado que después de los cafés de la boda de una prima, empiecen a sonar los altavoces y alegres melodías (a veces mejores que Paquito el chocolatero) conduzcan al grupo por el proceloso mundo de las fiestas nupciales. Ayer, estando inmerso en una deliciosa fiesta de Halloween, lo sé con un pequeño retraso en el calendario, y en mi tarea habitual en este tipo de actividades, hacer de pincha aficionado, reflexionaba sobre un nuevo género para el el Itunes, un género musical que todos tenemos en la cabeza de forma más o menos inconsciente, el Pachanga (el termino proviene de un género con el que mantiene pocas concordancias, tan solo les une su carácter de fiesta). El Pachanga es un tipo de clasificación con algunas características peculiares en un mundo de etiquetas, ya lo he comentado alguna vez, muy subjetivo, a veces artificialmente hinchado por los expertos de marketing de las discográficas, los críticos musicales o los desvaríos de los seguidores.</div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-Nvt-aAHA5_s/TraUygS11lI/AAAAAAAAAg8/TqTFuj99aLs/s1600/michael-hart.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="300" src="http://2.bp.blogspot.com/-Nvt-aAHA5_s/TraUygS11lI/AAAAAAAAAg8/TqTFuj99aLs/s400/michael-hart.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Gracias, muchas gracias Michael Hart, inventor del eBook</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
Las personas clasificamos principalmente para encontrar y para hallar cierta paz mental en el uso de conjuntos abarrotados, es decir, se etiqueta para hacer la gestión de los grupos más eficiente. En la biblioteca, cuando se tiene y le crece de forma desproporcionada (gracias a Michael vemos la luz en la solución de ese problema) uno se enfrenta a la ubicación del grupo creciente de esos maravillosos objetos que son los libros y al problema de situarlos de forma que puedan ser recuperados de forma más o menos ágil, o sea, los clasificamos por géneros, por editoriales, por temas, por tamaños, por épocas o por cualquier tipificación que se nos ocurra. Con la música en formatos físicos hacíamos lo mismo, y con una necesidad mayor, ya que la necesidad de acceso es muy superior a la de los libros. Con la llegada de los soportes digitales la explosión se produce, la cantidad de música que manejamos los melómanos en la actualidad era un sueño tan solo un par de décadas atrás. Hace unos años conocí a un tipo encantador que tenía una habitación forrada con estanterías repletas de discos, era un oyente algo selectivo ya que en todas ellas no había más que Clásica, o sea Barroco, Ópera, Contemporánea, etc.., nada de Pop, Rock, Jazz ni esas cosas, de Pachanga ni comentemos. No tengo el recuerdo preciso de la cantidad pero rondaría una cifra superior a los cinco mil álbumes (clasificados por géneros y fechas por si existía interés en saberlo), el hecho era de una excepcionalidad notable y motivo de comentario habitual. Ahora mismo, sin pensar demasiado puedo citar a media docena de personas que superan esa cifra de forma holgada. El problema de la localización se ha simplificado gracias a las múltiples herramientas de búsqueda que la informática nos proporciona, pero se ha complicado con el brutal incremento de objetos a encontrar. El uso de las etiquetas en los archivos de MP3 se ha convertido en un estándar en el último lustro, aún recuerdo las interminables horas que tenía que dedicar no hace tanto para rellenar los campos de aquellos archivos que me descargaba y tenían las bonitas descripciones de; track 01, artista desconocido, álbum desconocido... Desde hace un tiempo esto ya no es así y la identificación está bastante normalizada y los campos ya no precisan de edición y etiquetado, todos excepto el género. Lo que es Rock para uno, es Pop para otro, o Rhytm and blues o Pachanga... , porque lo esencial es que cuando se quiera acceder por la necesidad de un tipo de música, no por un autor o disco concreto, la selección sea posible. Y de ahí la importancia de este etiqueta y de ahí mi reflexión de anoche.</div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-f4olY5Xlp5c/TraqTAR5tGI/AAAAAAAAAhk/tgIEYY2BJKg/s1600/Canciones.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="196" src="http://1.bp.blogspot.com/-f4olY5Xlp5c/TraqTAR5tGI/AAAAAAAAAhk/tgIEYY2BJKg/s400/Canciones.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">De momento 5550</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
En una discoteca que cuenta con 5550 álbumes clasificados y perfectamente ordenados (más un disco externo con una Tera pendiente de gestionar) el uso de tamaña colección es muy variado y esclavo de muchas situaciones diferentes. Las fiestas y el amenizaje mediante un fondo sonoro es una de ellas. La divertida función de DJ es una actividad que vengo practicando desde que tengo uso de dispositivos musicales, jamás se me pasaría por la cabeza hacerlo en discotecas porque no soy un pincha llenapistas y la música Disco no es más que una pequeña parte de las opciones que están disponibles para musicar una fiesta. Me inicié en esta función desde el aburrimiento que me producían generalmente las elecciones musicales de mis anfitriones y en la comprobación de que a la mayoría de las personas no le importa que otro se ocupe del cometido mientras no sea excesivamente marginal o esquivo en su repertorio, y con los años se ha convertido en algo natural y esperado por mi círculo de amistades: hay fiesta, Ferrán se encargará de la música. De todo ello no hay que inferir de ningún modo que el encargo sea un monopolio, la actividad permite, genera, agradece y aplaude las incorporaciones frecuentes, las aportaciones de Aída, Núria y el añadido de los pedidores recurrentes como Alfons, hacen del producto elaborado una combinación más rica y adecuada.. Y los que se quieran añadir.</div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-arAyHkGZtGE/TraUyKM3fEI/AAAAAAAAAg0/EXurOJUkWIQ/s1600/DJ.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="http://1.bp.blogspot.com/-arAyHkGZtGE/TraUyKM3fEI/AAAAAAAAAg0/EXurOJUkWIQ/s1600/DJ.jpg" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">En faena</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
El "empleo" precisa de amplio repertorio, de suficiente atención a las demandas expresas, o percibidas, de la concurrencia, y disfrute del mismo, y creo que cumplo con todas ellas. Ayer decidí incorporar el género Pachanga para hacer todo ello más fácil y estuve desglosando las características que un tema debe cumplir para estar incluido en él: lo básico, que sea conocido, sin esa cualidad el mejor tema del mundo genera una distracción excesiva en el fluir de la fiesta, lo recomendable, que sea evocador, un tema Pachanga tiene que provocar sonrisas de rememoranza gozosa en al mayor número posible de concurrentes, lo excelente, que sea muy bailable, una fiesta sin adultos moviéndose en posturas que al día siguiente le resultarán, como mínimo, graciosas, no es una fiesta que se precie. Y lo perfecto es que además, sea buena música, aunque eso ya es mucho más difícil.</div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://4.bp.blogspot.com/-LLwvPY7dbAo/TraU0XcnyeI/AAAAAAAAAhI/IZNw-vwSxyk/s1600/P1000602.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="http://4.bp.blogspot.com/-LLwvPY7dbAo/TraU0XcnyeI/AAAAAAAAAhI/IZNw-vwSxyk/s1600/P1000602.jpg" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">La fiesta se embarca</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
La ecuación está servida y el empeño iniciado, la tarea sería más cómoda si existiera algo que hace años que echo en falta, la posibilidad de etiquetas múltiples, un álbum de Heavy, por ejemplo, puede contener tranquilamente algún tema que, sin dejar de pertenecer al género del conjunto, y debería poder etiquetarse como Balada o Pachanga (lease Winds of change, de los siempre muy prescindibles Scorpions), pero como de momento esto no es posible tendré que optar por el pragmatismo y decidir por la etiqueta que mejor defina el uso de la música y no su descripción más fidedigna u optar por acuñar la etiqueta de Pachanga en algún campo no usado de los créditos de las canciones, al fin y al cabo clasificamos para encontrar, no lo olvidemos.</div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-2Nc4ALQsz_8/TrarSlNjc_I/AAAAAAAAAhs/PhSxuddPl6Y/s1600/movida.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="http://1.bp.blogspot.com/-2Nc4ALQsz_8/TrarSlNjc_I/AAAAAAAAAhs/PhSxuddPl6Y/s1600/movida.jpg" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">La movida engendró personajes, ojo a Pedro A</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
Canciones que se han convertido al nuevo género desde hoy y que justifican su acomodo en mi discografía por el uso que van a dar en las fiestas:</div>
<div style="text-align: justify;">
Primero y de forma preferente, un montón de temas que eran de Pop español y que han sonado y sonarán de forma exitosa: Alaska, Radio Futura, Gabinete, Siniestro, Nacha, Café Quijano, Loquillo, Duncan Dhu, Ella Baila Sola, Glutamato, Jeanette, Manzanita, Os Resentidos, Parálisis, Los Secretos, Semen-Up, Tequila, Los Brincos, Los Mustang, La Unión, Alejandro Sanz, Orozco, Amaral, El Canto, Dover, Celtas Cortos, Estopa, Fito, Jarabe, Delinqüentes, El Último, .... Ni todos sus temas ni todos en la misma proporción, pero este nutridito saco de músicos tiene un buen número de canciones que cumplen a la perfección con las cuatro premisas expuestas y han sido testadas de forma exitosa en el pasado. La música española Pop de los últimos cuarenta años forma parte de nuestras vidas y nos resulta muy oportuna para establecer complicidades festivas sin esfuerzo, Adjudicadas quedan.</div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-0gJIYzyagHE/TrasXf0SfWI/AAAAAAAAAiA/UTFuhzPfVpY/s1600/Tozzi.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="224" src="http://2.bp.blogspot.com/-0gJIYzyagHE/TrasXf0SfWI/AAAAAAAAAiA/UTFuhzPfVpY/s320/Tozzi.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Umberto un tanto postizo</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
Un segundo grupo muy resultón y que incluye el tema que hizo que Sergio (un saludo company) abandonara por un momento su hieratismo plácido y se marcara unos contoneos, es el colectivo mediterráneo no español, los roncos baladistas italianos, algún griego setentero y la oportuna y recurrente "Chanson" ofrecen un nicho fecundo de sones fiesteros, no es preciso enumerarlos porque desde Adamo hasta Ramazzoti, pasando por Pappalardo, Demis o Tozzi, son de sobras conocidos y quien mas y quien menos guarda secuencias dulces o emocionantes en su memoria que desfilan bajo sus sones.</div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://4.bp.blogspot.com/-m_lwLeZonMA/TrasW4038sI/AAAAAAAAAh4/ny94sDZFj3Y/s1600/james-brown-jump.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="http://4.bp.blogspot.com/-m_lwLeZonMA/TrasW4038sI/AAAAAAAAAh4/ny94sDZFj3Y/s400/james-brown-jump.jpg" width="293" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Cómo no nos va a hacer bailar?</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
No podía faltar en esta modalidad musical de guateque el grupo de los reyes de pistas atemporales, los de la época Disco, los reyes del Rock and Roll, o los amos del Soul con voz de terciopelo, las bandas del Philadelphia, incluyendo Ska o Reggae como fuentes tradicionales para lograr que los hombros se pongan en movimiento sobre la pista. Una comunidad surgida sobre todo de la música negra y que constituye otro modo eficaz para sortear los sonidos desangelados que solo rompen el silencio pero que no acunan el jolgorio. Surgen en cualquier mente los nombres que optarán a estar aquí incluidos, los Jackson, Marley, Redding, Andre Williams, Preseley, Little Richard, Aretha, UB40, Smokey y compañía, nutrirán con su poderoso, a veces, sensual, otras y siempre completo, sonido las horas alegres que todo guateque debe rellenar. Este grupo es en el que complementar con la etiqueta Pachanga se hace más difícil ya que a muchos de los que aportarán temas les tengo una consideración musical máxima y no quisiera que eso les trivializase en absoluto.</div>
<div style="text-align: justify;">
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-F5fLsGPtcp8/TrasWT-baGI/AAAAAAAAAh0/1UFRRFzGDVc/s1600/nilsson.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="http://1.bp.blogspot.com/-F5fLsGPtcp8/TrasWT-baGI/AAAAAAAAAh0/1UFRRFzGDVc/s1600/nilsson.jpg" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">El gran Harry Nilsson, nos canta y viajamos</td></tr>
</tbody></table>
Por último nos vamos a la música de los músicos, o las bandas, que han acuñado algún, o algunos himnos generacionales que nos han marcado en mayor o menor medida a casi todos.<br />
En algunos casos por simple repetición en escuchas obligadas por su difusión (Final countdown de los crespados Europe sin ir más lejos), en otros por estar circunscritos a películas míticas para los que tenemos entre treinta y sesenta (Harry Nilson en su Everibody's talking de Midnight Cowboy, imprescindible) y así un sin número de piezas que identificamos a los dos segundos de empezar a sonar. La mescolanza es extrema, desde "basura gomosa" infumable en cualquier otro momento a obras geniales que podemos tener en escucha sin parar, pero todas ellas cumplirán su misión, todas crearán nexos en el colectivo participante. </div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://4.bp.blogspot.com/-VQW0c8FusIo/TraU0xbd1-I/AAAAAAAAAhU/C8HPve9QhA4/s1600/P1000605.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="225" src="http://4.bp.blogspot.com/-VQW0c8FusIo/TraU0xbd1-I/AAAAAAAAAhU/C8HPve9QhA4/s400/P1000605.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">El éxito salta a la vista, hay pasión musical</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
Además de todo lo citado el Itunes siempre tendrá una oportunidad de hacer surgir alguna canción Pachanga desde otros lugares, la aportación de las solicitudes, las colaboraciones y la propia inspiración del momento hará que emerjan agradablemente aportes no previstos y que contribuirán de forma eficaz al guión de la banda sonora que ambienta la fiesta.</div>
<div style="text-align: justify;">
Una castañada de brujas y vampiros, suicidas y seres siniestros, celebrada fuera de calendario ha posibilitado esta entrada, unos amigos que la han llenado con su calidez y bonhomía la han hecho memorable, y la música una vez más, es la responsable.<br />
La fiesta de la música, la música de la fiesta</div>Hugo Enojohttp://www.blogger.com/profile/15712978877119647738noreply@blogger.com1808189 Sant Quirze Safaja, España41.7273232 2.153063241.6799212 2.0740992 41.7747252 2.2320272